En mi opinión la primera escena de la película nos deja las claves a la hora de interpretarla, que es lo que toda buena película suele hacer. El protagonista está en una tienda de comida, y el director filma la escena desde dentro, así que vemos a una chica en la parte exterior de dicha tienda creo que borrando del cristal un mensaje que irá reapareciendo a lo largo de la película: BEWARE THE DOG KILLER. Pero claro, desde dentro de la tienda el mensaje se lee al revés, y DOG se convierte en GOD; de hecho, veremos cómo la D enmarca el rostro de Jim Morrison de la camiseta de la chica. Y de eso va la cosa en mi opinión, de la muerte de todo Dios/Ídolo, de la carencia de referentes morales y Grandes Narrativas que den sentido a nuestra vida.
Ante el sinsentido, las personas se obsesionan con encontrar mensajes ocultos y misterio en lo mundano, y es fácil encontrar asociaciones en un mundo que no deja de ser un palimpsesto en el que las ideas se reciclan una y otra vez, como bien sabe el compositor de todas las canciones del mundo. Pero todas las canciones son falsas historias, creadas para manipular a la masa, mentiras que hacen el mundo más tolerable y nos mantienen unidos o en pie, como la de Batman al final de El caballero oscuro o la de San Manuel Bueno Mártir.
El director no deja en pie a ningún sueño: el Hollywood dorado se corroe mientras las aspirantes a actriz se prostituyen por sus calles, una pista lleva a otra pero detrás de la última puerta solo hay un vacío, y los ricos lo tienen todo, pero es un todo vulgarmente material, un todo que ante el sinsentido de la existencia se convierte en otra nada más (algo que, para quien está acostumbrado a salirse siempre con la suya, solo puede generar locura y paranoia, hasta el punto de acabar enterrándose vivo en pos de una trascendencia que nunca llegará). Y sí, todos los perros/dioses están muertos, pero ahí seguimos nosotros, rastreando misterios y mensajes ocultos, erigiendo falsos ídolos, drogándonos en busca de paraísos artificiales y con dos galletas de perro en el bolsillo, por si Dios no ha muerto y algún día regresa.

Ese es para mí lo que esconde Lo que esconde Silver Lake. Sé que me dejo mil retazos que no terminan de conectar (PE, lo de la asesina búho -en el mundo occidental, los búhos siempre han representado la sabiduría, el conocimiento, que en esta película se convertiría en una revelación asesina (¿el saber que nada tiene sentido te puede destruir?)-), pero apostaría a que las líneas maestras del film van por ahí. Y sí, a mí también me ha parecido muy pynchoniana.

PD Tras salir de la peli me fui directo a ver Arrebato (obra maestra de Iván Zulueta) al Brigadoon, y es curioso, pero salvando las distancias me pareció que ambas películas dialogaban. Arrebato te enseña cómo aquello que adoras te puede acabar destruyendo, mientras que en Lo que esconde Silver Lake te das cuenta de que no tener qué adorar también puede llevarte a la perdición.

Una lectura superficial podría no hacernos ver las verdaderas intenciones del monstruo. Gene parece ser el patito feo que nadie traga. El universo le tiene reservado un lugar en el que no encaja. Al principio intentará adaptarse, pero finalmente decidirá aceptarse y ser él mismo y todos reconocerán su valía. Por el camino, a Gene le dará tiempo a enamorar a Lady Hacker, que aprenderá no se sabe muy bien qué (aparte de a bailar) durante el periplo, y en el mundo real, Alex (el niño), conseguirá un acercamiento con Addie (su amor platónico).

Ahora cojamos la lupa. La película nos presenta, claramente, un UNIVERSO EMPRESARIAL, donde los iconos trabajan al son de su caprichosa directiva (Alex). Por tanto, el problema no es que Gene no encaje en el mundo, sino que no encaja EN LA EMPRESA. ¿Cuál es la solución? La solución, por supuesto, no es revolucionar ese mundo de esclavitud regulada, sino convertirse en el TRABAJADOR TOTAL, ese joven proactivo capaz de adoptar cualquier rol que la directiva (Alex) le requiera (ojo: Gene consigue ser él mismo cuando adopta un estado de sentimientos multipolares esquizofrénicos –tiene dentro más multitudes que el puto Walt Whitman–). Gene se vuelve un trabajador dinámico y flexible, totalmente adaptado a cualquier circunstancia, sin ataduras (Lady Hacker y él acaban siendo una especie de follamigos; esto, por supuesto, no se explicita en la película, pero está, y si no se desarrolla una historia de amor tradicional no es porque Lady Hacker sea un icono feminista independiente –no olvidemos que con su triste “¿De qué sirve salvarse uno mismo si no hay nadie más?” se despide de la nube (el único lugar donde teóricamente se podía ser quien uno quisiera –y digo teóricamente porque al final esa nube se nos presentaba como una gran urbe New York style, en la que poca libertad se intuía–) dejando atrás todos sus sueños en pos del redil empresarial sin rechistar, consiguiendo, eso sí, no convertirse en una princesa o en una novia, sino en una… follamiga–, sino porque en la nueva empresa no hay sitio para ataduras personales fuertes que puedan hacer flojear tu férreo compromiso con la empresa).

Al final, todos bailarán en su nueva cárcel/app recién pintada, con una sonrisa más tenebrosa que la de la psicópata buenrrollista Smiler (puesto que ellos sonríen de verdad, ignorantes de seguir viviendo confinados en una cárcel), como esos trabajadores modernos de Google que tiene sus salones de juego EN EL TRABAJO, su tiempo de ocio DENTRO DEL TRABAJO y sus vidas dedicadas única y exclusivamente AL TRABAJO. No hay nada más triste y más deseable para la empresa que unos trabajadores que sonríen y juegan a la comba con sus cadenas.
Como colofón, quedan las perlitas del mundo real de la película: “[…] quién es el guapo que tiene tiempo para escuchar palabras de verdad. […]”. O: “son más pesados que un vídeo de Youtube de 15 minutos” (fomentando el déficit de atención prolongada con un par). O ese tristísimo “He de contestar al mensaje de Addie, ¿qué le escribo? Nada. ¿Nada? Las palabras no molan. Vale. Algo que mole, algo que mole [se pone a buscar emojis]”. A propósito de este diálogo, fui tan iluso como para esperar que tras el calco a Inside Out del momento papelera de Hi-5, en la que vemos la carta que Alex escribió a Addie expresando sus sentimientos y que nunca se atrevió a mandar, esa carta se recuperaría y enviaría para demostrarnos que hay sentimientos difícilmente reproducibles a través de un icono. Pero las palabras seguirán sin molar y la carta de Alex se pudrirá en la papelera. Alex conquistará a su chica con un emoticono último modelo, y los guionistas todavía tendrán la desfachatez de poner en boca de Addie: “Me gusta que seas un chico que sabe expresar sus sentimientos”. Con un emoticono de mierda.
En ese mundo tampoco habrá beso ni relación convencional. Bailarán juntos emulando a los esquizofrénicos emojis al son de las convenciones sociales, mientras se hacen millones de selfies.

PD: En mi opinión, el desarrollo de la trama pedía un final mucho más convencional (hablo en términos estrictamente formales). Otra muestra más del incontrolable desprecio del director austriaco para con sus espectadores, a quien al parecer contar la historia más deprimente posible no le parecía suficiente.

Creo que estamos ante la película más perturbadora de la historia del cine.

Para verla una vez. Pienso que dos ya sería denunciable.

Me descoloca que alguien como Moccia, cuyo concepto del amor oscila entre el cuarentón asaltacunas y el macarrilla maltratador mazado, tenga tanto éxito entre la muchachada. Pero aún me perturba más que se reparta el pastel con obras diametralmente opuestas en el fondo, como los cantos al celibato de Crepúsculo. Pero en fin, a lo que vamos.

A las mujeres con las hormonas revolucionadas, decirles que no han de preocuparse: Mario Casas vuelve a salir durante más minutos sin camiseta que con ella. Y vuelve a recitar uno de sus monologuitos. Saldrán saciadas con la ración de abdominales.

A los novios de esas chicas, decirles que podrán dedicarse a observar la sala de cine, repleta de adolescentes, o a Clara Lago enseñando tetitas. Y ver a Nerea "Camino" Camacho colocada en la disco tampoco tiene precio, con follada en el baño a lo Mentiras y gordas (pero con más moralina -¡la dejan preñada!-) incluida.

Al menos, el padre de Babi se zumba a la cubana... ¡el momento Coca Cola sirvió para algo!

Pero como ya he dicho antes, esta segunda parte ha perdido toda la fuerza ofensiva de su predecesora, aunque a nivel estrictamente visual la calidad se mantenga. ¡Ah!, y a nivel banda sonora la cosa también ha empeorado bastante. Para talifans de Moccia o Mario Casas o curiosos que acabaron cogiendo cariño a A tres metros sobre el cielo.

No sé si Maruo tuvo en mente o no La dama de las camelias de Dumas mientras hacía el manga, pero la verdad es que ambas obras tienen ciertas (pequeñas, pero las hay) semejanzas, sobre todo si atendemos al fondo (pureza en un entorno difícil) o a la ausencia de happy ends...

Interesante film en definitiva... y la canción que suena en los títulos de crédito del final me parece una joya... la escuché con subtítulos y la letra también es maravillosa. Raro que no la haya elegido Tarantino para algún momento de Kill Bill jeje, supongo que si algún día homenajea el género sexplotation la tendrá en cuenta entre un amplio abanico que mi inferioridad cinéfila me impide precisar

Y además es un rockero. No por casualidad aparece aquí Joe Strummer en un cameo. "Kauris" también ha hecho un par de pelis sobre una banda bastante peculiar, los Leningrad Cowboys (sic). De hecho, la banda era imaginaria pero acabó siendo real.

Herzog parece un tipo gris al lado de Kinski. Parece mentira que pueda existir alguien tan excesivo. Creo que estaba realmente loco. Lean algunos apuntes del actor sobre su participación en Aguirre:

http://www.apocatastasis.com/kinski-herzog.php#axzz1Pu1znlzu

No haré comentarios (¿hacen falta?), vean el documental. Pero desde luego la versión escrita por Kinski difiere bastante. Y hace poco escuché a Jesús Franco en "Jesús Franco, manera de vivir" dejando muy bien al actor. Ante la divergencia de opiniones, me decanto por la solución salomónica: tanto Herzog como Kinski estaban un poco locos, y su unión era explosiva. El propio Herzog lo deja caer en el documental... aunque Kinski parezca siempre el más loco de los dos, a pesar (o quizá a consecuencia, o viceversa) de su genialidad (pero claro, el montador de esto ha sido Herzog...)

¿Que sobreactuaba? Vean la secuencia del campanario de Fitzcarraldo esbozada por Jason Robards y Mick Jagger (primeras opciones del director, antes de que el primero enfermase y el segundo huyese a seguir grabando y girando con los Stones -lo del rodaje de esa peli da para otra entrada, así que no me extenderé más-) y compárenla con la escena de Kinski. La diferencia no es abismal... es abisal.
Y si no se les ponen los pelos de punta ante su interpretación de Aguirre, de Nosferatu, ante su mirada a cámara en la secuencia de Woyzeck... no lo entiendo. Herzog le debe a Kinski mucho de aquella época, y Kinski a Herzog (bueno, y a Jesús Franco:-).

Moustapha Akkad, preocupado durante parte de su vida por dar una imagen pacífica del Islam, murió asesinado en Jordania en el 2005, por culpa de un atentado suicida de Al-Qaeda.

El niño confundido aún se quedó un rato y tuvo tiempo de ver el siguiente corto, Vicenta, donde un muñeco de plastilina con la voz de Santiago Segura se trajinaba a cuatro patas (y sin escatimar detalle: se observaba claramente cómo el pistón hidráulico del susodicho entraba y salía del túnel) a una morenaza de enormes pezones de plastilina.

Ese chaval aún recordará dentro de unos años aquella tarde. Fijo.

Lo del tatuaje era broma.

Si quieren algo mejor de David Foster Wallace que la película que nos ocupa, lean cualquiera de sus obras (les recomiendo la ruta Algo supuestamente divertido que nunca volveré a hacer -> Extinción -> La broma infinita). Si quieren algo mejor de Krasinski, véanlo en la recomendable serie The Office.
Y para la próxima película sobre el universo Wallace, voto por una recreación de Hermana Sangrienta (8) protagonizada por Natalie Portman.

Notas al pie:

1. Tanto recopilaciones de artículos y ensayos (a) como colecciones de relatos breves (b) y novelas (c).

a. Algo supuestamente divertido que nunca volveré a hacer y Hablemos de langostas.
b. La niña del pelo raro, Entrevistas breves con hombres repulsivos y Extinción.
c. Mejor dicho, novela (la obra magna y totalizadora de su universo, titulada La Broma Infinita); al menos hasta que The Broom of the System sea traducida algún día o llegue el 15 de abril de 2011 y se publique su obra póstuma y semiacabada, El rey pálido.

2. Sin lograr entender casi nada por culpa de mi paupérrimo nivel de inglés.
3. http://www.newyorker.com/reporting/2009/03/09/090309fa_fact_max
4. Algo que estoy intentando superar.
5. David Foster Wallace era mucho más que eso. Bajo su humor escondía un humanismo y una preocupación real por las cosas enorme. ¿Cínico? El mismo se encargó de tachar a la ironía y al cinismo como el mayor mal de nuestra sociedad y nuestra literatura en uno de sus ensayos, puesto que es un arma enorme para bosquejar el camino pero nunca puede construirse sobre él nada que se sostenga. Y recordemos que estamos hablando de alguien que murió por su obra. Sí, no fue un depresivo que se suicidó porque la medicación dejó de hacerle efecto: fue un depresivo que dejó su medicación habitual porque creía que le estaba bloqueando en el proceso de su obra inconclusa, El rey pálido, y esa renuncia acabó con su vida.
6. Sólo puedo decir en su favor que me gustaron las actuaciones, la representación del monólogo sobre el padre que trabajaba en los lavabos y la del chico obsesionado con el sufrimiento y Viktor Frankl (a).

a. Tenía ritmo, un verdadero milagro en esta película.

7. Qué esperar de alguien que dice cosas como “Un día un buen amigo me dijo que su libro favorito era La broma infinita de David Foster Wallace. Conseguí una copia y lo que me asustó de primera no fueron las casi 1100 páginas sino el tremendo peso de la cosa […]. No había ninguna forma de que yo tuviera la capacidad cerebral como para terminar el libro […]. Seguí con aquellos artistas que me inspiraron gratamente sin producirme sangrado nasal como Nick Drake y Hal Ashby”
8. Película de James Incandenza, polifacético personaje clave de La broma infinita.

*Al tratar este tema, la hipocresía es vergonzosa en la mayoría de las ocasiones:
tenemos a David Hamilton, un tipo que tras manchar con vaselina el objetivo de su cámara se creyó un magnífico fotógrafo con derecho a despojar de su ropa a la primera Lolita que se cruzase por su camino (y también hizo cine el tío -y tampoco se cortó un pelo-). Y dentro de este gremio, encontramos a Jock Sturges o a Carroll (de Alicia, por lo visto, lo que menos le importaba era su país de las maravillas), o a algún otro figura como el que pilló a Brooke Shields en el descanso de la escena de la bañera de La pequeña... ¡ay, Louis Malle! Otro que con la excusa de retratar la fragilidad de la inocencia se quedó bien ancho. Y si eres mujer, tienes el camino totalmente abierto para hacer lo que desees, como el Innocence de Lucile Hadzihalilovic (mujer de Gaspar Noé, otro que se las trae) o un bailecito con niño travestido como el que firmó Asia Argento en su mentiroso corazón. Nadie olvida tampoco a Natalie Portman, musa de muchos desde León, o a Gainsbourg jugueteando con su mini-Gainsbourg en Charlotte For Ever (pero, claro, como eran padre e hija...). Luego dicen que no, que no es por morbo, sino sólo un intento de reflejar algo que está ahí. Pero luego te fijas y ves que, casualmente, siempre se refleja desde el lado del tocado que se quita la ropa; jamás del tocador (excepto rarezas como El leñador). Y que Hollywood no se eche las manos a la cabeza, porque últimamente he visto a una tal Chloe Moretz vestida de colegiala cachonda con pistolón y todo en la mano...
De ahí podríamos pasar, por ejemplo, a las niñitas ninfómanas de alguna novela novel de Henry Miller o, directamente, a la Lolita de Nabokov (sin olvidar sus curiosas adaptaciones cinematográficas), o a hablar de Balthus o de esos programas televisivos donde a niñas cantantes de doce a dieciséis años se les pone escotazo, "pero oigan, que lo hacemos porque la chica canta muy bien, no se crean"...

Resumo por falta de espacio: Mentiras, mentiras y más mentiras.

Mimmo es más sincero. Piensa: soy un guarrete y voy a hacer una película sobre un guarrete repleta de guarradas con idea de que la vean y la disfruten espectadores guarros.

(sin embargo, no crean que esto es Sodoma y Gomorra; el final de Piccole labbra -¡Mimmo fue un cachondo hasta a la hora de dar título a la película!- deja un mensaje más conservador de lo que podría parecer en un primer momento: el espectador, identificado con el impotente que, aunque quiera o desee NO PUEDE mancillar a la niña bajo ningún concepto (no es cuestionable esa posibilidad en la película), sufre con él al surgir el conflicto entre lo que sale de sus tripas y lo que no puede hacer, un conflicto que sólo termina con la muerte (=matando todo deseo). Oséase: ¿te gustan? Pues sufre, intenta olvidarlo o mira de reojo sin acercarte, porque no puedes).

¡Olvídate de mí! es el resultado de la unión de dos genios: Gondry y Kaufman.

Podríamos relatar el guión de esta historia de la siguiente manera: al principio, veremos un falso comienzo (su "segunda primera vez") de la relación afectiva entre Joel y Clementine. Tras esto llegan los títulos de crédito, algo chocante pues ya se nos habían olvidado. Y después comienza la verdadera explicación del relato, que irá abriéndose ante nosotros poco a poco y nos permitirá descubrir, gracias al proceso de borrado, la relación entre Joel y Clementine desde su "primer primer" encuentro hasta la disolución de su relación. Y este enorme, emotivo y no lineal "flashback" nos permitirá comprender el verdadero alcance y significado del encuentro que habíamos visto al comienzo del film.
Cerca ya del final los personajes descubrirán gracias a las cintas de Mary lo que nosotros ya sabíamos. Y al final, con las cartas sobre la mesa, compartiremos con ellos en el clímax de esta historia un mismo punto de vista, en el pasillo frente a frente.

Ante un guión tan aparentemente enrevesado, sin embargo, resulta sorprendente visionar el film y descubrir lo fácil que resulta comprender y seguir la historia. Gondry se ayuda magistralmente de pequeños (las alusiones a San Valentín, el Oh My Darling Clementine o la abolladura en el coche) y grandes (el color de pelo de Clem) recursos para ello, mostrando todo su genio; un genio que queda patente en escenas como el clímax ante las cintas grabadas (el efecto dramático es intensísimo, y sin ese juego de voces discordantes sería muy difícil que el «Vale» final compartido llegase tan hondo al espectador), Joel en casa de sus amigos, relatando cómo fue a visitar a Clementine a la biblioteca y ésta no le reconoció, "Joel niño" pisando charcos o la escena en la biblioteca, donde Gondry pone su maestría visual al servicio de la película, y no la película al servicio de su maestría (algo que no sólo le honra, sino que le hace aún más grande).

Hay muy pocas películas que considere verdaderamente rayanas a la perfección. Persona, Arrebato, La pasión de Juana de Arco, Historie(s) du cinéma... ¡Olvídate de mí! forma parte de este privilegiado grupo. Porque ¡Olvídate de mí! es MI PELÍCULA.

Termino. Los señores de Filmaffinity no me dejan más espacio. Por suerte, en mi blog Joel Loves Clementine pude desarrollar un poco más el análisis de esta maravilla del séptimo arte... ¡Nos vemos en Montauk, amigos!

¿Qué decir del final? Me encanta, ¡me encanta! Amigos, eso es la vida. Para mí conecta muy bien con otros films sobre el amor que adoro, como el monólogo final de John Cusack en Alta fidelidad (me canso de las fantasías, pero no me canso de ti, etc) o el "Vale" final compartido de Joel y Clementine al final de ¡Olvídate de mí! Sin embargo, la película que más cercana me ha resultado en cuanto al poso amargo que deja (algo que, ahora que lo pienso, no tenía la novela de Dostoievski) es la agridulce comedia española Más pena que gloria. Veánla y sorpréndanse con los paralelismos existentes entre ambos films, ignorando las divergencias de género y tono.

¡Ah! Y el momento pezón de la Paltrow y demás "momentos ventana" me han recordado mucho al sexto mandamiento de Kieslowski (o a su No amarás, tanto da), que a su vez me recordaba y mucho a La ventana indiscreta (con todo lo que conlleva esto para el espectador). Y es que Michelle es puro cine. Pura ilusión.

"La aventura es una metáfora del deseo y de la insatisfacción de una generación del absurdo atrapada en la mediocridad y la impotencia como los personajes moravianos", leo. Pero yo ya leí a Sartre, a Camus y las novelas de Moravia. Buen intento.

Al menos, novelas mastodónticas y en ocasiones tediosas como Moby Dick te permitían la opción de saltarte las páginas más pesadas (cosa que yo no hice), pero, ¿qué haces aquí? ¿Ver la película a cámara rapida?

PD: Y si se me atraganta este Antonioni, no hablemos ya de "compañeros" suyos como Béla Tarr, Andrei Tarkovski o el último Gus Van Sant ... INSOPORTABLES (lo cual significa no-soportable, no no-sopor).

Si hicieses una pésima copia de El nuevo mundo + Bailando con lobos + Top Gun (cambiando aviones por bichos alados) metiendo en la cocktelera al cabecilla de Greenpeace junto a los efectos visuales más punteros del momento, podrías obtener algo muy parecido a Avatar.

La trama de Avatar es pésima por infantil, simplista y aberrante. ¿Un blockbuster que reniega del hombre? Calificaría a esta película no ya de crítica con el género humano, sino de partidaria de su aniquilamiento. Me da miedo, de verdad. ¿Soy el único al que le daba pena ver morir a los humanos en los helicópteros?

Los personajes son planos y aburridos (el sargento de frases manidas, la científica pacifista, el protagonista con problemas...), Pandora está desaprovechado, etc, etc. ¡Ah! Y menuda tensión te crea saber que si muere el Avatar ellos se despiertan tan tranquilos en su cabina... Vamos anda, que hasta en Matrix se lo curraron más para crear un poco de emoción...

Curioso también el tema de la pandi pandoriana, tan lista y ecológica, tan buenos salvajes, pero incapaces de organizarse y defenderse si no llega a ser por la llegada "del buen colonizador" que les enseña y los comprende. ¿Y qué es lo que busca Cameron con su forma de vida alienígena? ¿Paralelismos, empatía? Si yo tuviese una coleta (por cierto, mucha puta coleta para las plantas y los bichos pero luego se ponen a follar... ¡y no se les ocurre usarla entre ellos!) que me conectase a través de árboles con mis antepasados y me permitiese semi resucitar a gente cantando alrededor de un árbol mientras toco la "pandoreta" me sentiría Uno y Trino con la naturaleza, su flora y su fauna. Pero como soy un simple ser humano despegado y sin coleta sólo veo en ella algo destructivo y temible a lo que hay que cuidar por una mera cuestión de supervivencia.

Pero bueno; acción, aventura, paisajes increíbles y momentos trepidantes no le faltan, y eso también es cine, y eso también se disfruta mucho de vez en cuando (no todo va a ser Godard). Aunque eso sí: que nadie le ponga un 10 a esto y luego un 1 a 2012, que tampoco se llevan tanto. No obstante, entre todo lo comentado y que la tía azul me puso berraco (del momento sexo alienígena mejor ni hablamos), le regalo un 7.

Buena... diversión intrascendente
(pero sus Terminator y Mentiras Arriesgadas siguen siendo lo mejor de su filmografía).