Una cinta que tiene una excelente idea, maravillosa idea fílmica, pero un pésimo guion.
Si la ven por ahí, no pierdan su tiempo, es una cinta nauseabunda de pésimo gusto.
.
La mayor parte del tiempo se la pasa prometiendo una gran historia y entonces el espectador se engancha y decide seguir, sólo para terminar dándose cuenta que ha perdido más de una hora y media de su vida. Por eso si la ven por ahí, no se dejen seducir por la sinopsis y busquen otra cosa.
.
Es como si los inversionistas hubiesen apresurado a los “directores” y les dijeran; -Saben qué necesitamos que ya terminen esa película y queremos que sea impresionante, algo nunca visto en el cine de terror- y entonces faltando ya como 25 minutos, hacen alarde de mal gusto, de lo explícito sin límites. De unas escenas que más que terror dan asco y pena ajena de dirección fílmica.
.
No se tiene nada de talento para resolver una historia y una idea que está bien planteada y todo se termina desinflando, una buena idea termina de una forma bizarra y absurda.

(Vista el 4 de abril de 2024)
Godofredo Oscós Flores

Una cinta que intenta enaltecer el amor pero que no lo logra demasiado, pues la primera historia de amor presentada no emociona y la segunda tampoco. La segunda incluso no lleva a ninguna parte y la primera no se sabe si acaso tendrá su oportunidad otra vez, todo queda confuso, a la interpretación del espectador, o sea el método fácil cuando ya no se sabe como guiar la historia.

La música y las aventuras de la industria musical es lo que sostiene gran parte de la película, se quiere en medio meter una historia de amor, o dos historias, y ninguna emociona, el guionista nunca sabe por cual decidirse.

Godofredo Oscós Flores

Una historia de amor sencilla enmarcada en aventuras medievales, la mayoría de las aventuras son poco convincentes, aunque sí, hay algunas escenas bien elaboradas en la producción del contexto medieval, de acuerdo a la época en que fue filmada son un logro aceptable.

Es una cinta que no aburre, siempre pasan cosas y el tiempo fluye, tanto el tiempo fílmico como el tiempo del espectador por lo que considero que es una buena opción de cine familiar. Pretende a veces ser conmovedora exaltando algunos valores épicos, pero no lo logra. La pareja romántica principal sí llena la pantalla y cumple con los pocos retos de actuación planteados.

-Godofredo Oscós Flores-
(vista el 20 de febrero de 2024)

Es la versión fílmica de la canción -Amarra un listón amarillo al viejo roble- (existe ya una versión de 1977), se trata de presentar al espectador un contexto bastante rebuscado pero efectivo, pues los personajes ahí planteados difícilmente podrían coincidir en la realidad.
Parece sencilla pero tiene suficiente nivel de complejidad para resultar interesante mientras van pasando los minutos.-Es un hombre bueno, pero arruinó su vida- Así van surgiendo frases y situaciones que permiten intuir la vida interior que tienen en ese momento de su existencia cada uno los tres personajes, cada uno experimentando la soledad a su modo. Reconociéndose en el otro.
.
Los tres actores hacen muy buenas actuaciones, cada uno casi perfecto, o perfecto en su papel. Es una película que seguro y salió mejor de lo planeado precisamente porque el casting de actores se complementa de lo mejor en la historia.

-Godofredo Oscós Flores-
(Vista el 27 de febrero de 2024)

La cinta estuvo prohibida 11 años por el gobierno mexicano de entonces y esa pueda ser una razón suficiente para darle una revisada y formarse una opinión del porqué no obtuvo autorización para presentarse al público.

Este 2021 cumple 60 años y parece más vigente y oportuna que nunca para darse cuenta del poder que pueden permitirse las corporaciones de negocios extranjeras que sobreexplotan los recursos de otros países apoyados por pequeños traidores.

La novela en que se basa es de Otto Feige un Alemán que trataba en sus novelas temas políticos delicados y por ello usaba varios seudónimos, y el guion fue adaptado por Emilio Carballido, escritor mexicano sobresaliente que conocía el contexto de saqueo petrolero de Veracruz y Tabasco de los años 30s.

La cinta no hace sobresalir a ninguno de los actores participantes, se trata de ser sólida en el conjunto, el novelista, el guionista y el director quedan bien representados en el film, incluso el fotógrafo y el musicalizador aportan para una obra que si bien no es maestra tampoco es una obra para ignorarse, más por su valor como documento que narra una etapa importante de México, previa a la expropiación petrolera.

Tiene escenas bien planteadas que establecen un diálogo con otras escenas, la vida sencilla que se lleva en La Rosa Blanca, con la opulencia que rodea a los magnates petroleros.

Se narra en esta propuesta como las compañías petroleras son un gigante contra el que nadie puede dar pelea, pero también se narra como las asociaciones de obreros pueden convertirse en gigantes del mismo tamaño o más.

Se trata de un film que exalta la defensa de los derechos humanos, la justicia, el amor a la tierra.

(23sep2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

Esta película se vuelve atractiva de ver con sólo mirar la sinopsis; -un señor bastante mayor al cual le sale una enamorada secreta muy joven que le envía cartas de amor anónimas-.

Y entonces el espectador se engancha, y por un tiempo la película promete y promete y promete y promete y promete… y por bastante tiempo no llega a nada.
No llega a nada en la narrativa que ha enganchado al espectador y pasa el tiempo de la película que se empieza a hacer largo, y entonces afortunadamente sí llega a algo en el contexto que rodea a esa historia, se muestra la cotidianeidad de la urbe, las tomas de la nota roja de la prensa sensacionalista que es donde trabaja Mariana como fotoperiodista y el ambiente monótono donde trabaja Don Andrés.

Todo eso debe ser suavizado por la productora Televicine que busca una estética para la pantalla chica en contraparte con el director que busca una estética para la pantalla grande, en algunas tomas lo logra pero se nota que alguien impuso límites, o la misma historia fue poniendo límites, sin embargo hay algunas escenas muy expresivas del mundo oculto y subterráneo de la ciudad y sus criaturas nocturnas.

En ese contexto se enmarca la soledad de dos personas que empiezan un juego de pequeña venganza que va creciendo hasta alcanzar magnitudes de tragedia urbana que pasa a engrosar las notas de la prensa sensacionalista donde ninguno de los dos personajes involucrados logra entender qué es lo que ha pasado, pero sin duda sus vidas han cambiado a partir de incidentes menores.

Ambos personajes han salido afectados, pareciera que el único afectado es Don Andrés pero Mariana también tendrá que afrontar consecuencias de algo que inició como una broma con efectos menores.

Hay atisbos de buen cine en algunos lapsos de la película y por ello merece la difusión que no tuvo en su momento.

(18agoto2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

Un tortuoso camino el de esta estimable cinta en blanco y negro, pues se estrenó hasta un año después de haber sido terminada, luego estuvo sólo una semana en la cartelera, posteriormente estuvo enlatada por unos 30 años, luego fue rescatada en los años 60s por algunos pocos cineclubs que la exhibieron, después de eso volvió a ser ignorada otros 20 años, luego fue rescatada algunas veces por la televisión que la transmitía muy esporádicamente. Y…actualmente es muy poco difundida.

Pareciera que se trata de una película 100% bélico-revolucionaria pero la verdad es que se puede considerar en un 65% (o más) una oda a la amistad.

Se trata de un pequeño grupo de amigos (Los Leones de San Pablo) de un pueblo igualmente pequeño que deciden unirse a la revolución empujados por las circunstancias y también por la convicción y más que nada por la amistad de no dejar ir solos a los amigos cuando algunos de ellos deciden pelear la causa.

Entonces Pancho Villa pasa a ser un personaje muy secundario y los protagonistas son los Leones de San Pablo. Las confrontaciones revolucionarias filmadas en un formato de superproducción (de la época) no son lo que sustenta la historia, el sustento es la amistad, la camaradería, la lealtad de -Los Leones- que se conocen de años. La revolución y el ejército de Villa son sólo un contexto.

El ejército Villista es heterogéneo, quizás todos persiguen una causa pero no de la misma manera, y aunque en la batalla son como uno solo, cuando no se está en batalla se tienen que formar pelotones de amigos para cuidarse unos a otros pues constantemente puede salir alguno que después de unos tragos quiere demostrar que es el más valiente.

Así Los Leones van a enfrentar retos que van a superar por su arraigada amistad que traen desde San Pablo, sin embargo no van a superar todas las adversidades y el espectador va a ir observando como algunas batallas se ganan y otras se pierden, algunos peligros se superan y otros nunca.

Con todo, estos seis Leones mantuvieron su amistad hasta el último tramo del camino, cada uno de ellos a su manera honró la amistad de los demás.

(11agosto2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

Se trata de una historia de amor muy sencilla, inmersa en formato comedia musical, parece más larga de lo que en realidad es porque tiende a la monotonía, se trata de explotar lo visual de lo teatral y eso cansa al espectador, tanta teatralidad sin dar lugar a alguna historia. Sin embargo es una cinta bien preservada, filmada con gran calidad para la tecnología fílmica de su tiempo.

Es una cinta en blanco y negro filmada en 1941 pero está ambientada unas dos o tres décadas atrás, durante el porfiriato, por lo que fue y es una película de época que tuvo que reconstruir ambientes pasados. Es una crítica mesuradamente sarcástica de esa época, una mirada cómica, que muestra los “problemas” que preocupan a la alta sociedad que se organizaba en grupos como la Liga de las buenas Costumbres, (sus costumbres) en este sentido no tiene impacto como crítica porque no hay el otro extremo de pobreza sólo el de la opulencia.

Lo larga que se hace la cinta da tiempo para analizar al -don Simón- de Joaquín Pardavé y entonces se puede hallar un antecedente de Cantinflas, un atisbo, no se puede negar que sus actuaciones serían una influencia para ese personaje posterior.

También da ocasión para analizar la cine fotografía de Gabriel Figueroa que ya daba algunos encuadres de lo que llegaría a ser, pero muy pocos porque se nota la dirección casi total de Julio Bracho un director surgido de la escena teatral que traspasó a su película técnicas teatrales sin filtrarlas mucho o mesurarlas.

Las actuaciones de Mapy Cortés, Arturo de Córdoba, y otros personajes secundarios cumplen con los objetivos de la comedia musical, no hay personajes en la historia que exigieran grandes actuaciones.

La cinta fue un éxito en su momento, la alta sociedad que la vio seguramente suspiraba por esos tiempos idos del porfiriato, donde lo que les preocupaba eran problemas verdaderamente menores como el conservar sus supuestas buenas costumbres y la clase media y baja quizás la aceptó tanto porque esos tiempos afrancesados ya no volverían.

En verdad fue un éxito de taquilla cuando fue presentada al gran público. La calidad de imagen y encuadre es muy buena para su tiempo, y para los interesados en el cine mexicano antiguo sin duda es un espécimen que debe verse.

La cinta ya tiene 80 años que no se le notan (parece mucho más joven).

(8agosto2021)
Por Godofredo Oscós Flores

MEX (1964) Cine de 3.74 estrellas de 5

En los primeros ocho minutos del film parece que se va a explorar el universo profundo de Juan Rulfo (la historia es suya) pero sólo es en ese breve lapso, después ya no parece historia suya, ni de Carlos Fuentes, ni de García Márquez (adaptadores del guion, una colaboración de lujo) se vuelve una cinta normal y hasta se vuelve muy larga al enfocarse demasiado en algunos aspectos que no aportan, como el vicio del juego (de baraja).

La fotografía de Gabriel Figueroa pueda ser de las cosas buenas del film, incluso la totalidad del film pueda hasta tener un valor histórico pues logra plasmar escenarios del México fiestero y apostador de los años 1930s. Como documento fílmico es valioso, no tanto como aporte cinematográfico.

El Gallo de Oro es una obra desconocida y poco difundida de Juan Rulfo, muchos la etiquetan sólo como guion menor para cine, pero es una novela. Puede quizás no estar a la altura de Pedro Páramo pero es muy buena novela, incluso para los lectores de Rulfo tiene altas probabilidades de volverse la favorita.

En el cine no pudo explorarse esa soledad amplia de sus personajes oprimidos, al parecer no le gustó como versionaron su obra, y por eso hizo novela lo que inicialmente sólo era un guion y tuvo resultados aceptables al publicarla unos 16 años después en 1980.

Con todo eso -El Gallo de Oro- no es una cinta para ignorarla, la obra de Rulfo tiene muchos estudiosos y seguidores, y esta incursión de su narrativa en el cine tiene matices para complementar esos estudios y al verla muchos pueden interesarse en su obra escrita. Debe verse si se tiene la ocasión de verla.

Lucha Villa, Narciso Busquets e Ignacio López Tarso son el soporte de la historia, alrededor de ellos gira todo y cumplen con sus actuaciones, de hecho parecen los actores perfectos para ello, se hizo una buena selección en este aspecto.

Roberto Gavaldón el director también parece ser un acierto, lo que sin duda no lo es, son los productores, que trabajaron con premura e hicieron trabajar a los demás con premuras, exigiendo tiempo a todos los involucrados y eso se nota cuando la película parece cortada de golpe, así como para cumplir con una fecha, sin una edición eficaz que quitara la paja de las escenas y que insinuara la historia faltante.

(3agosto2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

MX (2021) Documental de 3.95 estrellas de 5

En México durante los 80s y 90s, etapa de mayor corrupción del régimen de gobierno imperante (del siglo pasado porque luego se superaron en las dos primeras décadas de este S. XXI), era una época en que resolver un expediente de homicidio se establecía por fechas, si a tal fecha no se ha solucionado, pues a fabricar culpables.

No es el caso del asesinato del periodista Manuel Buendía, NO lo es, pues acá las autoridades y el gobierno parecen saber quién es el autor intelectual internacional y quien el autor intelectual nacional y quien los autores materiales.

“Vinieron a ver si de verdad ya está muerto” Dice uno de los periodistas que colaboran en el documental cuando le muestran escenas del sepelio del periodista.

Y este es uno de los valiosos aportes del documental, que logró conjuntar testimonios de algunos periodistas que conocieron a Buendía, de otros que colaboraban con él, de otros que lo admiraban, de otros que conocían a sus enemigos, de otros que fueron afectados con su muerte, de otros que siguen buscando justicia real.

“Vinieron a ver si de verdad ya está muerto” O parece que fueron exclusivamente a eso al sepelio, pues los personajes que se incomodaban con los textos de Buendía eran muchos, y ahí estaban algunos en la ceremonia del sepelio.

Otros estaban desde sus casas, seguramente respirando tranquilamente de que ya nadie iba a incomodarlos con sus escritos, y eso incluye a personajes del extranjero.

Red Privada es un documental que no deja indiferente y muestra una enorme telaraña de corrupción en el poder a la cual debe enfrentarse la pequeña red de informantes de Buendía, con él al frente de cada arremetida de enemigos que al final se unieron porque por separado NO podían detener su pluma.

Es un homenaje al auténtico periodismo, y a Manuel Buendía que NO merece de ninguna manera el olvido histórico aun cuando oficialmente parece que su caso está aclarado.

(18julio2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

MX (1999) Cine de 3.28 estrellas de 5

Vi la cinta en su estreno en las salas de cine por allá por el año 2000, y sin ser una gran película tiene la función de entretener y eso ya tiene cierto valor.

En su segunda revisión (2021) ya no recordaba que la había visto, y tuvieron que pasar poco más de 20 minutos para que pensara “esta ya la vi”, ello ratifica lo anteriormente dicho que no es precisamente una gran cinta, no es memorable y no deja huella, pero tampoco es una cinta para ser ignorada. De ninguna manera.

La cinta se mueve entre la comedia, o pretende ser comedia, y algunas veces lo logra, sin embargo, creo que tiene más mérito como documento (sin ser documental) que muestra la corrupción más grande en materia de seguridad que se llegó a vivir en México, (los últimos ocho o siete años del siglo XX).

Un régimen podrido en gran parte del país, que tiene su más fuerte presencia en la CDMX, desde ese lado puede considerarse hasta una cinta algo intrépida considerando que pocos cineastas se atrevían a mostrar esa decadencia de gobernabilidad.

Por ello se entiende que el tema sea abordado desde lo cómico, el humor negro, desde las herramientas de lo satírico y la parodia donde Demián Bichir al igual que Luis Felipe Tovar logra una muy buena actuación, Cecilia Suárez luce y conquista la pantalla y Ximena Sariñana tampoco desentona en su papel. Por su parte la banda sonora es resaltable con participación de Julio Revueltas, Molotov, el Gran Silencio, Liquits, Johnny Laboriel, Manu Chao y otros más que aportan gran sonido al film.

Todo el Poder es una cinta que no debiera ser ignorada, que con el tiempo toma sentido, que es una denuncia aderezada en lo cómico porque en esos días no se podía denunciar (en la gran pantalla) la corrupción de otra manera.

(26marzo2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

FRA (2012) Cine de 2.23 estrellas de 5

La generación Beat de Kerouac es la precursora de lo que después fue la generación Hippie, en este filme se pretende pero no se logra encuadrar la idea de vida de esa generación.

Se trata de una adaptación a la pantalla de una novela de Jack Kerouak, representante de la contracultura de mitad del siglo XX, un novelista que escribía en estilo espontáneo, como para sí mismo.

No se logra mucho de ese estilo en la cinta, en resumen, se trata de emprender un viaje por gran parte de los EU sin tener un itinerario y adaptándose a lo que salga.

Eso a primera vista parecería interesante pero el viaje es más bien al interior humano y los escenarios estadounidenses; ciudades y paisajes poco importan, se trata de entender una etapa de la vida en que los personajes se encuentran desorientados, forman un grupo y tienen vínculos intensos mediante los excesos, la vida desenfrenada sin reglas y el amor a los psicotrópicos.

La actuación de Kristen Stewart de lo más normal y la de Garret Hedlund muy presuntuosa en el 96% de escenas (quizás así lo exigió el director, porque si es a iniciativa propia es inaguantable) sólo actuó bien al final de la cinta.

Es de hecho una película de más de dos horas donde a los primeros 35 minutos no se sabe bien de qué va y dan ganas de dejar de verla, y de repente tiene un ligero levante en la narración y en el manejo de la cámara, pero es sólo una promesa, después vuelve a dar vueltas sobre sí misma como si los excesos humanos bastaran para hacer buen cine y sostener lo narrativo.

Sólo vale la pena por uno que otro excelente encuadre del fotógrafo Eric Gautier para captar expresivos paisajes estadounidenses a mitad de la carretera, muy pocos, pero es lo que salvan a la cinta de las películas olvidables.

(9marzo2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

USA (2003) Documental de 3.74 estrellas de 5

“Tres o cuatro obras maestras son mejor que 60 edificios” dice en el documental el arquitecto chino I. M. Pei cuando se compara su éxito con el de Louis Khan. Y ciertamente Louis Khan tiene esas obras.

Una de ellas es la Asamblea Nacional de Bangladesh, una obra de la que los ciudadanos de ese país se sienten orgullosos. Y de la cual a uno de ellos se le hizo muy poco que Nathaniel Khan sólo se llevara 10 minutos de material fílmico.

Y es así, pues el trabajo fílmico que nos presenta Nathaniel Khan no profundiza, pero sí suma información para conocer más la obra de uno de los más grandes artífices de la Arquitectura.

El hijo no es arquitecto, pero emprende un viaje para descubrir que es lo que hacía el padre, no aporta mucho en el sentido del ámbito profesional pero sí tiene acceso a material único y contactos que de otra manera no hubieran aparecido en el documental dando valiosos puntos de vista sobre la forma en que su padre era visto por otros reconocidos colegas. En este viaje el hijo dice adiós a su padre, necesitaba hacer un documental así para desvincularse de una idea de paternidad y configurar otra donde acepta las circunstancias, pues al parecer Louis Khan es hijo de la Arquitectura.

El documental expone una esencial certeza; que Louis Khan fue un arquitecto de grandes ideas, pero que sus ideas empezaron a ser valoradas cuando ya tenía 64 años y faltaban menos de 10 años para morirse.

Por eso ese afán incansable de trabajo en su oficina, quizás sabía que ya no tenía mucho tiempo para hacer todo lo que hubiese querido construir. Para difundir lo que en tantos años estuvo indagando.

Iba a todo lo que le parecía que armonizaba con sus ideas, no importaba que estuviese al otro lado del mundo, podía regresar de la India a las tres de la madrugada y en lugar de ir a su casa iba a su oficina a ver cómo estaban avanzando sus proyectos. Se dormía en su oficina cuando el cansancio era más…

—En viaje constante y por eso la muerte lo encontró en una estación de servicio—

“Se preparó arduamente durante cinco décadas para luego durante sólo una década ver construidas sus ideas” Es una aseveración que recuerdo de otro documento sobre su trabajo, esas cinco décadas de estudio fueron igual de arduas que esa década de construcción.

Este documental nos abre una ventana importante para ver como Louis I. Khan afrontó la arquitectura hasta el último día de su vida. Murió en la línea, en la trinchera del oficio de Arquitecto.



(4marzo2021)
Por: Godofredo Oscós Flores
Arquitecto

MEX (2019) Documental de 3.85 estrellas de 5

Basado en tres libros: Patria 1, Patria 2 y Patria 3, la trilogía de Paco Ignacio Taibo ll (el documental sirve también como una efectiva promoción de esos libros). Una investigación histórica que encuadra 14 años de intensa lucha de los mexicanos por tener una Patria: 1854 Revolución de Ayutla en contra del dictador Santa Anna, la lucha por tener una constitución en 1857, el golpe militar, la guerra de reforma para limitar el inmenso poder del Clero, la injerencia anglo-franco-española, la invasión francesa que entonces era el ejército más poderoso del mundo, la guerrilla de Chinacos contra Maximiliano 1867.

-14 años de intensa lucha por tener una patria mexicana-

Al pueblo no se le puede vencer según la visión acertada de Guillermo Prieto, y eso se ratifica porque un puñado de traidores querían seguir siendo colonia, pero el pueblo decidió que era mejor tener una Patria. Los imperialistas con ayuda de traidores logran ocupar ciudades importantes, pero México no sólo son unas cuantas ciudades importantes y eso se vio en la lucha intensa del ejercito de Chinacos que combatió en resistencia por todo el país.

En un monólogo muy expresivo Maximiliano se exalta así mismo ante la presencia de Paco Ignacio Taibo II, que es una de las escenas más sobresalientes del documental. Exalta su linaje de siglos, pero todo eso no bastó para ser dueño de México.

Así el imperio de Maximiliano no fue posible, y se le fusiló para dar un importante mensaje a quienes se creen con derechos y estirpe de monarcas. El mensaje del fusil para quienes se creen con el mandato divino para gobernar. El mensaje de Benito Juárez apoyado por el pueblo que llevaba años de lucha.

Mejía y Miramón fueron también fusilados pues en siglos pasados los traidores a la patria eran ajusticiados así. Ahora a los traidores se les involucra en burocráticos juicios donde tienen la posibilidad de alargarlos indefinidamente buscando impunidad o piedad.

Patria es el documental que también refleja una realidad similar de muchos países latinos con injerencia neocolonialista.

Tener Patria ha sido una aventura donde había que vencer todos los obstáculos y los deseos imperialistas…y se vencieron.

(3marzo2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

ITA (2020) Cine de 2.89 estrellas

Me propuse ver esta cinta por su título cautivador, -El último paraíso- ese título evoca a la primer lectura un sinfín de imágenes.

Sin embargo, todo se limita a que Paraíso (Paradiso) es el apellido de uno de los protagonistas, y entonces ya el título ha perdido su primera esencia evocadora.

Es una cinta con escenas demasiado explícitas, sexo y violencia, y son pocas, pero mal cuidadas, expuestas sin más y hasta parece que sobran y bien pudieron evitarse pues no aportan nada y sí restan.

En cambio, el casting de escenarios me parece de lo más valioso, nos muestra locaciones italianas muy bien escogidas. En ese aspecto el director Rocco Ricciardulli y el fotógrafo Gian Filippo Corticelli hicieron un trabajo notable, sobresaliente, elogiable, para ilustrar el sur rural de la Italia de los años 50.

Pero es la historia la que NO está a la altura de esos lugares filmados, tiene una trama muy básica la mitad de la película, y la otra mitad ya ni eso, la narración romántica que encuadra a Gaia Bermani Amaral (Bianca) y que sustenta el filme se cae y se echa mano de una evidente improvisación.

Da la sensación de dos historias distintas que se han querido fundir sin lograrlo, la del personaje masculino principal (Ciccio Paradiso) que hace dos actuaciones y en ninguna de ellas conecta con el espectador ni con la protagonista.

(25feb2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

UK (2011) Cine de 4.00 estrellas de 5

Desde los primeros 15 minutos puede verse que no es una cinta mediocre, que tiene potencial. Nos va mostrando cosas que parecen incoherentes mientras las vemos en pantalla pero que toman coherencia más adelante ante nueva información y circunstancias.

En la vida real es poco probable que tantas historias se entrelacen de esa manera, pero ese es un recurso narrativo válido para proponer, para mostrar perspectivas interesantes al espectador.

Es cierto que hay momentos con situaciones que no se sustentan si se hace un análisis profundo, sí, pero también es cierto que es una película que no es predecible, y esa es una virtud para no pasar por alto.

El reparto de la cinta es extenso y combina actores de larga y conocida trayectoria con otros poco conocidos, algunos sólo conocidos en el ámbito del teatro, eso le da riqueza, le aporta un carácter peculiar al film.

El tratamiento del guion alude a mostrar, pero no explicar, mostrar, pero no moralizar, mostrar, pero no argumentar y ello favorece mucho la interacción de la cinta con la mente de cada espectador.

Considero que es una cinta que debe verse porque la crítica está dividida en sus valoraciones, y muchos le dan una calificación muy baja que NO hace justicia al alto nivel propositivo de narración y exposición de contextos. Y sobre todo a una capacidad de síntesis que selecciona los mejores momentos filmados.

(23feb2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

USA (2020) Cine de 3.56 estrellas de 5

Una cinta que impacta GRANDIOSAMENTE en lo visual durante los primeros minutos, pero que poco a poco se va desinflando como un globo, como un espectacular globo destinado a impactar pero que es un impacto efímero.

Como si se les hubiera autorizado un gran presupuesto para producción y después se les recortara sin más explicaciones, así pasamos entonces a una cinta que sigue prometiendo y prometiendo y por momentos nos percatamos que puede ser una cinta memorable, pero todo se desvanece al final en un alargamiento de metraje que ya no tiene razón de ser.

Debió haberse cortado la película unos 19 minutos antes y no obligarnos a ver algo que parece una ocurrencia muy mal planteada.

Helena Zengel hace una actuación espectacular, perfecta, sin peros, sin errores y eso es lo que contribuye a que sea una película que entretiene y a veces emociona un poco. Tom Hanks cumple, la cinta era un camino plano para lo que es capaz de hacer.

Resulta entonces demasiado larga y a veces aburrida para ser una cinta familiar, y resulta poco memorable para ser una cinta artística, con todo y que el trabajo fotográfico de Dariusz Wolski es muy bueno pero la fotografía por sí sola no basta para hacer memorable una cinta.

Resaltar una vez más que Helena Zengel hace una actuación extraordinaria, en algunos minutos logra transmitir al espectador la soledad inmensa de la orfandad y de la incertidumbre de su destino sin familia.


(14feb2021)
Por: Godofredo Oscós Flores

Las casas más extraordinarias del mundo (Serie de TV)
UK (2017) T1 Serie de 3.81 estrellas

El ámbito de la arquitectura ha estado buscando un lugar en el sector de los programas, documentales y series de televisión. Los resultados de las propuestas que se ponen a consideración del gran público no siempre son buenos, esto debido a que muchas veces se profundiza demasiado en tecnicismos propios de arquitectos lo cual reduce su público a unos cuantos profesionales o personas especializadas.

The World's Most Extraordinary Homes busca un público mucho mayor y para ello se vale del arquitecto Piers Taylor un personaje con gran capacidad para explicar con fluidez la esencia de las casas y la actriz Caroline Quentin una acompañante que tiene las dudas que puede tener cualquier persona a la hora de conocer las particularidades de un diseño de casa habitación.

La Temporada 1 se estructura en:

—Montaña
—Bosque
—Costa
—Bajo tierra

El arquitecto y la actriz viajan por distintas partes del mundo para mostrar las casas que tienen algo que mostrarnos o enseñarnos de acuerdo con la anterior clasificación, su presentación es sencilla y dinámica, tardan pocos minutos (menos de 13) en explicar las virtudes de un diseño. Mostrándonos imágenes de interiores y exteriores de la casa, así como bocetos y modelos 3d, explicaciones sencillas y charlas entre ambos sobre las impresiones que les generan los espacios.

Taylor y Quentin representan academicismo y presentación, el experto y la comunicadora nos llevan a cada uno de esos entornos y casas, una entusiasta y el otro muy formal, uno que descubre y la otra que cuestiona, en todo caso ambos se sorprenden de los entornos y de los diseños, cada uno a su manera y eso hace que esta serie sume puntos a favor en comparación con otros programas más especializados y menos asequibles al público. Ambos caminan por estas 16 casas y se preguntan cosas distintas, descubren cosas distintas, se sorprenden por cosas distintas que ven dentro de los espacios que conforman estas casas.

Se tiene también la oportunidad de conocer la opinión tanto de los dueños de esas casas como de los arquitectos que las han diseñado y hecho posible, y también en esta interacción se procura hablar de lo esencial, de lo que puede complementar lo ya descubierto por los presentadores, aderezado por anécdotas que van implícitas en la aventura que significa construir una casa.

Esta primera temporada es una muy buena opción para acercarse a la arquitectura, al diseño, a los espacios, a los conceptos, a 16 propuestas de casas en medio de entornos diferenciados donde se asumieron retos singulares.


(5marzo2020)
Por: Godofredo Oscós Flores
A r q u i t e c t o

USA (2008) Cine de 2.23 estrellas para una historia de 4 estrellas

La novela es pasión y la cinta es comedia, la novela es reflexión existencial y la cinta diversión multimedia, la novela deprime con una depresión agridulce, la cinta resulta deprimente en realización y adaptación. La novela de Gabriel García Márquez tiene la virtud de llevar al lector a su propia película mental, imagina los personajes, su entorno, su vacuidad, y el filme sólo cuenta la historia pretendiendo que una buena imagen, un buen encuadre dirá más que mil palabras del maestro colombiano, pero una releída a la novela demostrará lo contrario, y es que sucede que esta cinta va dirigida de antemano a un público comercial que busca entretenerse y por tanto se sacrifica la profundidad de la trama por un espectáculo visual que como telenovela es excelente, pero como cine es un intento fallido.

Le falto mucho estudio, la novela gira en torno a Florentino Ariza, sospecho que algo tendrá de autobiográfica pues en la novela hallé un alarde de intimismo en el personaje que NO se logra a base de investigación o empatía, y la cinta por el contrario pretende dar protagonismo a más de uno, si se hubiese el director centrado en éste personaje, Javier Bardem no hubiera decepcionado en mostrar todos los rostros atormentados de Ariza, pero Mike Newell, ya tenía de antemano su enfoque holliwoodesco, y ahora su cinta poco a poco irá sumándose a la larga lista de las regulares. El primer error de dirección es creer que una historia literaria con prestigio será sinónimo de éxito fílmico, NO, por supuesto que NO, más bien es sinónimo de gran responsabilidad para exaltar la historia en otros ámbitos.

La Fermina Daza de importación no cumplió su papel, el Florentino Ariza también importado tenía más talento, pero ya su papel había sido minado (de antemano, vuelvo a subrayar) en protagonismo en beneficio de otros. Y es que a veces es necesario el protagonismo de un personaje, este era uno de esos casos peculiares de la cinematografía y la literatura, nadie lo sospechó desde un principio, y si alguien lo comprendió NO fue el director que tenía la facultad y casi obligación artística de enfocar los fotogramas hacia Florentino Bardem, mejor conocido como el amante inclemente que como un Penélope masculino, esperó y esperó y esperó y esperó…(y volvió a esperar) por un amorío que más que realismo mágico fue realidad cruda sin magia (EN LA NOVELA). Su amor se vistió de imposibles por circunscribirse en un romance imprevisto, con demasiada juventud a cuestas y… (hagamos un paréntesis de 50 años) más tarde ya provisto de posibilidades el amante era golpeado otra vez en la vida por -el mismo amor- pero ahora con demasiada vejez a cuestas (EN LA NOVELA, NO en esta adaptación).

Pero esto obviamente no lo captó el director. ¿Habrá leído el libro o sólo el guion?


(2008-2019)
Por: Godofredo Oscós-Flores

UK (2019) Cine de 3.81 estrellas

Una historia muy, muy, muy simple, (de verdad) pero que ha contado con una gran coproducción y un gran presupuesto, sumado a profesionales que sumaron su talento de alta calidad en la edición, el sonido, la fotografía, el manejo de cámara, la escenografía y la mezcla de luces.

De no ser por ello la cinta 1917 sería una más de las de películas bélicas que se estrenan cada temporada. Algo usual, sin embargo hay algunas cosas que la alejan un poco de las películas regulares.

Roger Deakins es un fotógrafo del más alto nivel, su ojo no descuida ni el detalle ni el conjunto, ni la vista panorámica de los paisajes naturales o el de los paisajes bélicos, junto al director aprovecharon al máximo toda esa logística de las trincheras, alambrados, ciudades en ruinas, que fueron usados en la cinta.

Se nos cuenta una historia de lo más simple: —Un individuo que tiene que ir de un lugar A hacia un lugar B, y en el camino le sucederán algunas cosas—

Sí muy sencilla la historia de esa misión, pero todo lo demás ha requerido una logística fílmica muy compleja y por ello en lugar de sumarse como una cinta bélica más, ha logrado importantes reconocimientos en el ámbito.

Todo basado en el impacto visual que genera con imágenes muy bien encuadradas, con un montaje hecho con minuciosidad. Sin embargo si queremos equipararla a otras cintas bélicas más notables pierde por todas partes.

No hay ninguna postura, ni nacionalista, ni heroica, ni segregacionista, ni animalista, ni ecologista, ni pacifista, ni belicista.

Sam Mendes renuncia a todo para enfocarse en mostrarnos (o demostrarnos) que puede ser capaz de conjuntar lo mejor del tecnicismo existente en la actualidad para hacer una cinta de gran impacto estético-visual.

En algún punto de la cinta, esta se vuelve demasiado teatral, con ese juego de luces y sombras en secuencia sobre una ciudad en ruinas, Mendes también es director de teatro y ha intentado fusionar arte teatral y arte cinematográfico, lo cual apenas es un acierto en lo estético, sin aportar nada en lo artístico.

No decepciona pero tampoco esperen sorprenderse.

Gran parte del merito de esta cinta es por el trabajo de Roger Deakins, sin su colaboración el resultado sería menos de la mitad de lo que es.

(4mar2020)
Por: Godofredo Oscós Flores