En esta película Béla Tarr analiza el fracaso de las granjas colectivas desde el punto de vista de su inviabilidad social y humana, no tanto desde una perspectiva político-institucional o de teoría política. Es interesante el uso reiterado que hace el director de grandes planos generales, a través de los cuales nos sumerge en un contexto que quiere que palpemos, invitándonos así a un viaje a la Hungría comunista.

Hay dos características que hacen que esta película sea, cuanto menos, llamativa:

Por un lado, el análisis de los personajes se lleva a cabo a través de los aspectos más cotidianos y mundanos, algo original con respecto a lo que habitualmente se viene haciendo, considerando lo mundano como un aspecto que puede (o incluso debe) obviarse. Béla Tarr transmite a través de lo banal, convirtiéndolo entonces en capital, pues sólo a través de lo aparentemente banal se puede llegar a comprender el contexto que lo explica: Lo específico hace lo general.
Por otro lado, con esta película el director húngaro rompe con las pautas establecidas en relación a las formas, rompe con los cánones de duración y ritmo del cine convencional, rompe con un modelo de cine demasiado establecido cuando no directamente impuesto.

Por ello, valoro también la película en términos de obra artística por encima de todo, sin supeditarse a lo que el denominado "público general" demande o rechace. Lo que Béla Tarr transmite no podría hacerlo en un formato convencional de 2 horas.

Cada escena de la película es una pincelada imprescindible para entender todo el cuadro.

No es tanto que me parezca muy mala sino que no la entiendo. Lo cierto es que no deja indiferente. Lo que en un principio me estaba pareciendo una propuesta potencialmente interesante fue convirtiéndose en un desconcierto absoluto. Las notas interesantes que tiene la película y sus formas vanguardistas prometían una propuesta de cierto interés... No fue así.

El resultado de esta película es el de un ensayo incomprensible, un puzzle de ideas y opiniones en el aire: Elitismo intelectualoide de tono izquierdoso propia de autocomplacientes vanguardistas gafapastas de salón que tras embriagarse de altanero regocijo con esta película se van a ver alguna augusta e inalcanzable obra en alguna sala del museo de arte contemporáneo, deteniéndose a reflexionar sobre el sentido abstracto de un trozo de plástico en el espacio-tiempo... En fin, iba a entrar a analizar algunas escenas de la película que me parecieron interesantes, pero el mar de incomprensión es mucho mayor que los islotes rescatables. Francamente dudo mucho de que vaya a reconciliarme con esta película, si es que acabo comprendiéndola...

Venga, nada más.

Había visto varias veces esta película y no había logrado nunca comprenderla – resultándome estéticamente sensual y elegante pero difícil y pesada -, pero tras verla de nuevo por fin creo que pude captar su significado como una importante obra de, al menos, la cultura italiana. Luchino Visconti, aristócrata milanés de gran cultura y vinculado al Partido Comunista, en esta adaptación de la novela de Lampedusa, nos acerca al Risorgimento desde el punto de vista de una familia aristócrata del sur (como icono de la oposición a la unidad italiana) pero de la mano de unos personajes que a menudo no se ajustan al papel que a priori se supone que deberían jugar. Visconti nos propone un juego durante el cual uno de los jugadores – el que va a perder – entiende y asume su destino como un requisito para poder jugar a otro juego con otras reglas, aunque en el mismo tablero.
- Todo debe cambiar para que nada cambie: Las clases sociales se sustituyen las unas a las otras, turnándose (relevo histórico de las clases sociales), partiendo de la idea de que la sociedad en su conjunto aspira a la estabilidad que caracteriza a la clase media como punto de equilibrio en la dinámica de lucha de clases. Entiendo que esta es la interpretación que hace Visconti del materialismo histórico marxista heredero de la dialéctica hegeliana. Existe una relación de reciprocidad cíclica entre las condiciones que provocan cambios en la sociedad y la configuración de nuevos modelos sociales a partir de los cuales van a nacer las condiciones necesarias (contradicciones) para producir nuevos cambios que sirvan de base para nuevos modelos, y así sucesivamente.
- La Iglesia como institución está destinada a ser eterna y por tanto va a estar dispuesta siempre a enfrentarse a cualquier grupo social que se interponga en su objetivo de dominio y control social. En este sentido, el rol socio-político y económico de la Iglesia como institución dominante viene siendo disputado por el industrialismo, conducido por las nuevas clases pudientes de naturaleza capitalista, desde mediados del siglo XIX pero de modo más claro desde la consolidación del capitalismo como modelo generalizado de producción y la imposición social de la moral capitalista desde mediados del siglo XX.
- La dinámica de confrontación que alimenta las relaciones entre norte y sur desde la unificación italiana (1861) - causada por el modo en que se impuso tal unidad (mediante la guerra) y los distintos factores que conformaban la naturaleza social, política, cultural y económica del norte y el sur de la península itálica – supuso un lastre que estuvo y está presente todavía en ellas. Nacida fundamentalmente desde el norte de Italia, los principios que guiaban el espíritu nacionalista italiano eran liberales y centralistas, mientras que en el sur la cultura política era de súbdito y tradicionalista. Esta dinámica de confrontación entre dos mundos tan distintos es principalmente lo que explica la existencia de la mafia como modelo de resistencia frente a la imposición del modelo centralista (recordemos que el fascismo perseguía a la mafia como fenómeno que se oponía a su poder). Hoy día existe una situación compleja en la que, por un lado, las organizaciones mafiosas (herederas de aquellas guerrillas de oposición frente a la unificación de signo liberal) imponen un modelo de cultura política y, por otro lado, cierto capitalismo industrial simbolizado por el eje Turín-Milán adopta una actitud hipócrita en la cual apela a la lucha antimafia pero simultáneamente se sirve de los servicios que le ofrecen las organizaciones mafiosas.
- El príncipe de Salina, acompañado de su familia, se refugia de los cambios que se están produciendo no sólo asumiendo que no suponen más que la condición necesaria para retomar su apacible existencia aristocrática ya anticuada (reflejando con ello un punto de vista conservador de defensa del status social de clase), sino negando el propio cambio. Aunque todo parece cambiar, en realidad nada cambia porque se asume que no ocurre nada.

Vi la versión de 4 horas y realmente considero que si hubiese salido adelante la versión original de ocho horas que Von Stroheim tenía pensado hacer el largometraje (nunca mejor dicho) se convertiría en una epopeya difícilmente digerible.
Supongo que la alternancia de videos, fotogramas y cuadros se debe al recorte que tuvo que asumir el director y esta característica le da quizás un plus indeseado de originalidad (en la medida en que se trata de una reconstrucción de parte de la idea original, hay una versión acortada de 2 horas que no vi). El aspecto técnico de la película parece ser sobresaliente aunque yo no tengo conocimientos suficientes en la materia como para atreverme a emitir juicio alguno acerca de la producción.
El hilo argumental está llevado de forma sobresaliente, pues siendo un tema tan vasto – la avaricia -, Von Stroheim consigue plasmar en cada escena todo cuanto puede sugerir dicha temática. La división en dos actos es muy buena idea y el tratamiento de la complejidad de los personajes es de gran calidad, pues el director consigue acercarlos de tal modo que al visualizar la película alcanzamos una comprensión del significado de la obra que quizás con un tratamiento más frío y distante no alcanzaríamos a realizar.
Se trata de una obra que aborda un tema clásico y que es mucho más clara de lo que a priori pudiese aparentar. Un canto al humanismo frente al materialismo, un canto a la cordura frente a la locura egoísta.

Antes de nada, quisiera recalcar lo adecuado del título: También la lluvia puede ser susceptible de privatización y conversión en producto para la generación de capital monetario, de beneficio capitalista. Al agua de lluvia, siendo un bien indispensable para la supervivencia y público como fenómeno natural cuyo coste marginal por su uso agregado es mínimo – dependiendo claro está del ecosistema de que se trate -, quieren convertirla desde la empresa privada y con la complicidad del Gobierno en mercancía, cuyos beneficios van dirigidos al sector privado y a los poderes políticos cómplices de tal acción. La Guerra de Cochabamba estalla en 2000 por la lucha contra este proceso y la salvaguarda del agua de lluvia como bien público.
Las dos historias principales del argumento dan al largometraje una amplitud de miras y otorga a la directora un instrumento para el análisis histórico del colonialismo, a saber, el rodaje de una película sobre el descubrimiento de América y la figura de Fray Bartolomé de las Casas que se ve alterado por las revueltas populares. El modo en que Icíar Bollaín lleva a cabo su reflexión es claro, directo, sincero y militante. No se limita a describir los acontecimientos sino que se compromete en su posicionamiento.
Trata de forma digna y justa la temática, realizando un llamamiento a la conciencia social y a un compromiso alejado de paternalismos cómplices y falsa inocencia bienpensante.

Ante las valoraciones y críticas que se realizaron de esta película, no puedo sino sorprenderme. Así pues, mi decepción fue mayúscula ante un largometraje que prometía ser cuanto menos interesante pero que a medida que avanzaba se iba transformando en un cúmulo de historias poco profundas, bastante inconsistentes y, en definitiva, un desarrollo argumental que se iba fundiendo como el chocolate entre manos.
El principal problema de este largometraje no reside tanto en lo que quisiese contarnos el señor Cimino, que también, sino en cómo nos lo cuenta. Sinceramente no entiendo cómo pudo realizar esas interminables tres horas de rodaje y menos cómo puede gozar de tal crítica, como si estuviésemos ante una profunda y augusta obra de arte.
Para mí es una tomadura de pelo (sintiéndolo por Robert De Niro).

Creo que para la correcta valoración de esta película es necesario enfocarla desde el adecuado punto de vista y tener un mínimo conocimiento de los actores que conforman el reparto, pues sin ese conocimiento la película pierde mucho en mi opinión. Entiendo y respeto ciertas valoraciones o críticas que se hacen de esta película, pues yo seguramente coincidiría con ellas si ignorase quiénes son los actores y lo que representan. Para mí esta película es ante todo una comedia, pues el argumento principal de la película, que es verosímil pero claramente tendente a un embrollo casi exagerado, está desarrollado en clave de humor durante todo el largometraje.
En este sentido, la presencia de Saïd – muy dado al rol de graciosillo inoportuno pero en el fondo entrañable, que en esta película lleva de modo notable – así como la presencia de dos famosos cantantes en la cultura francesa como son Johnny Hallyday y Renaud le dan a la película una frescura cómica que sin su presencia no tendría, pasando a ser una mediocre película de atracos, crimen y mafia.

El hecho de que esta obra sea audiovisual le otorga una mayor capacidad de impacto en la denuncia que realiza, pues el receptor se ve no solo confrontado a la obra y afectado por ella sino también forzado en cierta medida a participar de ella.

Hay tal cantidad de elementos que podemos encontrar en ella que difícilmente puede uno realizar un análisis de cada uno de ellos sin verse obligado a ser exhaustivo. Pese a ello, voy a tratar de sintetizar algunas de las ideas entorno a las cuales uno se ve obligado a reflexionar, salvo que se haya perdido toda noción de sensibilidad.

a) Siendo el contexto el que es, me parece muy acertado el punto de vista bajo el que se tratan los temas del largometraje: un realismo que no necesita más que su propia fuerza para transmitir todo aquello que se quiera.
b) Se lleva a cabo una denuncia múltiple (se tocan multitud de temas), multidireccional (la denuncia no va dirigida hacia un solo actor socio-político) y a distintos niveles (desde lo más concreto o cotidiano a lo más general, se lleva a cabo una denuncia tanto a nivel micro como a nivel macro).
c) Es interesante el análisis que se hace de unos chavales que se ven enfrentados a la alternativa entre afrontar la realidad que les toca vivir incluso luchando por no perder toda esperanza o renunciar a todo.
d) Otro elemento importante es la trascendencia de esta obra, no limitándose a denunciar el propio contexto en el que se desarrolla sino planteando el conflicto con una perspectiva amplia: en cierto modo es descriptiva del concepto mismo de conflicto social, independientemente de la existencia de límites espacio-temporales.
e) Por otro lado, tanto desde el punto de vista de los personajes como desde el punto de vista del ambiente general que refleja creo que se trata de una producción cuanto menos aceptable.

Además, considero relevante tener presente el hecho de que sea una producción iraní, cuando Irán vino a constituirse en el año 1979 como una República Islámica, con todo lo que conlleva su naturaleza teocrática. Quizás esta obra trate de hacer reflexionar también sobre ciertos aspectos de la cultura política islámica.

Es sin duda una gran obra de arte en su sinceridad.

Este largometraje tiene una serie de características que lo hacen curioso en un principio e interesante posteriormente y, en todo caso, llamativo; en este sentido, para quienes entiendan francés, resulta interesante el análisis que realiza Diane Arnaud que es especialista en la obra de Alexander Sokurov en la Universidad Paris 7 de la Sorbona en un video que pueden ver en Youtube, quizás más útil tras ver la película. Por un lado, hay que recalcar el aspecto técnico – características del rodaje que Pablo Kurt ya señala en su crítica -, por otro lado el aspecto estético de dicho largometraje y por último el aspecto simbólico (podría hablarse también de los aspectos artístico e histórico).
Bajo mi punto de vista, este largometraje es un juego en el que el director nos invita a reflexionar acerca de la visión que va tomándose acerca de los acontecimientos históricos a través del eje espacio-temporal. El valor universal del arte se ve reflejado mediante el uso del museo Hermitage de San Petersburgo. Quizás a modo de metáfora, nos presenta una atmósfera cerrada, recogida e introspectiva frente a un mundo exterior frío representado por la nieve y el mar báltico que baña una ciudad rusa que mira a la Europa occidental con orgullo, admiración y recelo a la vez. El hecho de la visita al Palacio de Invierno de un representante de la diplomacia francesa del siglo XVIII sirve como instrumento para repasar los últimos 300 años de Historia en relación a Rusia desde una doble perspectiva, la de dicho diplomático francés por un lado y la del narrador por otro, la del pasado y la del presente.
Por otra parte, el largometraje tiene multitud de contenidos y matices estéticos que se plasman en los escenarios usados, el vestuario, la música, el análisis del arte pictórico – pues creo que va más allá del análisis casuístico de los cuadros – o los contrastes de luz entre las distintas salas que no son fortuitos, empleando siempre como telón de fondo un interesante juego temporal mediante el cual el director juega sutilmente con el espectador.
Una obra quizás difícil de asimilar en un primer momento pero definitivamente notable y original.