"Cristal Oscuro" parte de la imaginación del maestro Jim Henson (creador de los "Muppets") y del dibujante Brian Froud , quienes con la ayuda de otro mítico animador como Frank Oz (co-director junto a Henson) dieron vida a todo un universo antiquísimo basado en la eterna dualidad del bien y el mal.

Hace 1000 años el cristal oscuro fue fragmentado creando a los Mystics, una raza de sabios ancianos y mansos, y a los Skeksis, una mezcla de aves/lagartos/dragones agresivos que gobiernan el planeta. Un milenio después Jen, el último Gelfling, tiene la oportunidad de cumplir las profecías reparando el cristal y arrebatarle el poder a los malvados Skeksis.

Con un argumento típico de las historias de brujería y espada, todo el peso del film recae sobre las marionetas, protagonistas absolutas, llenas de vida y con una variedad y originalidad extensa. Aparte de los mencionadas razas de Mystics, Skeksis o Gelflings (estos últimos los más “humanizados”), también nos encontramos a los majestuosos Zancudos, a la bruja Aughra (animada por Frank Oz), los alegres Podlings o a los temibles crustáceos Garthim, además de un sinfín de pequeñas plantas y animales que componen todo un ecosistema animado.

La música épica, la fotografía de cuento de hadas y los mastodónticos decorados artesanales (que cuentan además con las dificultades que suponía encajar a los distintos personajes, cada uno de ellos movidos por 3 ó 4 personas) aumentan la categoría de esta película que tardó 5 años en realizarse a obra de culto, tanto para los más pequeños como para los adultos. Un clásico de la fantasía.

Debut en el largometraje de Nacho Vigalondo, conocidillo ya por esas fechas por haber sido nominado al Oscar por su corto "7:35 de la mañana", "Los Cronocrímenes" es una película de viajes en el tiempo, acción y suspense rodada con una naturalidad y sencillez (a pesar de lo enrevesado de su magnífico guión) que va camino de convertirse en seña de identidad del cine de Vigalondo.

"Los Cronocrímenes" cuenta con 3 localizaciones y 4 actores (Karra Elejalde, Bárbara Goenaga, Candela Fernández y el propio Nacho Vigalondo) y se muestra desde su principio en un rompecabezas en el que cada insignificante detalle termina encajando a la perfección según avanza el metraje. No faltan además las dosis de humor y, como no podía ser menos en un debut español, tetas (a los 6 minutos de película, BUM). Los problemas de rodaje (una especie de tornado arrancó árboles y destrozó un decorado, con todo el equipo dentro) no fueron impedimento para construir esta extraña pesadilla para el encargado del raccord (felizmente superada).

Se pueden sacar algunos detalles negativos como algún giro o frase forzada, algo de lentitud y repetición en su parte intermedia o falta de naturalidad en la interpretación de Vigalondo, pero el conjunto es una obra maestra del cine de ciencia ficción español y una de las mejores películas de viajes en el tiempo (así, en general).

Ha tenido que ser en una pequeña sala de un pequeño bar de Malasaña (Picnic-Bar) donde, tras la presentación de Carlos Vermut, por fin pude ver "Diamond Flash". Una película a la que ya tenía ganas desde Sitges y que ha cumplido las expectativas más que sobradamente.

"Diamond Flash" es una película larga (2h15min), con un ritmo muy lento, desconcertante y rara. Muy rara. Pero la trama de historias entrecruzadas, perfectamente estructurada, las magníficas interpretaciones femeninas (y Miguel Noguera, por supuesto) y su sentido del absurdo en los momentos mas inesperados la convierten en una auténtica y sorprendente joya, sobre todo viniendo de un debutante y sin apoyo presupuestario ni distribución en salas.

Por suerte, se ha anunciado que el portal Filmin la distribuirá por VoD dentro de muy poquito, así que estén atentos. Véanla. Sin preliminares.

Paco Plaza toma las riendas de la saga de terror más rentable del cine español (o como dice Balagueró: la única) para dirigir, esta vez en solitario, una tercera parte que, una vez asentados los pilares en los que se basa, trata de dar una vuelta de tuerca cambiando la ya repetitiva grabación de cámara en mano y aportando humor autoparódico y gore del que no se suele ver en salas comerciales.

Con una genial banda sonora de míticos temas patrios, el gran Pablo Rosso manejando la fotografía y una estructura in crescendo, el guión de Plaza toma detallitos del mejor Raimi, de la etapa gore de Peter Jackson o del más clásico Romero y lo mezcla con chistes de la SGAE en una historia de amor en la que Diego Martín da la réplica a una Leticia Dolera acojonante, magistral, soberbia, (y así me tiraba media hora…).

He leído nombres como Berlanga o Azcona en críticas de periódicos de tirada nacional, y digo yo: ¿Qué pintan estos maestros en referencias a una película con salvajes mutilaciones con batidoras y motosierras, John (sí, John) Esponja, armaduras y mazos medievales y zombies satánicos? Pues algo hay. Esa es la grandeza de REC3.

Impaciente ya por ver la conclusión definitiva (?) de la saga con REC4: APOCALIPSIS de Jaume Balagueró.

"Carretera Perdida" es, dentro del cine “lógico” de Lynch, la más enrevesada y difícil de explicar, tanto que hay que tirar de lo paranormal y la fantasía (aparte de echarle mucha imaginación).

Pero David Lynch no necesita contar una historia coherente y fácil, ni dar explicaciones, para crear otra gran película llena de grandes interpretaciones (Bill Pullman, Patricia Arquette y Balthazar Getty), elementos sorprendentemente puros de terror y suspense, thriller, sadomasoquismo y personajes infernales en un montaje que baila continuamente entre la estética de cine negro y el videoclip. Además encontramos actores “extraños” como Robert Blake (acojonante), Gary Busey o Marylin Manson, y por supuesto la música de Angelo Badalamenti, mezclada con temas de Rammstein y David Bowie.

Una buena muestra del Lynch más siniestro.

Hace ya más de dos años que supimos de la existencia de un extraño teaser trailer creado para recaudar fondos para rodar una historia increíble: un ejército nazi oculto en La Luna desde 1945 dispuesto a “invadir” La Tierra para instaurar el 4ºReich. Finalmente el proyecto prosperó y ya podemos disfrutar de una de las bizarradas del año.

Lo primero que sorprende de IRON SKY es su apartado técnico. Los efectos especiales son espectaculares, acojonantemente buenos, nada que envidiar a superproducciones del estilo de TRANSFORMERS o similares. La base lunar y las luchas intergalácticas no tienen nada que ver con su bajo presupuesto, disimulado magistralmente. Además, las interpretaciones de prestigio como la del eterno Udo Kier suben el caché de la película hasta el extremo de haber sido mostrada en la mismísima Berlinale.

Toques de humor político, gags con EL GRAN DICTADOR de Chaplin y reminiscencias a STAR WARS, STAR TREK y 2001: ODISEA EN EL ESPACIO hacen de esta película un producto como mínimo interesante, pero los giros de guión inverosímiles y la historia (joder, que son nazis invadiendo La Tierra desde La Luna!!!) lo convierte en un caramelo irresistible para cualquier aficionado a la ciencia ficción de serie B.

Gareth Evans ha revolucionado el cine de acción con una cinta indonesia que, gracias al boca a boca y a sus numerosos éxitos y críticas positivas cosechadas en otros tantos festivales, ya tiene confirmado un remake americano y una secuela (camino de la trilogía). THE RAID (la coletilla de REDEMPTION se ha añadido por problemas con derechos de autor) es la mayor salvajada de artes marciales rodada en el siglo XXI, con coreografías eternas en planos secuencia sin fallo mostrando violentas y bestiales técnicas orientales de, básicamente, DAR HOSTIAS COMO PANES.

THE RAID relata la redada suicida por parte de un equipo de 20 policías antidisturbios en el edificio más peligroso de yakarta. Un bloque de pisos de 30 plantas de altura repleta de los criminales más peligrosos de Indonesia protegidos durante años por la propia policía corrupta. El equipo SWAT queda atrapado al poco de entrar y… lo dicho, hora y media de acción sin respiro.

La violencia se muestra sin miramientos, y aparte de las luchas cuerpo a cuerpo (con múltiples luxaciones, fracturas y desfiguraciones) hay fusilamientos, explosiones y mutilaciones a sangre fría. Y un fugaz martillo (no podía faltar). Gareth Evans, que también es el guionista, juega un poco con el sentimentalismo de telenovela entre hermanos, tan típico del cine oriental, y resuelve con maestría escenas de suspense con cámara lenta y planos largos y asfixiantes. De todas maneras, y yo creo que no hace falta que lo vuelva a repetir, el film es lo que es: un museo de la tollina. Y con música de Mike Shinoda (Linkin Park).

Joe Dante dirigió en 1978 PIRANHA, una película de terror a la sombra de TIBURON que funcionó bastante bien en taquilla (Roger Corman fue el productor) y obtuvo buenas críticas, lo que produjo una secuela. Para la secuela decidieron contratar a un director novato llamado JAMES CAMERON, que realizó una película horrible con pirañas voladoras que, aunque sea entretenida como serie Z, en ocasiones no da ni para unas risas. El trailer lo dice todo.

32 años después de la original, Alexandre Aja hizo honor a su fama en un remake repleto de escenas gore, sumando además un aire de comedia negra, cachondeo adolescente y erotismo pajillero. Tras el más que aceptable resultado en taquilla, la secuela se puso en marcha, y esta vez con una decisión más acertada: John Gulager, responsable de la gamberra trilogía FEAST.

Gulager retoma el espíritu de serie B de PIRANHA 3D y lo multiplica por 10 en una secuela repleta de tetas, gore exagerado, humor negro y políticamente incorrecto, adolescentes estúpidos y salidos muriendo como en un slasher y pequeños aunque acojonantes papeles para Christopher Lloyd, Ving Rhames y Garey Busey.

Entre mutilaciones genitales y niños decapitados a mordiscos destacan dos figuras: La bellísima Katrina Bowden, que poco a poco va consiguiendo papeles importantes en Hollywood tras deslumbrar en la serie 30ROCK, y el autoparodiado David Hasselhoff, que se come la pantalla con su presencia y su sentido del humor. Además, sumemos un guiño descarado a PESADILLA EN ELM STREET y algún gag tonto de los de carcajada y ya tenemos la película-palomitera-para-ver-borracho-con-tus-amigos del año.

Polémico falso documental que sigue la transformación de Joaquin Phoenix de actor a cantante de hip-hop. Tras "Two Lovers", el actor declaró estar cansado de actuar, que abandonaba el mundo de la interpretación, y que en el futuro se dedicaría en exclusiva a su faceta de cantante. En sus escasas apariciones en los medios, un casi irreconocible Phoenix mostraba, además, un comportamiento cada vez más extraño y poco sociable, y siempre su cuñado y gran amigo Casey Affleck solía estar cerca con una cámara para rodar lo que pasaba. (FILMAFFINITY)

Muestra extrema de película de las que odias a muerte o amas incondicionalmente. Joaquin Phoenix sacrificó un año de su vida para hacer una de las mejores interpretaciones de todos los tiempos (injustamente ignorada en los Oscars) en una caída a los infiernos desde lo más alto de la cima de Hollywood. Poniendo en juego su prestigio, su trabajo, sus amigos y, prácticamente, su vida tal y como era, Phoenix cuenta con la complicidad de su cuñado Casey Affleck para hacer una interpretación 24 horas al día y poder coger lo más valioso.

Con imágenes e insultos reales recogidos de diversos medios de comunicación, el documental muestra la farsa (al más puro estilo Andy Kaufman) y el maltrato sufrido por el actor durante su periplo "musical", en el que perdió la forma física y descuidó su higiene al mismo tiempo que mostraba desnudos integrales, esnifaba cocaína de los pechos de una prostituta, humillaba a actores como Ben Stiller o agredía a una persona del público en uno de sus contados conciertos. Aunque lo más impactante del film es cuando uno de su séquito defeca, literalmente, en su cara.

Apuesta arriesgada, original y de culto, que a menudo cuesta reconocer como falsa. Obra maestra a su estilo.

Wes Craven y Kevin Williamson (guionista) reviven la saga que sentó las bases del slasher en unos años 90 que añoraban a los clásicos como HALLOWEEN o VIERNES 13, con una cuarta entrega soberbia, a la altura de la SCREAM original de 1996.

El principal acierto de Wes Craven es reunir al trío protagonista de la trilogía y centrar la historia en ellos. Sidney Prescott (Neve Campbell) vuelve a Woodsboro 15 años después de los primeros asesinatos para promocionar un libro en el que explica cómo dejar de ser una víctima (suerte con ello, hija). Allí se reúne de nuevo con Dewey (David Arquette), que ya es el sheriff de la ciudad, y con Gale Weathers (Courtney Cox), retirada del periodismo tras el éxito de sus libros sobre los asesinatos de Woodsboro (y sus posteriores adaptaciones cinematográficas de la saga STAB). La llegada de Sidney a la ciudad coincide con una nueva ola de asesinatos con Ghostface como protagonista, y entre los objetivos se encuentra la prima de Sidney, Jill.

Ya desde el comienzo, SCRE4M deja claro que no va a resignarse a ser una secuela más y arremete contra el torture porn tipo SAW y contra las secuelas predecibles (utilizando a STAB, la peli-dentro de la peli que crearon en SCREAM 2) con un par de escenas memorables. Todo el film, como viene viendo habitual en la saga, está lleno de referencias al cine de género, con SHAUN OF THE DEAD en el televisor de una de las protagonistas o LA NOCHE DE HALLOWEEN apareciendo numerosas veces en los diálogos, pero sobre todo se hace referencia a la cantidad de remakes y reboots actuales, en un tono auto-paródico magistral. Y así, entre asesinatos y posibles asesinos, el film juega con las nuevas tecnologías renovando las reglas que SCREAM renovó a su vez.

Otro de los aciertos de la película es su reparto, que además de contar con los protagonistas originales está repleto de caras conocidas de la TV como Hayden Panettiere (HEROES), Kristen Bell (VERONICA MARS) o Anna Paquin (TRUE BLOOD) entre otras, así como sorpresas como Marley Shelton (PLANET TERROR) o Rory Culkin (Hermano de Macaulay). Y como no el final, sorprendente e impactante, y también lleno de auto-referencias. El mejor slasher puro del siglo XXI.

SECUESTRADOS es una película que no tiene ni una sola muestra de originalidad argumental hasta los últimos 5 minutos. Es un refrito de un subgénero cada vez más puesto de moda que ha ido de más a menos desde la enfermiza FUNNY GAMES de Haneke del 1997 (remake en 2007) hasta las americanas LOS EXTRAÑOS o MOTHER'S DAY, con alguna sorpresa agradable por el camino como ILS (2006). Para el que no sepa de qué va el tema: Un grupo de extraños entra en tu casa y te retiene contra tu voluntad por medio de torturas y amenazas a tu familia. Además siempre viene un policía o algún conocido y por medio de estas amenazas se le distrae, alejándose las posibilidades de sobrevivir. También es común que el protagonista salga de la casa en coche con un secuestrador a sacar dinero, o que durante el secuestro salgan a relucir trapos sucios entre los presentes.

En el caso de SECUESTRADOS su principal baza es su puesta en escena, con 12 planos secuencia que forman toda la película, algunas veces mostrados en pantalla partida, que aumentan la sensación de agobio y malestar. Por supuesto, también sube muchos puntos en su parte final, que no voy a destripar, pero que es posiblemente el desenlace más violento y bestia de la historia del cine español. Otra culpable de las buenas críticas del film es Manuela Vellés, brillante en su eterna desesperación, aunque sus compañeros no mantengan el nivel.

Va a ser muy difícil hacer una crítica de esta película sin desvelar detalles ni personajes de la trama, pero habrá que intentarlo. MIDNIGHT IN PARIS es lo mejor que ha hecho Woody Allen en el siglo XXI y le falta poco para ser la película más taquillera de toda su filmografía. Y ya era hora de que los fans de Allen pudiéramos leer y escuchar comentarios de este estilo, tras una época bastante decepcionante.

MIDNIGHT IN PARIS comienza como cualquier otra de su periplo europeo, como un documental turístico sobre la ciudad en cuestión. Además sin disimular, con imágenes estáticas de la ciudad sobre música suave durante 3 ó 4 minutos. También tras los créditos la ciudad parisina se idealiza constantemente como la ciudad del romanticismo y de la bohemia, un sentimiento que se exagera con la fantasía que Allen imprime al relato, pero esta vez la película va más allá del reclamo turístico y también tiene comedia, amor y fantasía, algo que se echaba en falta en sus últimos trabajos.

Gil Pender (Owen Wilson) es un guionista mediocre enfrascado en el nacimiento de una novela cargada, como él, de nostalgia y romanticismo. Su prometida (Rachel McAdams), su familia y su círculo de amistades (genial Michael Sheen en el papel de pedante sabelotodo) ven en París una oportunidad para comprar muebles caros, hacer negocios o alardear de sus conocimientos de arte mientras que Gil ve una ciudad poética, que en sí misma es arte, y recuerda nostálgico los años 20, cuando París era un hervidero bohemio de escritores, pintores y músicos. Una noche, perdido y borracho en la ciudad, un antiguo Peugeot le transporta a un mundo fantástico donde conocerá grandes personalidades y sobre todo a una musa, Ariadna (guapísima Marion Cotillard), que le hará replantearse todos los cimientos de su vida.

El principal acierto de Woody Allen es adaptar un argumento que a simple vista es ridículo, o para una peli Disney, en una inteligente comedia romántica en la que cuesta muy poco entrar y que una vez que te atrapa ya no puedes salir. MIDNIGHT IN PARIS es una parodia de la historia del arte con mensaje sobre la nostalgia mal entendida y sobre la belleza del presente, aunque también tiene rasgos clásicos de Allen en figuras de mujeres manipuladoras y soñadores incomprendidos y, aunque tenga gags dignos de la mejor comedia de enredo (genial el momento "surrealista" con Adrien Brody), el film se podría decir que es lo más parecido a poesía visual que se haya visto este año.

Las referencias culturales son constantes y convierten a la película en "No apta para chonis, canis y demás fauna" lo cual es de agradecer en una industria cada vez más propensa a dejar descansar a las neuronas. Por otro lado, la suave banda sonora, repleta de vientos y guitarras clásicas al ritmo de jazz y los planos lentos que permiten la improvisación en las conversaciones largas dan exactamente la sensación contraria TRANSFORMERS 3 o similares.

Neil Marshall, el genial director de DOG SOLDIERS, THE DESCENT y DOOMSDAY lo vuelve a conseguir. Vuelve a coger un género y lo reinventa a su sangriento estilo. Estamos ante, sin lugar a dudas, la mejor película de romanos desde GLADIATOR y una de las más sangrientas de siempre.

Partiendo desde el hecho histórico de la Novena legión romana, que desapareció por completo del mapa sin saberse nunca el porqué, Marshall construye un lógic y devastador relato sobre la crueldad del campo de batalla y la lucha por la supervivencia. Escenas (como la emboscada en el bosque) y personajes (Etain) míticos se desarrollan entre batallas que rayan lo exageradamente sangriento y lo gore, y que al mismo tiempo juegan con el humor negro de DOG SOLDIERS.

La interpretación soberbia de Michael Fassbender y la falta de escrúpulos hacia los giros de guión comprometidos dotan a la película de un aura de majestuosidad con buenas dosis de acción y entretenimiento. Muy recomendable.

MACGRUBER parte de un sketch recurrente de unos 10 segundos en el programa SATURDAY NIGHT LIVE como parodia de la gran serie de acción de los 80 MACGYVER.

El genial Will Forte se junta con un par de chicas del programa, Kristen Wiig y Maya Rudolph, y con un actor en horas bajas como es Val Kilmer para dar vida en la gran pantalla a su personaje. MACGRUBER es un militar retirado que tendrá que impedir que Cunth, el hombre que mató a su esposa, active un misil nuclear en EEUU. Para ello formará un grandioso equipo (todo plagado de estrellas del pressing catch) y pondrá a punto su arsenal de gadgets entre los que se incluyen hilo dental, chicle, un palo de fregona y, el más efectivo de todos, un apio. Pero las cosas se torcerán más de lo previsto, y MACGRUBER tendrá que tirar de su ingenio e improvisación...

Aunque resulte un poco vacío, el film cuenta con algunos gags memorables como las distracciones con apio o las escenas de sexo, pero se hacen algo repetitivos, así como las frases "definitivas" que repite el personaje a lo largo de todo el film. Al ser adaptación de un sketch tan corto, pocan referencias se podían hacer, y optan por repetir el esquema al milímetro en una escena de la película. Además, Kristen Wiig está desaprovechada, aunque lo poco que hace lo hace genial como siempre.

Pasable, aunque interesante si eres fan de SNL o MACGYVER.

Remake de la original del 88 que narraba desde la comedia desfasada de la época y la falta de vergüenza una fiesta de Halloween plagada de demonios cachondos y sanguinarios. Protagonizada por Shannon Elizabeth (siempre recordada por AMERICAN PIE), esta versión desprecia todos estos valores del original y además acentúa uno de sus principales defectos, la falta de presupuesto, haciendo una versión cutre y ridícula con unos giros de guión absurdos y totalmente patéticos. Totalmente prescindible existiendo el mítico film ochentero.

Atención a la explicación de por qué el óxido (y sólo el óxido, ni balas ni plata ni nada) le hace daño a los demonios: "Los demonios son elementos ancestrales, el hierro es también un elemento antiguo, y el óxido les jode a los dos". Mientras otro contesta: "Lógico". Serie Z.

Por lo menos sale en un cameo Linnea Quigley, haciendo un guiño a los fans de la primera.

Cinta de terror adolescente australiana que entra en el género de la tortura tan común en estos días pasando por los slashers adolescentes de baile de instituto de los 80. Con unas críticas exageradas, el film es una película más de "perdedor de la escuela busca venganza contra los guays" bastante sencillito y predecible.

Sobrevalorado, cero aportaciones y poca originalidad. Se deja ver y entretiene, pero no revoluciona el género como apuntaban ciertos festivales...

Alexandre Aja firma este remake del clásico de Joe Dante que poco o nada tiene que ver con el original. Presentado como una orgía gore llena de humor negro (y en 3D), el film aporta poco más de lo que anuncia en sus trailers, y se hace corto y muy predecible.

A destacar, el cameo de Eli Roth o las tórridas escenas de Kelly Brook y alguna pornstar, y los pequeños papeles de Christopher Lloyd y Ving Rhames además de la maestría de Aja en las escenas sangrientas, como siempre.

Comedia romántica videoclipera basada en el cómic del mismo nombre y con estética indie y de retro-videojuego, ahí es nada, dirigida por el gran Edgar Wright (SHAUN OF THE DEAD) y protagonizada por un cada vez más encasillado Michael Cera y la morbosa Mary Elizabeth Winstead.

Nos encontramos con un ritmo endiablado y unos efectos estéticamente acojonantes y divertidos para contarnos la historia de Scott, un bajista de un grupo grunge que vive y duerme en la misma cama con su amigo gay (El niño repelente de SOLO EN CASA, que es el hermano en la vida real de... Macaulay Culkin!!!) que cae enamorado de Ramona, una misteriosa chica alternativa. Para conquistarla deberá enfrentarse a sus 7 malvados ex-novios con superpoderes y reducirlos a calderilla... literalmente.

Una nueva joya de Wright, alejado de su pareja habitual de actores (Simon Pegg y Nick Frost) e innovando continuamente a lo largo del metraje. El logo de Universal al principio, pixelado y con músiquita de Spectrum... acojonante.

Joe Dante (GREMLINS, AULLIDOS) vuelve a combinar lo que mejor sabe hacer, terror y cine juvenil, en una cinta con aires a aventura ochentera sin pretensiones que lena un vacío cada vez más grande en el cine actual.

Dane y Lucas, dos hermanos que acaban de mudarse a un nuevo barrio con su madre, descubren un extraño pozo sin fondo en su sótano, y con la ayuda de la buenorra de la vecina intentarán averiguar su significado. Lo que no saben es que el pozo los ha visto, y conoce sus miedos...

Rodada en un insulso 3D, y sin el toque de humor negro característico de Dante, la verdad es que para ser una película adolescente tiene momentos de mal rollo y denuncia social, y no cae en la repetitiva y facilona historia romántica. No está a la altura de GREMLINS, pero es mejor que todas las películas "similares" que se hacen hoy en día.

Tras un par de años de rumores, noticias, clips, posters y, sobre todo, mucha espectación, por fin llega MACHETE a la gran pantalla. De la mano de Robert Rodriguez (ayudado en la dirección por Ethan Maniquis) y Danny Trejo, la adaptación del mítico trailer falso inluído en GRINDHOUSE por fin se ha hecho realidad, y el resultado está a la altura de las espectativas.

Lo que más lleva destacando desde el comienzo del proyecto es el espectacular reparto, increíble además teniendo en cuenta la naturaleza del film (algo parecido a THE EXPENDABLES). Danny Trejo es Machete, un ex-federal mejicano que es engañado y traicionado por el equipo de un senador de Texas y buscará venganza para él y para los sin papeles que sufren los abusos del senador (un hilarante Robert de Niro). Para ello contará con la ayuda de Luz (Michelle Rodriguez), de la agente de inmigración Sartana (Jessica Alba) y de su hermano, el Padre (Cheech Marin). En el bando contrario los villanos son todavía más memorables, con Tom Savini, Steven Seagal, Don Johnson, Jeff Fahey y su hija, Lindsay Lohan.

La película, al igual que el trailer, presenta elementos del grindhouse de los 70/80 como película rayada y estropeada, pantalla dividida o efectos gore exagerados y cómicos, disimulados por movimientos de camara. Además de los detalles técnicos, el guión también guarda paralelismos, sobre todo a la hora de retratar a los "malos" con un imponente Steven Seagal como narcotraficante chungo. El erotismo y la perversión, por supuesto, también está presente en este exploitation. Lindsay Lohan no duda en magrearse en topless con su madre y MACHETE en una piscina para luego vestirse de monja, aunque no es único lío amoroso del protagonista, que se enrolla con absolutamente todas las actrices del film. Y que no falte polémica, con el personaje del Padre crucificado en si iglesia, o el senador matando fríamente a sin papeles al más puro estilo sheriff de Arizona.

Aunque la dirección principal del film depende en teoría de Maniquis, se presentan muchos paralelismos con la trilogía del Mariachi o PLANET TERROR, que por hacer un favor al director podemos considerar "gúiños".

No estamos hablando de un film independiente, filosófico e impactante. Estamos hablando de sangre a chorros saliendo de decapitaciones triples o tripas usadas como lianas, de madres liandose con sus hijas en pelotas con un mejicano asesino bigotudo, de Seagal repitiendo una y otra vez "puñeta", de un cura blasfemando y volando cabezas en su iglesia, de una versión femenina y sexy del Ché, de huevos friéndose debajo de una cama, de moviles ocultos en lugares "íntimos"... estamos hablando de MACHETE.