Combinando retales de Cujo y Eclipse total (Dolores Clairbone) -puede que hasta de Cadena Perpetua (o La redención de Shawshank) con la idea de juguetear con los flashbacks y flashforwards así como en el lado de sobrevivir y penetrar en la psique de los personajes-, El juego de Gerald es la mejor adaptación de Stephen King en términos de pura tensión humana desde los tiempos de Misery.

No es sólo la estupenda tensión (y una imaginería de puro terror que puede inducir a pesadillas fácilmente), ni tampoco unas interpretaciones magistrales de Carla Gugino y Bruce Greenwood. Ni siquiera una premisa llena de suspense, con perro hambriento incluido y puntuales jirones de gore. Son los momentos -por suerte, muchos- en los cuales los diálogos y el corazón de la historia laten muy por encima de todo eso lo que la convierten en todo un pelotazo en sus propios términos.

Que esté sólo en Netflix se me antojo hasta de un tanto injusto, pues aún con una factura un tanto televisiva, está rodada y presentada con la suficiente elegancia como para ser estrenada en salas comerciales (aún teniendo una vida comercial justita). Es una gran película, una genuina sorpresa y otro paso adelante en el rejuvenecimiento actual de Stephen King en el cine. Cuánto menos se sepa, mejor. Haz caso de las críticas positivas, pues esta es una de las ocasiones en las cuales el hype es real. Debe ser vista.

Desconozco si es porque ya van 20 años de la muerte de John Denver o si es que los astros cinematográficos se han alineado, pero tras Alien:Covenant y Kingsman: El círculo de oro ahora le toca a Logan Lucky o La suerte de los Logan el que el tema "Take Me Home, Country Roads" aparezca como un tema recurrente un tanto substancial en una película.

No sé si Soderbergh pretende homenajear a la trilogía Ocean´s -con una nueva entrega protagonizanda por mujeres asomando la patita cerca- o si viendo que no se quiere retirar del cine pese a que siempre suela decirlo, intenta recrear una nueva saga de robos protagonizada por personajes peculiares bajo su dirección particular (repleta de apariciones estelares que adornan más que encarnan sus personajes de forma desarrollada). Si no supiéramos nada de Clooney y los suyos, supongo que vería con mejores ojos a la cuadrilla de Tatum y cia. Las comparaciones son odiosas, pero reconozcamos varios paralelismos ya clichés del género (cómo el plan corre riesgos, cómo se recluta a la gente, las sorpresas del final, etc.).

Y para acabar: Daniel Craig. No es porque sea Daniel Craig, es porque su personaje sencillamente me ha parecido el mejor, el más divertido -el momento de los ositos de goma-, el de mayor carisma y de los mejor interpretados. Tras la cagada de Spectre y una trayectoria irregular, ya era hora de volver a ver un Craig que mereciese la pena fuera de la saga Bond. Aunque muy seguramente no gozará del éxito que goza encarnando al doble cero.

El entretenimiento es potente salvo un tercio final de investigación policial que frena unos peldaños la diversión, hay buenos momentos cómicos, Craig está genial y un motín con un chiste involucrando a Juego de Tronos hará las delicias de sus seguidores. Pero el problema de esta película es que ya existen varias como ella y su guión no escapa a tópicos. Correcto entretenimiento, pero más pasajero que otra cosa.

madre! es la película más provocativa de Darren Aronofsky, no estoy seguro de que sea la mejor para mí. De lo que sí estoy seguro es de su poderosa intensidad. Comienza como una película con retales psicológicos de Kubrick entremezclados con el estilo visual de Polanski (el punto de vista de Lawrence es definitivo para garantizar que esta película sea lo inmersiva que consigue ser), sólo para acabar de forma tan sorprendente como aterradora.

Es más una experiencia que una película -se puede reducir a la cita con la que abro mi crítica, tal y como el personaje de Javier Bardem asegura en la cinta entrando en su inolvidable tercer acto-. Juguetea con ideas, significados y simbolismos, removiendo las neuronas del espectador al tiempo que golpea sus intestinos de forma progresivamente más voraz. Y fiel a lo que Aronofsky nos ha inculcado a esperar de sus películas: no deja indiferente a nadie.

Dicen que es mejor no saber nada de nada de la cinta. Yo me tragué varios spoilers (los cuales la gente parece colocar en todos los lados para ayudar a entenderla mejor) y aún así me mantuvo al borde del asiento en casi todo momento -y lo gracioso es que podría sacar muchas más lecturas de la principal de la cinta en su apariencia-. Es de estas películas que van a ser discutidas durante mucho tiempo, una cuya escena cumbre con un recién nacido ha hecho que el corazón hiperventilara como loco dentro de mi pecho. Es lo más provocativo que el cine comercial ha entregado en muchísimo tiempo... o tal vez una película diferente introducida de forma salvaje en el circuito comercial.

A Ghost Story bien podría ser una postal cinematográfica en toda regla, un cuadro hecho cine de hora y media. Por supuesto que la historia está ahí, una que arranca siendo una de amor (sin nada que ver con 'Ghost: Más allá del amor') y que se atreve a sobrepasar la barrera de su premisa, extendiéndose y mejorando al adquirir una lírica concepción que deja poso y preguntas a responder. Su propia mitología e historia en torno a los fantasmas que no vemos pero están ahí resulta apasionante, consigue emocionarte una vez llegas al acto final.

Las interpretaciones son notables, los diálogos realistas, la dirección magnética y la banda sonora (destacando el tema "I Get Overwhelmed" de Dark Rooms, el cual tiene que ser escuchado desde ya si no lo ha sido ya) están a la altura. Pero insisto en que son las imágenes y lo que sacamos de las mismas lo que se lleva la palma para mí. Su elegancia visual sólo es equiparable a las lecturas que provoca.

Los temas que aborda no son nada fáciles y podían haber caído en un territorio demasiado cerebral y fallido en otras manos (la muerte, las relaciones de pareja y sociales, lo que llevamos con nosotros y lo que queda atrás, lo nuevo y lo viejo, saber de dónde vinimos y a dónde vamos, lo que quedará de nosotros una vez ya no estemos, alcanzar la paz con uno mismo), pero aquí se hallan repartidos con soltura.

Esta película no es para todos, vaya eso por delante -A24 puede dar su fama por ganada tras títulos un tanto difíciles de tragar como éste y 'Llega de noche' por ejemplo-. Es lenta, contemplativa, dura, triste y profunda. O te la tomas en serio y vas a verla prestando un mínimo de atención -tampoco nos pasemos-, o rápidamente la vapulearás. A medio camino entre una obra maestra y el tipo de cine independiente del que quiere dar el pelotazo: una gran película que consigue ser solitaria y única en unos género y premisa tan abarrotadas de títulos que fácilmente podría haber pasado por ser otro más.

Esta crítica la haré tan ligera como el potente ritmo de la película los cuales sus 140 minutos apenas se notan. La primera Kingsman tuvo un efecto sorpresa mayormente positivo en mí a pesar de ciertos engranajes de la trama que los sentía faltos de chicha y un tercer acto que no llegaba al nivel de éxtasis y gloria de la inolvidable secuencia de la iglesia. Eso sí, y aceptando que es mi opinión personal y respetable, la disfruté pese a no considerarla una sólida maravilla. Y recién salido de ver esta secuela, la cual esperaba mala por varias de sus críticas, he de decir que me ha sorprendido de nuevo para bastante bien (a pesar de haber perdido y mucho el factor sorpresa de la anterior).

Parece que Matthew Vaughn está empeñado en remezclar la secuencia de la iglesia de la primera una y otra vez en la película (cada set piece, sobre todo la pelea final, es una sombra alargada de aquella). El humor ya no cala tanto como los chistes efectivos de la anterior. Tanto fichaje nuevo, tanto fichaje nuevo y luego casi todos (salvo Pedro Pascal y Halle Berry, a quien le hubiese dado más libertad de acción pues se lo merece) son más cameos glorificados que personajes introducidos y establecidos. Y a pesar de que Julianne Moore se lo pasa muy bien, no es Samuel L. Jackson ni de lejos.

Pero es la historia de esta secuela lo que suple en mí la falta de equilibrio y de sorpresa, manteniendo a esta secuela en movimiento y diversión constante en todo momento. Su crítica al panorama político actual, el tratamiento sorprendente del personaje de Colin Firth (quien vuelve a llevarse el protagonismo para mí, como hiciese en la primera) oscilando entre la parodia y la emoción conseguida, el muy cuidado desarrollo de personajes como el de Mark Strong y el valiente modo en como acaban en la película y el cómo la historia va de "muy menos" -una escena de acción de cómic que ya pretende poner por las nubes a la cinta y sólo la convierte en un arranque olvidable- a bastante más -el desarrollo y el clímax son satisfactorios- es lo que hacen ponerse al nivel muy decente de la anterior para mí.

Como la anterior, tiene sus excesos glorificados en violencia, pizquitas de sexo con lencería, trato muy secundario a la mujer (sobre todo en la desaparición de cierto personaje en la zona de spoliers) y un Elton John que sobrepasa las expectativas. Pero con todo, estamos ante una secuela ligera y disfrutable. Tal vez si la primera me hubiese encantado, a esta le hubiese puesto más nota, pero también le pesa que su efecto sorpresa haya desaparecido y la balanza de personajes esté sensiblemente desequilibrada. Para mí, la mayor sorpresa es su historia y cómo engancha de forma tan simple como su visionado hasta el final.

Tras una miniserie mítica (aún envejecida) y un hype aterrador importante tras una maravillosa campaña de márketing, "It" regresa a nosotros por primera vez en la pantalla grande. Y mientras que puede no ser la mejor película basada en una obra de Stephen King -que sí es de las mejores y más dignas de las tropecientas que se han hecho-, sí que es desde ya una de las mejores experiencias de terror y suspense del año.

Sin tampoco irme por las ramas: en el plano actoral los "perdedores" (o "losers") cumplen de sobras -destacando a una magnífica Sophia Lillis que se los come a todos- y Bill Skarsgård se coloca al mismísimo nivel de pavor de Tim Curry aún siendo más una elocuente y aterradora nota de gracia más que un papel delimitado en la cinta. La dirección de Andrés Muschietti es elegante y madura. La banda sonora es buena (con atronadores coros infantiles preparados para sembrar el terror). Y el estilo visual y la fotografía de la cinta la hacen estar entre las más elegantes del género de terror de los últimos años.

En el plano argumental y narrativo, esta primera parte es muy fiel a la obra de King pese a algunos cambios de corrección positiva, por lo que los fans saldrán especialmente encantados. Aunque en mi parecer, los que se quieran poner algo quisquillosos con ella también tendrán sus bazas.

Y es que pese a hacer un trabajo honorable presentándonos a los personajes protagonistas -obviando mucho a los escasos adultos- así como al pueblo y su fantástica ambientación de finales de los 80, el ritmo impactante de la cinta se resiente bastante en su tercer acto (tras la escena de las diapositivas). En el plano del terror, la película tiene un comienzo impresionante que por mucho que se haya desvelado de el sigue angustiando y una escena intermedia (la mencionada del garaje y las diapositivas) que pasa desde ya al top de mejores momentos pesadillescos de puro infarto de los últimos tiempos. Pero salvando esos dos puntazos memorables, la película se queda "sólo" en un ramillete de secuencias de visiones y encuentros con las diversas formas de "It" que, si bien dan suspense del bueno, no alcanzan el nivel de pavor de los momentos cumbre de la cinta. Así como que el dejarnos con ganas de más para la segunda parte de la historia puede ser de lo mejor y de lo peor de la cinta al mismo tiempo (lo peor, a mi parecer, por faltarnos algo más de contexto o información acerca del pueblo y de la historia en general). Y luego el tono de la cinta parece no encontrar el equilibrio entre las pullitas cómicas -que tampoco son la repera, seamos sinceros- y los clímax de terror (*ejemplo de esto en zona spoiler, que tampoco lo es tanto la verdad).

"It" se propone perturbar y poner los pelos de punta. Y la buena noticia es que lo consigue. Tiene puntuales momentos realmente aterradores, unas notables interpretaciones y deja a los espectadores con ganas de lo que les pase a los "perdedores" en la gran pantalla dentro de año y medio o dos años. Pero tal vez por faltar esa parte de la historia deliberadamente parece que me deja un pelín falto de gas. Así como el ser vendida como una experiencia de terror puro y resultar más un "Cuenta conmigo" con momentos de suspense y brincos puntuales pueda contrariar a determinados espectadores o defraudar un poco a quiénes se esperaban otra cosa. Pero tranquilidad, pues si no es perfecta, sí es inquietante y escalofriante a rabiar. Hace justicia a King (repito que es una de las mejores películas basadas en sus obras), lleva la primera mitad de su historia completa al cine con honores y ese maldito Pennywise hará que no vuelvas a mirar a una alcantarilla ni a un proyector de la misma manera.

PD: Para la versión adulta de dentro de un par de años aproximadamente, para la Beverly adulta por favor fichen a Amy Adams.

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cineredux.com

Monstruoso es un virtuoso entretenimiento, pero esta Calle Cloverfield 10 es aún mejor en prácticamente todos los apartados. Este "Cloververse" o universo Cloverfield parece no haber perdido fuelle en su segunda película: todo lo contrario, mantiene -o hasta eleva- su efecto sorpresa gracias a un juguetón guión hitchcockiano. A esto le sumamos una dirección impresionante del debutante Dan Trachtenberg, una banda sonora genial y unas interpretaciones sensacionales (Mary Elizabeth Winstead está gloriosa y John Goodman está a su altura con una interpretación sublime) y nos da un peliculón notable.

Es una montaña rusa llena de emociones, suspense y suspensión de incredulidad también en varios pasajes. Mucho se ha criticado el final -cosa que a mí me ha funcionado bien pese a concordar que no está tan a la altura de todo lo anterior contado-, pero es que sin esa recta final no habría empalme alguno con el universo perpetrado de forma involuntaria con la película original del 2008. Parece otra pequeña película pegada al final, sí, pero sorprende de verdad y no me pareció para nada tan infame. Supongo que también lo criticaría mucha gente que no ha visto Monstruoso o no se percató de que ésta iba conectada con aquella.

Tras una desastrosa Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás y una mala La Momia, Tom Cruise entrega su mejor película de esta temporada con la presente Barry Seal: El traficante (American Made). Y no es para menos, cuenta con todo lo esperable en una película de Cruise que esté de correcta para arriba: entretenimiento, diversión y una interpretación pegadiza -y sonriente hasta el final, tiene mérito-. Acompañando se halla una dirección elegante, la cual recuerda por momentos a un Michael Mann con cámara digital (así como los magníficos detalles de los títulos iniciales clásicos de los 70 y 80, así como la estética del VHS, pasando por el mismo formato panorámico de la película el cual es 1.85:1 en lugar del amplio y extenso 16:9) y una banda sonora tan fresca y ligera como la película misma.

Con todos estos mimbres, ¿Cuál puede ser el problema? Que sabemos en gran medida lo que va a pasar. Que ya han hecho El lobo de Wall Street o El precio del poder (Scarface) -de esta última se saca fácil la problemática del dinero que no entra ni en el banco, ni en la propia casa del protagonista- y tenemos mejores interpretaciones de vidas al límite en la mismísima televisión gracias a Breaking Bad o la reciente Narcos (muy relacionada por la incursión de Pablo Escobar en la historia). Barry Seal emplea la voz en off, el tono desenfadado y la posterior caída/vuelta a la realidad del protagonista y su vida. Ya nos sabemos esta historia y ya ha sido presentada de mejores-y más intensos o memorables- modos.

¿Eso la hace mala? No. Pese a que la nota pueda parecer baja, es un disfrutable entretenimiento para el final del verano. Uno con el que Cruise y Liman demuestran su valía una vez más -delante y detrás de la cámara respectivamente-, pero sin llegar al muy buen nivel de Al filo del mañana (su anterior y divertidísima colaboración). Cruise cumple como esperaba de él (y como necesitaba tras dos pinchazos mal olientes), lo que pasa es que esta historia ya la hemos visto otras veces. Y a pesar de unos cuantos buenos golpes -pilotos que se quedan dormidos, diálogos bien interpretados, fajos de billetes que marcan la posición de una lavadora o el mismo carisma juguetón de Cruise-, no consigue ser nada más que un viaje de ida al cine y vuelta a casa pasajero y sin mella.

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Los dos primeros tercios presentan una película tan bellamente filmada y tan bien dirigida que verla resulta casi algo hipnótico. Hay diálogos, interpretaciones y escenas para el recuerdo. Hasta aquí hablamos de un 7 segurísimo. El argumento parece ir in crescendo sin frenos hasta lo que parece un potente clímax en el tono y sentido de la película.

Entonces hay un giro en el brevísimo tercer acto (tras la escena de la sauna) que si bien es interesante, se antoja de metido con mucho calzador y falto de un mejor contexto. Ese giro desencadena un final impropio de una película hasta entonces tan turbia. Toda la amenaza y la tensión se viene abajo cual castillo de naipes. De resolución atropellada y fácil, tras mostrar una cinta lenta como un cuchillo asesino y de atmósfera difícil.

Una verdadera pena que un final flojísimo tire por tierra una película que daba para muchísimo más. Media hora más mejor planeada y muchísimo mejor cerrada lo hubiese arreglado todo. Lástima.

Desde los evidentes ecos tan imponentes como atronadores en su música y banda sonora, hasta el modo de penetrar en la psique de su protagonista en un entorno tan opresivo, Shutter Island es cine del que te deja tocado para bien y para menos bien. La dirección de Scorsese es brillante, tan elegante en las composiciones como asfixiante en su estilo visual, y la interpretación central de DiCaprio es de sus mejores en su carrera.

A pesar de que no es mi película favorita de este tándem de talentos (esa va para El lobo de Wall Street) y que su guión -a pesar de ser potente en conjunto- se atrasa un poco tirando bastante a la mala idea del espectador por dilucidar los giros, es un buen thriller con ideas provocativas que se exprimen en varios pensamientos y sucesivos visionados. Es lo más parecido a un Resplandor de nuestros tiempos en aspectos de historia y empaque final como producto cinematográfico, aunque sin llegar a la cuasi maestría de Kubrick en su conjunto.

Wonder Woman es la mejor película del universo DC, y si estos son listos la tomarán como referente para moldear las películas que hagan y -espero- perfilar y mejorar el boceto. Pero esto no la convierte en la mejor película de superhéroes desde El Caballero Oscuro (como algunas críticas de público y especialistas dicen) ni tan siquiera en una película memorable. Es fórmula de origen de superhéroes puro y duro, partamos de ahí.

Está rodada con fuerza y espectacularidad, Gal Gadot es sensacional (convirtiéndose en el personaje referente del universo, robando ancho de banda a grandes que se creían inamovibles como Batman o el Superman oscuro), el ritmo es entretenido y se ve con facilidad. Pero ahí se frena el carrusel. No sentí nada especialmente fascinante o sorprendente en comparación con películas añejas como el Superman de Richard Donner o con otras tantas nuevas (no supera a Batman Begins como historia de origen, por ejemplo, aunque el margen sea por poco).

Es entretenimiento agradable de efectos especiales y banda sonora épica al servicio del consumidor. Un par de momentos de seriedad y madurez dignos de DC (la frustración de la heroína y una pérdida que la marca para siempre), pero se acabó. Está muy bien calculada para gustar, pero le falta bastante para sorprender de verdad en estos tiempos de empache del género.

Kathryn Bigelow entrega su mejor película con Detroit, un thriller dramático angustioso inspirado en los fatídicos hechos reales que marcaron un antes y un después allá por 1967 (la película se estrena coincidiendo con el 50º aniversario de los hechos). No es un documental, ni tampoco un entretenimiento bueno de impecable factura. Es una incomodidad digna del peor desasosiego de dos horas y cuarto. Quien ose verla que tenga muy presente que será testigo de una historia estructurada en tres actos que parece esforzarse en hacer que pierdas la esperanza sin piedad.

El primer acto constituye los primeros 35-40 minutos. Hace un gran trabajo presentándonos la tensión racial y a cada uno de los personajes así como lo que persiguen (mención especial a la desgarradora escena del cantante de los Dramatics cantando sólo en el escenario, cegado por conseguir su sueño).

El acto intermedio consta de 45-50 minutos, casi una hora contada a tiempo real -o eso da la sensación- el cual transcurre en el Motel Algiers y no sólo es lo más potente de la película sino que se tercia como una brutal y descarnada película de horror dentro de una que parecía tratar "sólo" acerca de historia, una que parecía pasar por "otra drama de hechos reales capitaneada por personajes emprendedores". No sólo pone a prueba a sus personajes introducidos al inicio, sino que también testa al espectador. Puede que haya gente que defina a Detroit como una película de terror por este acto central, y les daría hasta la razón (hay un momento en que dos personajes tratan de escapar y se ve a un policía a punto de entrar a traición por una puerta, causa un sobresalto digno de una de terror puro y duro). El suspense hace que pierdas la noción del tiempo, el mal rato que hace pasar corre el riesgo de que el nudo en el estómago se te haga insoportable y la indefensión de los personajes ante la abusiva "autoridad" provoca una impotencia que hasta te pueda hacer odiar la película por mostrar eso.

Pero aún queda el tercer acto, los últimos 40-45 minutos, las consecuencias de la tragedia. Si aún quedaba esperanza o se esperaba la aparición de algún deux ex machina milagroso, la película te vuelve a dar una paliza moral hasta hacerte casi cabrear. Nadie dijo que la verdad fuese fácil o bonita, pero el odio interno y externo conjugado con la opresión y el rencor nos coloca aquí en el sitio más oscuro en el que podíamos acabar. Los sueños están rotos y el único sabor de boca que queda es el del vómito del personaje de John Boyega a la salida del juzgado.

La dirección pone los pelos de punta, los aspectos técnicos (edición, montaje, efectos) son de primer orden y las interpretaciones están encaminadas a llevarse algún que otro Óscar (Will Poulter compone uno de los personajes más asquerosos y potentes que se recuerdan, con un físico idóneo para el papel y que me recuerda al Joker de la serie Gotham - John Boyega hace una interpretación sombría y puede que un tanto apagada, pero que se quite de tanto Star Wars y se dedique más a este tipo de papeles porque lo borda). Tras un acto tan increíble como el segundo, la recta final de la cinta se antoja de larga y un tanto inferior, pero a mí no me molestó tanto como para aburrirme o bajarla del notable.

Detroit es una tragedia en tres actos que te perseguirá tras haber acabado de verla y te hará pensar sobre la condición humana, así como en varias preguntas de la actualidad hunden sus respuestas en los fantasmas del pasado. Tan dura como valiente, tan opresiva como necesaria.

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Esta crítica (un poco más extensa) también está disponible en cineredux.com (sitio web dedicado al cine y series el cual recomiendo si se quiere estar a la última con noticias, críticas o artículos).

El resplandor siempre será una de las mejores películas de terror de la historia del cine. La segunda y mejor (a la espera de la nueva IT) película basada en una novela de Stephen King -la mejor a nivel de terror, la segunda mejor a nivel global tras la imprescindible Cadena Perpetua-. La mejor de Kubrick, en mi opinión. Y la primera que realmente empezó a meter más cerebro en su argumento y redujo los sobresaltos a casi ninguno, apoyándose en la imagen y en las sensaciones para aterrarnos. Puede haber envejecido, pero lo hace de maravilla en comparación con otras -que sea mi segunda película de terror preferida de todas las que he visto es una prueba fehaciente de ello-. ¿Qué puede impedirla ser la mejor entonces, con tantos mimbres? El propio Kubrick, por increíble que parezca.

Hay dos versiones de esta película: la que nosotros conocemos -la europea de menos de dos horas, la que siempre hemos visto- y la internacional de casi dos horas y media -que allí siempre se exhibe como única, ya sea en reestrenos o en pases televisivos o en lanzamientos de DVD o Blu Ray-. Por suerte para nosotros, parece que Kubrick se deshacía más en halagos con la ajustada versión europea que con la longitud épica del otro lado del charco. Durante años, era una película de 9,5 o 10 para mí habiendo visto la europea. Hasta que descubrí el pastel y me lancé a ver la original de más duración (es justo valorarla, pues no es un extra añadido sino que las dos versiones se hallan válidas para todos)... Y no me extraña que Kubrick prefiera la recortada.

La versión internacional tiene más pasajes de diálogo expositivos para conectarla más con la novela -algo que a mí poco me preocupa, el libro y el cine son dos lenguajes distintos por lo que hay que dejar las nuevas ideas de uno y otro fluir sin prejuicios para no defraudarnos siempre-. Rompe bastante la tensión mantenido debido a estas situaciones alargadas. Pero para mi sorpresa, Kubrick sucumbe a clichés góticos de esqueletos y telarañas en su tercio final... ¿Toda la película siendo un "fuera de la ley" para dar esa puñalada cariñosa por la espalda? En su versión internacional, El Resplandor corre el riesgo de tener más fama que retención pues es una película de grandes momentos, pero de duración un tanto excesiva -ritmo más lento- e inesperadamente convencional en varios pasajes. Un 6 o 6 alto.

Ojalá nunca hubiese descubierto esa versión internacional y sólo hubiese existido la nuestra, la europea (la de toda la vida). Entonces no sólo sería un clásico indiscutible para enseñar en escuelas de cine, sino que seguiría siendo mi película de terror favorita de la historia. Pero existiendo las dos versiones, siendo las dos versiones aceptadas por el director, distribuidas y conocidas universalmente, una sin derogar a la otra, tengo que valorar esta película sabiéndolo todo de ella. No es un caso del tipo Blade Runner: The Final Cut (pues en ese caso, sólo se estaría valorando ese corte definitivo). El Resplandor son dos películas, le pese a quien le pese -a mí, el primero-. Y he de valorarla como tal. Por desgracia no será ni un 10 ni un 9 para mí (anda que no tenía ganas de ponerle esa nota), por suerte será más de un 6 (no se merece caer tan bajo). De ahí, queda explicado mi 8. Es una estupenda nota, una que queda para la posteridad para una película digna de su estatus legendario en la historia. Pero es una nota superable si se lo proponen. Y este año, aún sin acabar, ya he dado de bruces con una película un puntín por encima de ella -tanto en terror como en efectividad general- para mi mayúscula sorpresa. Supongo que los tiempos cambian, respetando lo conocido pero también abrazando lo nuevo si se hace de querer. Seguro que en 1979 no se creía que esta película llegase lo lo lejos que llegó a partir de su estreno en 1980.

Pero antes de que me caigan los tomates, El Resplandor siempre será El Resplandor. No importa que sea la mejor o la "menos mejor" para mí o para varios. Repito, siempre será El Resplandor. Siempre será Kubrick/Nicholson/Duvall/Lloyd en plena forma. Siempre será admirable, siempre será modélica y siempre dará miedo. ¿Puede ser superada?: Pues sí, la verdad, como Psicosis por ejemplo. ¿Perderá su valor alguna vez?: NO. ¿Veremos algo igual alguna vez?: JAMÁS.

Con lo sensacional que es el póster. Con lo que molaba el tráiler (en el cual abundan escenas del final porque es lo más reivindicable de la misma). Con el carisma de Deadpool y Nick Furia juntos reunidos en una sola película. Y cuánto talento y expectativa desperdiciada al fin. Creo que sólo sonreí dos veces en una película de tres chistes malos por minuto y una duración de casi dos horas.

Vale que es una parodia fantasiosa de una trama de asesinos y dictadores, por lo que no perderé el tiempo en comentar si el guión es bueno o malo (aunque es malo a rabiar). Es una película para echarse las risas, ¿no? Pues me centraré en las risas. Las únicas risas que oía en la platea no eran las mías, sino las de los chavales y chavalas de entre 10 y 15 años -lo juro: Sala 3 del Yelmo Ocimax de Gijón, sesión de las 18:05- que habían engañado a sus padres o tutores legales para ver una ensalada de insultos y tiros filmados sin habilidad y con mucho grano (una edición realmente mala la de esta película) y reírse de cada vez que Samuel L. Jackson soltaba una palabrota. Al segundo "hijop**a" ya me había cansado, minuto ocho de película. Con eso lo digo todo. Es tan sólo mi opinión, pero juro que quería reírme con esta película y al final acabé arrepentido de verla. Si querían hacer una comedia de verdad, que se hubiesen dejado de insultos dignos de ignorantes y se hubiesen dedicado a pulir diálogos y situaciones cómicas de verdad (Deadpool: ¡¿Por qué no la tomasteis de ejemplo, más teniendo al bueno de Reynolds a bordo?!).

No me quiero extender más, tampoco se lo merece. Creo que El otro guardaespaldas es malísima se mire por donde se mire. Para mejorarla, haría falta un mejor guión, una buen dirección (parece hecha para televisión, de verdad), que los actores no se preocupen por hacer el tonto sino por hacer de reír sarcástica o inteligentemente (sí, hasta para ser gamberro hay que echarle ingenio -Agárralo como puedas, Deadpool mismamente o las mejores Scary Movies son pruebas de ello-), que no hagan un tono confuso y mantengan uno solo durante toda la trama (hay momentos con calzador hirviendo que hasta buscan sacarte la fibra sensible o la emoción de una escena de acción con terroristas cuando no pega para nada con el resto de la película)... Vamos, haría falta que la diseñaran de nuevo desde el principio. Una de las peores películas del año es una caricia para ella. Para esto, haber hecho una parodia de verdad de El guardaespaldas.

Mira que el terror es un género tan trillado que tenemos que remontarnos a El Exorcista, El Resplandor de Kubrick o Misery (las dos últimas basadas en novelas de Stephen King, quien vuelve en dos semanas con el malvado Pennywise a la gran pantalla) para recuperar cintas muy redondas (los Expedientes Warren son magníficos en atmósferas pero trillados en historias) y aún así son más psicológicas que terroríficas. Mira que esta película ni pensaba verla, mira que el tráiler ni me llamaba. Pues ha sido meterme al cine a su primera sesión (16:05 en los Yelmo Ocimax de Gijón) y salir con el corazón a cien. Verónica es la respuesta a todas mis quejas del género de terror y más. Una sorprendente y brillante película que acaba de desbancar a Que dios nos perdone como mi película española favorita.

Su duración acotada y su pulso mantenido (un Paco Plaza sensacional en la dirección, digno del mejor James Wan pero sin copiar para nada) no hacen más que beneficiarla -yendo al grano te cargas muchos tópicos y minutos extras que varias películas suelen adolecer-. La historia toma de inspiración fundamental el caso Vallecas y por muy conocida que sea dicha historia real, la película te mantiene con el corazón en un puño. La ambientación de los noventa, la música, la edición: todo es maravilloso y ultra creíble. ¿Qué decir de los personajes? Sublimes, absolutamente todos. Destacando a una Sandra Escacena que acaba de empezar y ya se halla en estado de gracia, todos los jóvenes actores se comen la pantalla haciendo que nos identifiquemos con ellos, les cojamos aprecio y supliquemos por su seguridad en los momentos más aterradores. Hasta el genial guión esconde un final con pequeños giros brutalmente sorprendentes que ni hasta el más mal pensado vería venir. Ninguna otra película de terror había conseguido hacer eso, creo que en la historia reciente del género (y me he visto varias).

En el plano del terror: Verónica es la mejor película de terror de los últimos años simplemente por saber dar terror. No hay ningún screamer o jump scare barato (mi principal queja y lo que, por desgracia, abunda en las películas). Es más incluso la música siempre se halla presente. Aquí hay imágenes y secuencias de puro horror gracias al manejo maestro de la tensión y planos sostenidos. Se notan las influencias de Plaza, pero también se nota que ha aprendido a lo grande y ha sabido hacer suyo el estilo. Hay momentos dignos de pesadilla, no por el sobresalto sino por lo que se ve y se siente, que no me extrañaría si poblasen algunos de mis turbios sueños algunas noches de estas, mientras los Héroes del Silencio hacen la cuenta atrás hasta uno.

Puedo parecer exagerado, pero no soy yo (soy el primero que dilapida o resta valor sin piedad a una película, claro que si lo merece). Lo exagerado es que una película española sin mucha propaganda (en la sala, por desgracia, éramos cinco -aunque eso también contribuye a la atmósfera-) y que parecía otra más haya dado la campanada coronándose como la mejor película de terror que el cine me ha entregado desde tiempos ochenteros. Para mí, Verónica es un clásico instantáneo desde ya y una de las películas imprescindibles de este 2017. Supera sin miedo las producciones norteamericanas desmedidas sin despeinarse, es una película de terror sin trucos que da miedo de verdad y que te hará escuchar sin remedio a los Héroes del Silencio (si es que no lo has hecho ya). Nunca lo hubiese esperado, pero por fin salgo del cine sin asociar la palabra terror a una muñeca maldita ni a una puerta que se destroza a hachazos ante gritos histéricos de una mujer a punto de ser asesinada. Cuando pienso en terror, veo a Verónica. Y que esto se logre en tiempos turbulentos y de tanta basura como el actual no me hace más que sonreír... mientras trato de controlar los temblores de mi cuerpo.

...Porque un James Bond tan bueno y hasta revolucionario como el de Daniel Craig (para mí el mejor de todos, con orgullo lo afirma uno que creció con Brosnan y admiró a Connery) merece un final a la altura y no este vergonzoso despropósito de 200 millones de dólares (¡así va la crisis si nos lo gastamos de manera tan pobre!). Casino Royale reinició la franquicia a lo Batman Begins pero se las arregló para resultar hasta más entretenida que aquella. Quantum Of Solace supuso ser una película de acción de escenas efectivas -muy a lo Bourne-, pero que contaba una historia potente de forma bastante floja. Skyfall volvió a subir el nivel entregando un magnífico desarrollo de personajes y una historia magnética y personal, posicionándose junto a Royale y siendo aquellas las dos mejores películas Bond de todas para mí (lo único que la impide superar a Royale es que muchos de sus ases argumentales no son 100% originales: la sombra del Batman de Nolan es alargada y muy reciente aún). Spectre no es que lo tuviese fácil y ya estaba preparado para una sensible bajada de calidad. Pero lo que no me esperaba era que ese artículo de Forbes tuviese la razón y que ésta resultase una peor película que las más flojas de Brosnan. Tengo que remontarme a la despedida de Moore en 1985 (Panorama para matar) para encontrar un punto bajo similar.

Todo en esta película se nota pesado y cansado. Si ya el propio Craig -aún constituyendo un potente Bond- parece muy desconectado, eso incita a la audiencia a desconectar también de lo que le pase a él y al resto de personajes. Las escenas de acción son más grandes pero, a excepción del prólogo en México y de la muy correcta pelea en el tren a lo Desde Rusia con amor, resultan mucho peores que las tres anteriores (esa persecución tan hypeada en Roma es tal vez la peor escena de ¿acción? de los últimos años). El guión se nutre exclusivamente de las tramas de las tres anteriores -en lugar de crearse una propia-, pero sólo para fastidiarlas en su burdo y malamente explicado intento de conectarlas. La presentación de la trama en México es vibrante, sólo para deshincharse pasados unos pasteleros títulos de crédito (otro gran bajón con respecto al tema de Adele, mi preferido de la era Craig y uno de los mejores de la saga). La presentación del villano y su organización -muy a lo Illuminati- es magistral y muy oscura, casi satánica. Nos promete un peliculón histórico en la franquicia. Y a cambio nos la vuelven a clavar haciendo desaparecer ese temor y ese sentimiento de amenaza, a la par que ridiculizando al villano tratando de conectarlo con Bond para hacer su enemistad más personal, pero sólo consigue que la platea nos llevemos las manos a la cabeza. Y cuando parecía que el guión no nos podía apuñalar más salvajemente, su tercer acto no sólo es criminalmente predecible sino aburrido. Digno de una película de sobremesa de Antena 3, pero con las dos bandas negras del formato panorámico. Quienes se quejaban de los actos de cierre de Royale o Skyfall (los cuales a mí me encantaron ambos), que se preparen para éste entonces.

Aunque es lo que parece tras leer todo lo que he escrito, no es la peor película de la saga al completo ni tampoco una película que no se puede ni ver. Lo que pasa es que Spectre es la película Bond más frustrante en muchísimo tiempo, tras toda la expectativa y el buen trabajo que tenía ya hecho a las espaldas. Soy seguidor de la saga y amante de la interpretación de Craig pero esto no se puede defender, fundamentalmente porque no se deja defender. Un prólogo, una presentación de villanos y una interpretación central no son suficientes para salvar una película de casi dos horas y media que se sienten como tres y tres cuartos. Con estos mimbres, más vale que Craig se despida con una entrega final potente. Una que no dependa en exceso del pasado y que de un paso adelante como Skyfall o Royale hicieron. Si bien Spectre deja fácil el que la superen, no me conformaré con que la siguiente sea entretenida y ya. Bond 25 debe ser buena: Craig y los espectadores nos lo merecemos.

Da gusto ver cómo una notable trilogía llega a su fin en su punto más álgido en todos los niveles: guión, efectos visuales (increíblemente realistas) e historia (la más profunda y compleja de la trilogía). Y aunque no le guste a todo el mundo, La guerra del planeta de los simios es una película reflexiva y personal que se atreve a navegar sobre arenas movedizas (héroe convertido en antihéroe vengador, villano con matices humanos, miradas y silencios que hablan más alto que diálogos pomposos) en lugar de sacar la batería de explosiones espectaculares durante dos horas y diez minutos.

Nunca esperé una guerra épica, tampoco la necesitaba. Pero la película aún así toma ventaja y sí nos muestra una guerra interna entre el bien y el mal, enseñándonos hasta dónde los protagonistas están dispuestos a llegar tras todo lo vivido y lo que quedaría por vivir.

El argumento mete sorpresas desde el inicio, es oscura y hasta depresiva pero no ahoga sino que maravilla, mantiene en tensión, profundiza en los personajes de forma que sólo blockbusters atrevidos de estos tiempos se atreven y tiene la valentía de acabar de verdad sin traicionar al espectador. Es la mejor tercera parte de los últimos años y una gran conclusión a una estupenda trilogía que queda ya para la posteridad. Sino, al tiempo.

El Caballero Oscuro es y seguirá siendo una de las mejores películas de los últimos tiempos, pero eso no impide que sea un único referente eterno si alguna película futura tenga los bemoles de estar a su altura y continuar en cierto modo lo que representa (reinventar el género, añadir novedades o giros de otros géneros que puedan encajar, atraer a audiencia adulta y preocupada por la realidad, respetar a sus raíces, etc.). Y por ello, para mí, va a haber dos referentes a partir de ahora -aunque hayan tenido que pasar 9 años para encontrarlo-. Logan es la mejor película de superhéroes -y la más realista y valiente- desde la mencionada en el enunciado inicial y una de las mejores películas comerciales -con vena muy personal e independiente- que la maquinaria de blockbusters ha entregado en los últimos años. Puede que la nostalgia pueda, pero todas las películas sobre los X-Men realizadas quedan muy empequeñecidas si se las compara con la madurez artística y argumental de este último Lobezno/Wolverine.

Como pasara con aquel Batman de Nolan, te guste o no el cine de superhéroes, esta es una perfecta cinta que no deberías perderte. Cierra inmejorablemente toda una era de 17 años sin descuidar su propio argumento -y con guiños respetuosos muy bien medidos a los cómics e historias gráficas sobre las que toma inspiración-, arriesga desde el primer fotograma (y gana), Hugh Jackman nunca ha estado mejor (sin olvidar al resto de un gran reparto, aún destacando a Patrick Stewart, Dafne Keen y Boyd Holbrook como mis preferidos) y te mantiene en alerta hasta en los momentos más tranquilos.

Nada sobra aquí, ni nada le falta. Es entretenimiento por encima de todo y su guión es de cómic aún asentado en la realidad pura y dura, pero será su vocación de western crepuscular cruzado con road movie, o tal vez la sobriedad de todo el equipo involucrado en ella, o quizás por culpa de dar con creces lo que promete y punto (aún a sabiendas de que no dejará ningún ojo seco) por lo que esta Logan es perfecta para mí. Es cine de superhéroes que se siente tan rompedor y novedoso como aquel murciélago del 2008, así como un cine de calidad puro y duro traído a los nuevos tiempos, sin abusar de efectos especiales y con respeto al espectador. Esté la gente a favor o en contra, esto es lo que tengo que decir con orgullo sobre Logan.

Prometheus se me hacía muy larga en su primera mitad (en adición a sus agujeros de guión e interpretativos) aunque luego se redimía en parte con una correcta recta final. Covenant invierte las tornas imprimiendo una correcta primera mitad (que culmina en la potente escena de la enfermería, de las mejores atmósferas opresivas en cine que he visto este año) que se va a paseo por culpa de una larga y predecible segunda mitad hasta decir basta. Total, que Ridley Scott sigue bajando y siguiendo.

El buscar respuestas a todo el misticismo de la saga sólo está provocando el cargarse ese mito por culpa de estupideces de serie W (de Weyland -ironía-) y guiones más dignos de Viernes 13 sin efectismo. Los androides siguen siendo lo mejor de esta serie de precuelas a la original (Fassbender mola, en eso hay consenso), pero tanto que el libreto cuida a las máquinas que a los humanos nos utilizan como paupérrima carnaza sin cariño ni personalidad, creados para tomar malas decisiones que ya ni cuelan aunque te tragues la incredulidad. No hay la pasión que debería hallarse en este tipo de blockbusters que se pretenden serios. Incluso el Alien ya aburre en su mayor parte. Y mejor no decir nada del tercer acto (desde la pelea de androides en adelante): premio especial al giro más esperado y con menos gracia de la historia del cine reciente. La siguiente lo va a tener difícil.

Pero lo mejor -y lo que más daño me hace por momentos- es que el talento de terceros invertido aquí es lo que la salva en buena parte (y lo que me hace pensar en el peliculón de entretenimiento que podría haber salido de aquí en las manos adecuadas). El pulso de Scott para la tensión sigue ahí, la banda sonora contribuye a la atmósfera de forma sobresaliente, a Fassbender ya le he mencionado y la escena cumbre de la cinta merece su hueco entre las mejores de la saga al completo. Eso hace que sea regular y visible -aunque sea para más risas que gritos-, en lugar de mala e imperdonable. Pudo haber sido un poco más peor, pero yo (y creo que no soy el único) buscaba algo infinitamente mejor.

No sólo funciona por sí sola, sin necesidad excesiva de haber visto la primera. No sólo es el doble de buena y muchísimo mejor que aquella. John Wick: Pacto de sangre es un estupendo festín de acción en todos los sentidos, desde su historia hasta la ensalada de tiros y cortes sangrantes.

Keanu Reeves es John Wick. Lo ha conseguido: se ha desecho de la malograda sombra de Neo (culpa de las infames secuelas). Y aún estando ya madurito en edad, se mueve como nadie y pelea de forma excelente (en las escenas de acción, es él al 100%). Él solo gana muchos puntos para la cinta (como pasara en la primera).
Pero la historia es sorprendente, esa sí que no la esperaba. Es mucho mejor y más compleja de lo que cabría esperar, contada a un ritmo endiablado, cerrada con un final impresionante evocando notablemente a... (*mención a la referencia en la zona spoilers, pues seguro muchas personas sino todas la han visto). La banda sonora tampoco se queda atrás, la edición y el montaje son de diez, así como las secuencias de acción contienen las mejores coreografías del cine de acción reciente.

Es un espectáculo de calidad digno, lleno de ingenio, con más de un giro sorprendente y completo por sí mismo (repito, no la encasilléis como secuela dependiente porque no lo es tanto). Si sois amantes de la acción, la pondréis en un pedestal. Y si no lo sois, puede que hasta os enganchéis después de verla y todo. John Wick: Pacto de sangre no es lo que se espera de ella, es mejor y más que eso.