Rodar una película de la saga Bourne sin Bourne es un ejercicio de alquimia muy complicado. Es como hacer un film de Spiderman sin Spiderman o uno de Indiana Jones sin Indiana Jones. Para quienes se acerquen a las salas de proyección porque les gustaron las entregas anteriores y porque (como es mi caso) quedaron sugestionados por su protagonista, la ausencia tanto de Matt Damon como del personaje al que representa pesa y mucho. En ese sentido, “El legado de Bourne” es un largometraje que no puede evitar el hecho de que el espectador añore lo que le falta en lugar de centrarse en lo que se le ofrece para sustituirlo.
En mi opinión, las tres primeras cintas constituyen la mejor trilogía de cine de acción –considerado como género puro, sin mezclarse con otros como la ciencia ficción o el cine fantástico- de los últimos tiempos. De hecho, ha logrado una meta tan inusual para dicho género como que los críticos la hayan encumbrado a la altura de las mejores películas. Normalmente, este tipo de cine tiene que cargar con la etiqueta de la escasa calidad y sus títulos nunca acceden a las nominaciones a mejor película del año. Sin embargo, El ultimátum de Bourne, además de ganar tres Oscar, fue nominado a los BAFTA británicos al mejor largometraje y diversas asociaciones de críticos como la National Board of Review lo incluyeron también entre los más destacados de 2007. Por todo ello, El legado de Bourne ha tenido que lidiar con dos hándicaps muy importantes. El primero, el ya comentado de continuar con la historia sin su ingrediente principal. El segundo, intentar mantener un nivel que estaba demasiado alto. Y, la verdad, es una pena porque, dejando a un lado esos problemas iniciales, se trata de una buena película, de una propuesta correcta que alcanza unos grados de intensidad y emoción muy superiores a la media de otros films similares. Al margen del entramado asociado al personaje de Jason Bourne, si el espectador es capaz de separar esta historia de sus predecesoras se encontrará ante una cinta muy digna y que le entretendrá. El posible inconveniente es que no pueda llevar a cabo esa labor de separación y recuerde inevitablemente aquello que no está, algo que no le ocurrirá a quien no haya visionado las partes anteriores. En ese sentido, esta modificación radical a la hora de seguir con la trama se ha traducido en una menor afluencia de público. Si El ultimátum de Bourne recaudó en Estados Unidos más de doscientos veinte millones de dólares y casi cuatrocientos cincuenta a nivel mundial, El legado de Bourne no ha sobrepasado los ochenta en el mercado norteamericano y apenas ha superado los cien en todo el planeta. Es obvio, por lo tanto, que las ausencias pesan como una losa.
Uno de los puntos fuertes sobre los que descansa este proyecto son los actores que integran el reparto. Todos ellos son excelentes profesionales que realizan un trabajo muy meritorio. Jeremy Renner ha destacado en sus participaciones en En tierra hostil o The Town y hay que reconocerle una buena presencia en pantalla. Es un intérprete con carácter y que aumenta el valor de los proyectos en los que interviene. En cuanto a Rachel Weisz, es un lujo de actriz que ya cuenta con una estatuilla de Hollywood gracias a su maravillosa interpretación en El jardinero fiel y cuya intervención igualmente mejora los rodajes en los que participa. De forma más secundaria les acompañan los siempre eficaces Edward Norton, Scott Glenn y Joan Allen.

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El director y productor británico Ridley Scott ha rodado a lo largo de su carrera profesional obras maestras -Alien, Blade Runner, Telma & Louise, Gladiador- y películas notables -American Gangster, Los duelistas, Black Hawk derribado-. También figuran en su filmografía algunas cintas prescindibles –La teniente O,Neill, por ejemplo, no es un largometraje comparable con los mejores títulos de su autor- pero se compensan con las sobresalientes contribuciones ya citadas, de modo que cada vez que estrena un proyecto es conveniente prestarle la atención que merece. Pero si hay algo que destaca en este realizador es su versatilidad a la hora de afrontar géneros cinematográficos de lo más diverso con garantía de un resultado final más que aceptable. Del subgénero del cine de romanos al cine bélico, del drama al thriller, Scott puede enorgullecerse de haber contribuido con todos ellos a la historia del séptimo arte. Sin embargo, si existe un género por el que siempre será recordado, es el de la ciencia ficción. Tanto Blade Runner como Alien la revolucionaron de tal manera que no sólo encabezan las listas de mejores películas sino que, después de su estreno, se habla incluso de un antes y un después en dicho género.
Prometheus es su última contribución a este peculiar universo. Se trata de un buen film que posee grandes aciertos -eficaz realización técnica, magnífica recreación visual del espacio futurista, muy lograda capacidad para mantener la tensión y escenificar escenas de terror-. Sin embargo, la relegación de los personajes frente a la acción y algunos fallos de guion impiden que pueda encumbrarse a las primeras posiciones y lastran un poco el resultado final. Se le ha querido dar un toque filosófico basado en el enfrentamiento científico/religioso sobre el origen del hombre que, además de quedarse a medias (posiblemente porque se pretenda rodar otra entrega de la saga que aporte respuestas que aquí quedan en el aire), origina algunas grietas en la historia en lugar de fortalecerla y apuntalarla.
Pero todo lo expuesto anteriormente no es óbice para concluir que Prometheus es un buen título de ciencia ficción que, seguramente, agradará a los amantes del género y a los fans de Ridley Scott. Sus más de dos horas de notable intensidad e impacto visual se agradecen sobremanera en esta época en la que la falta de originalidad parece ser la tónica general.
Las actrices Noomi Rapace y Charlize Theron integran un reparto cuyas interpretaciones son correctas y, en algunos casos, -como el de Michael Fassbender- geniales. He de reconocer que el actor alemán me ha impresionado en este último año. Sus actuaciones en Una terapia peligrosa o Shame pueden calificarse de magistrales. Parece que nos encontramos ante un intérprete de culto que puede deparar un sobresaliente futuro profesional. Sensacional, por cierto, el homenaje que, precisamente a través del personaje de Fassbender, se rinde a la película de David Lean Lawrence de Arabia.
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Stan Lee es al cómic lo que William Shakespeare a la literatura, un creador de historias cuyos personajes, situaciones y tramas trascienden por su universalidad a épocas y a modas. Spiderman es sin duda su obra más completa y lograda y sólo un análisis sesgado y erróneo la calificaría de mero producto infantil. Es verdad que sus ilustraciones cumplen con las reglas de la ciencia ficción y están destinadas mayoritariamente a un público infantil y juvenil pero, en el fondo, los asuntos sobre los que profundiza su autor son más propios de un drama teatral desgarrador: el concepto de responsabilidad, la búsqueda de la identidad, el bien, el mal, el destino, la soledad y el amor (o, más bien, las dificultades del amor). También otros personajes de cómic hacen mención a estas cuestiones vitales pero la importancia que Lee les otorga en su obra, unida a la intensidad de sus narraciones, no resisten la comparación. De modo que, como ocurre con el magistral escritor británico del siglo XVI, es adaptado una y otra vez en los medios más diversos (televisivo, teatral o cinematográfico) y por artistas muy diferentes a quienes ha atraído sobremanera. Personalmente, la historia del hombre araña me sugestionó desde muy niño y aún a día de hoy, si me topo por casualidad con cualquiera de sus recreaciones, me sigo quedando prendado de ellas, aunque las haya visto en infinidad de ocasiones.
Por esa razón no me preocupó demasiado saber de un nuevo rodaje basado en la figura del superhéroe, a pesar de que en 2002 ya había triunfado por todo lo alto en la gran pantalla su última adaptación cinematográfica dirigida por Sam Raimi e interpretada por Tobey Maguire. Simplemente consideré que tendría que contar con excelentes profesionales para mantener el listón de su antecesora y, después de haber visto el resultado final, sólo puedo calificarlo de brillante. Obviamente, es conveniente ser aficionado a un género tan peculiar como el de la ciencia ficción mezclada con la fantasía. De lo contrario, la proyección puede resultar indigesta. Pasa lo mismo si se odia el western -ver Sin perdón será una mala experiencia, por mucho que sea una obra maestra- o el musical -Chicago resultará un tormento con independencia de su indiscutible calidad-. Pero, con una mínima atracción por este tipo de cine, The Amazing Spiderman constituirá una estupenda elección a la hora de pasar por taquilla. Magníficamente realizada desde el punto de vista técnico, posee acción, intensidad, unas interpretaciones meritorias, una adecuada dirección y, sobre todo, una buena historia. En definitiva, cuenta con todos los ingredientes necesarios para disfrutar de más de dos horas de cine de calidad.
Marc Webb, realizador de la cinta, debutó detrás de la cámara con una de las mejores comedias románticas de los últimos años -la muy recomendable 500 días juntos- cuyo género se aleja bastante del que ahora nos ocupa. Sin embargo, ese salto no se ha notado en lo más mínimo, lo que demuestra la versatilidad y la eficacia de un director que conviene seguir en el futuro. El actor Andrew Garfield asume el papel protagonista, tras haber destacado en otros filmes muy notables como La red social, Nunca me abandones o Leones por corderos. Como ocurre con Webb, vale la pena memorizar su nombre porque, a buen seguro, nos seguirá deleitando con sus futuras interpretaciones.
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Algunos cineastas de prestigio se han especializado en el cine de denuncia social. Un de los más claros ejemplos es el del británico Ken Loach, en cuya filmografía abundan las alusiones políticas y los mensajes reivindicativos y done la plasmación de conflictos sociales es una constante. De hecho, en Europa ha obtenido diversos reconocimientos en casi todos los festivales denominados “de categoría A”, como Berlín, Venecia y Cannes. Algo similar ocurre con el realizador griego Costa-Gavras, que incluso ha llegado a consolidar su influencia en la compleja industria norteamericana. Sus largometrajes Desaparecido, Z y La caja de música han recibido varias nominaciones a los Oscar y le han reportado al propio director una estatuilla después de tres candidaturas. Es cierto que existen otros nombres pero seguramente estos dos sean los más representativos de este subgénero cinematográfico caracterizado por dar protagonismo a quienes no suelen tenerlo y por plasmar las desigualdades, la miseria y la corrupción. Con independencia de no olvidar el primer mandamiento del cineasta, que no es otro que entretener, ellos se marcan como objetivo que el espectador reflexione sobre mundos que tal vez les resulten muy ajenos pero que, no por ello, dejan de existir y necesitan, al menos, darse a conocer.
Elefante Blanco debe encuadrarse en este tipo de cine. Cuenta la historia de dos sacerdotes que, tras sobrevivir en el ejercicio de su labor pastoral en Centroamérica a un intento de asesinato por parte del ejército, se trasladan a un barrio de Buenos Aires para continuar con su misión de atender a la población más necesitada. Para conseguir sus fines, tendrán que enfrentarse a la corrupción, a la pobreza, a la burocracia, a los gobernantes e, incluso, a la jerarquía eclesiástica, arriesgando nuevamente sus vidas por defender, más que su religión, su compromiso leal hacia los vecinos. La cinta logra transmitir ese espíritu de denuncia y de transmisión de las penurias de ese sector de la ciudadanía tan olvidado.
Sin embargo, desde el punto de vista estrictamente cinematográfico, no logra posicionarse entre los grandes títulos de un subgénero en el que Loach y Costa-Gavras continúan siendo los referentes. Dicho esto, hay que reconocer que el argentino Pablo Trapero es un digno miembro de esta modalidad cuyo fin consiste en despertar conciencias frente a las situaciones de injusticia y abandono a las que se ve sometido un considerable sector de la población.
Ahora bien, el principal atractivo de Elefante Blanco es, por enésima vez, su protagonista principal, el siempre extraordinario Ricardo Darín. Existen actores dotados de una capacidad innata para transmitir emociones y sentimientos, que constituyen un activo indiscutible en cualquier película, que generan una especial complicidad con el espectador, que son versátiles y alcanzan registros interpretativos increíbles tanto en la comedia como en el drama. Que, lo que es más difícil, consiguen arrancar sonrisas en medio de una escena enternecedora o, por el contrario, te encogen el corazón durante un diálogo cómico. Darín es uno de ellos. Sus trabajos en Nueve reinas, El hijo de la novia o El secreto de sus ojos son de obligada visión para todos los amantes del cine y, si me apuran, para cualquier persona, sea o no aficionada al séptimo arte. En esta ocasión, de nuevo interpreta su papel de modo eficaz y, aunque no alcance una cota más alta, sin duda merece la pena disfrutar con su talento.

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