A través de varias historias entrecruzadas, vemos diferentes generaciones de chinos luchar por encontrar su lugar en un barrio pobre y conflictivo de las afueras, con todo lo que ello implica.
Una vez reconocido su justo valor documental, el análisis cinematográfico es más bien pobre. El hecho de querer contar tantas historias dificulta profundizar en ellas y predomina la descripción sobre el conflicto, el cual no alcanza a levantar el vuelo.
Al contrario que otras películas realistas, Chinas no consigue llegar a emocionar. Hay mucho dolor sin catarsis. Mucha tragedia servida en crudo, sólamente aderezada con alguna escena de bella fantasía y la gracia e inocencia de las niñas.
Concuerdo con una critica que subraya “un exceso de naturalismo que paradojicamente resulta artificioso”.
Recuerdo Gran Torino o Los Lunes al sol. Se puede hacer cine de denuncia social de otra forma. Para dolor y lágrimas ya está el telediario.
Con todo, película valiente que pelea por dar a conocer una realidad cercana y, sin embargo, tan lejana.

Película histórica muy subestimado, casi desapercibida, castigada quizá por el fenómeno Braveheart, la película de Mel Gibson que se rodó simultáneamente y consiguió un enorme éxito de taquilla.

Rob Roy es un film completísimo, con muchas sorpresas, un guion trepidante, aventura, romance, historia y, sobre todo, épica. Hay suspense desde el principio y la acción no se detiene hasta un final de infarto donde todo está en juego. Los bellos paisajes de las tierras altas, la banda sonora y un vestuario de primera terminan de redondear una película imprescindible.

Pocas veces se ve en la gran pantalla un contraste tan descomunal entre héroe y antiheroe. Los personajes de Liam Neeson y Tim Roth son puros contrarios. El primero representa la valentía, la integridad y la gallardía. El segundo todo lo opuesto. Y lo hacen de una forma tan creíble que conmueve al espectador desde el minuto uno.

Al contrario que Braveheart, donde Mel Gibson se tomó muchas licencias artísticas, Rob Roy es muy fiel a la historia y está muy bien considerada en Escocia.

Rob Roy, épica e historia en estado puro.

Grata sorpresa del cine español, con acción feroz y doble ración de denuncia, que te hace sentir como un testigo directo de los hechos, exactamente como un videojuego de realidad virtual donde estás en medio del fuego cruzado.

Excelente la selección de actores, especialmente la protagonista, con un personaje complejo lleno de contradicciones y expuesta a toma de decisiones bajo máxima presión que pondrán a prueba su sistema de valores.

Guión interesante que no deja títere con cabeza, aunque ya se sabe que cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia…O eso dice en los créditos. Corrupción, mafias y mucha violencia descarnada al estilo Tarantino. Seguro que si fuese una película de Hollywood estaría en los primeros rankings.

Gran parte del ritmo de infarto es “culpa” de la fotografía que, gracias a la cámara pegada a quemarropa, hace sentir al espectador en la piel de la protagonista.
Una película realista con máxima sensación de realidad.

Desde el punto de vista cinematográfico, la historia de Joy Mangano es digna de película biográfica: una mujer luchadora que se se subrepuso a toda clase de dificultades. Las actuaciones, la banda sonora y la dirección están a gran altura, combinando comedia surrealista y tragedia con habilidad. El suspense se mantiene alto y resulta conmovedora en algún momento.

Desafortunadamente, Joy es un inmenso alegato del capitalismo voraz que resulta muy irritante: la vieja historia de héroe hecho a sí mismo que vence toda clase de adversidades y alcanza dinero, fama y poder, aquello que todos debemos anhelar. Éste es el subtexto, el mensaje oculto de Joy.

Joy es una historia inclusiva, de acuerdo, una película que se sube al carro de lo políticamente correcto, la tendencia del cine norteamericano hoy en día, con colectivos tradicionalmente secundarios convertidos ahora en protagonistas. Hablo especialmente de mujeres, afroamericanos y latinos que ahora toman el relevo del hombre wasp: white anglo saxon protestant.

No obstante, detrás de una bonita historia de superación y empoderamiento vemos el trasfondo podrido de tantas otras películas, la ecuación de siempre: cuanto mas dinero más felicidad.

Película que mezcla bastante bien realidad y ficción, dos mundos dispares que se retroalimentan y cobran sentido a través del joven protagonista. Una bella historia llena de imaginación y con una animación fascinante que resalta por bellos dibujos de acuarela y tinta corrida.

Al contrario que películas como La historia interminable o Laberinto, en esta historia la realidad y la fantasía van de la mano. Ninguna absorbe la otra. Y además de una forma creíble, gracias en gran medida al soberbio trabajo del actor principal. Sin su naturalidad y madurez el film quedaría cojo.

La historia, por su parte, ofrece drama y magia a partes iguales. Es, al mismo tiempo, dura y esperanzadora, impecable y soñadora, áspera como la vida misma y colorida como un cuento de princesas y dragones.

Por desgracia, la película no llega a emocionar como me esperaba. El guión no está a la altura del derroche técnico y el sabor final es de melodrama.

Adolescentes de una rígida escuela de élite masculina eligen rebelarse a través de la poesía. No forman una banda de rock, ni abusan de las drogas, ni delinquen: nada de lo que suelen hacer los adolescentes post segunda Guerra mundial para gritar contra el sistema y liberar hormonas. En este caso, la poesía es su arma de sublevación.

El responsable de un punto de partida tan original como inverosímil es Robin Williams, quizá el único hombre sobre la faz de la Tierra capaz de interpretar cualquier personaje, sin importar sexo, raza o religión. Un actor camaleónico que nos regala uno de sus mejores papeles y salva esta película del absurdo.

El señor Keating, el profesor que interpreta el bueno de Robin, brilla desde el principio y es el faro que guía la película hacía sus mejores momentos. El resto es secundario, accesorio, hasta innecesario. En mi opinión, la película no sería un clásico de los noventa sin sus brillantes escenas y emblemáticos diálogos.

Carpe diem. Aprovechemos el día y disfrutemos el buen cine.

Película que comienza con aires de telefilm y pronto demuestra que no lo es. Una historia que se abre paso con elegancia, suspense, humor, emoción y, lo mejor de todo, lejos del melodrama.

Qué fácil hubiera sido buscar la lagrima fácil cuando hay tetrapléjico que da pena a los demás y a sí mismo. Un recurso tentador que, por suerte, no se utiliza. Bien al contrario, la película expone la discapacidad de forma realista y honesta y, en mi opinión, debería haber obtenido una mejor acogida de la crítica.

Las primeras escenas hacen adivinar el rumbo que tomará la película. Por suerte, nada se precipita y todo toma el tiempo que requiere, tanto las escenas dolorosas, las alegres o las más tiernas.
Antes de ti logra crear una historia verosímil a partir de un punto de partida bastante inverosímil. La química del dúo protagonista, especialmente la energía de Emilia Clarke, hace que lo excepcional parezca natural y el espectador acabe entregado y ansioso por conocer el desenlace.

En fin, un buen drama romántico que nos acerca a una realidad para muchos distante y nos recuerda la relatividad de nuestros problemas cotidianos.

Película divertida que sabe explotar el lado cómico de situaciones familiares dolorosas, las cuales se muestran siempre a través del humor y la ternura. Una comedia ligera para todos los públicos que huye del melodrama y se beneficia, además, de un metraje justo.

La vida padre aprovecha la fórmula conocida de Ocho apellidos vascos o la serie Vaya semanita. Gags sobre la idiosincrasia de los vascos. Y quién mejor que Karra Errejalde para representarlos. En comedia, los estereotipos funcionan.

El dúo protagonista funciona muy bien, con un Karra insuperable en su papel y un Enric Auquer que sabe trasmitir la complejidad de un personaje que, de una forma convincente, evoluciona con la historia. El resto de protagonistas cumple sin pasarse.

La película mantiene la chispa cómica y alegre hasta el final. Si no ríes, al menos sonríes. Y si eres nostálgico de los 90 o aficionado a la cocina, aún te gustará un poco más.

Exhibición de creatividad, ingenio, talento y brillante animación en una obra que encabeza los rankings de un género que parece monopolizado por Disney y Pixar.

El viaje de Chihiro nos presenta un universo paralelo desbordante, impecable y maravilloso, un sueño hecho realidad donde las sorpresas y los giros narrativos se suceden sin cesar. Película compleja, con multitud de mensajes por descifrar, un ejercicio sublime de creatividad que sabe mantener la coherencia y la verosimilitud hasta el final.

En este “viaje", la fantasía se escribe en letras de oro. En el plano visual, tanto el escenario como los personajes son de una imaginación inusitada, haciendo las delicias de los amantes del retrofuturismo y el steam punk. En el plano dramático, la fantasía del estudio Ghibli no dejará a nadie indiferente: las leyes propias de este mundo paralelo mágico y el ritmo desenfrenado merecen poco menos que una reverencia.

Al igual que otras películas del género, el mensaje principal es la importancia de valores positivos como la amistad, la valentía y la honestidad. EL trasfondo es la clásica confrontación del Bien contra el Mal pero, a diferencia de otras películas, algunos personajes tienen una posición moral ambigua que los hace más interesantes.

Algo que también hace tan especial esta película es su faceta crítica en aspectos comunes y no tan comunes. Entre los comunes, la película se ensaña especialmente con la avaricia, la gula y la soberbia. Entre los aspectos menos comunes, El viaje de Chihiro es una llamada de alerta acerca de nuestra relación con la naturaleza, la cual posee recursos limitados y su abuso trae consecuencias desastrosas.

Obra asombrosa, genial, inquietante y poliédrica que demuestra que la animación japonesa es increíblemente variada y, además del anime, tiene increíbles joyas de imaginación y sensibilidad.

Ojalá haya una segunda parte!

Película total que atrapa de principio por su complejidad y el talento derrochado en cada escena. Contiene varios géneros y todos en perfecto equilibrio: musical, comedia, drama, suspense, romance y película histórica. Una golosina del buen cine.

Cabaret fue una extraña alineación de estrellas donde todos los artistas hacen quizá el papel de sus vidas. Liza Minelli y Joel Grey, sin duda. El romance que ambos tienen con la cámara es pura dinamita, es magistral, unas interpretaciones que hoy en día son icónicas.

¡La película arranca a lomos de brillantes números musicales y no baja el ritmo hasta que aparecen los créditos! El guión, la fotografía, el montaje…todo está de primera. Se grabó en 1972 y mantiene la misma vitalidad, prueba de que es una obra maestra.

Algo increíble de Cabaret es su habilidad para mostrar las luces y sombras del ser humano, tanto individualmente como en sociedad. Cabaret es un canto al amor, la tolerancia y la libertad expresado en sus romances, sus escarceos, el placer, el humor, la diversidad sexual o la creación artística. Todos estos aspectos se muestran brutalmente enfrentados con sus contrarios: la intolerancia, el odio, la sumisión o la violencia.

Contrastes sobrecogedores mostrados sin trampas ni melodrama. Realista y honestamente. En fin, una película genial, poliédrica y de enormes contrastes.

¡Qué alegría dan este tipo de películas! Los personajes están llenos de vitalidad y alegría de vivir, sin reparar en lo que piensan los demás, sin miedo a ser juzgados, dejando volar su imaginacion, siendo compasivos y poniendo humor a su alrededor. Una de esas peliculas etiquetadas, con razón, como “feel good movies”.
Vive como quieras es una comedia bastante alocada con un bonito mensaje que engancha y mantiene el brío hasta el final. Hay abundantes escenas estrambóticas (estilo familia Adams) y también muchas entrañables, con mucha carga emocional.
En mi opinión, la película es un canto a la virtud humana sin llegar a ser moralizante, es loca sin perder la compostura y es romántica sin ser ñoña.
Una historia escrita y filmada con el corazón que recoge la alegría de los felices años 20. El mismo director, por cierto, de Qué bello es vivir. ¡Un especialista del género!

Una secuela con una críticas tan malas que me daba miedo ver. La primera me gustó mucho, así que me animé y no me defraudó tanto. Ok, no es tan graciosa ni emotiva, pero se deja ver y conserva bastante bien el espíritu de comedia romántica y sátira política.
Los personajes que repiten están igual de espléndidos y es la magia que generan la que mantiene la historia a flote. Son cuatro actores que bien podrían hacer una miniserie juntos porque son auténticos, divertidos y la cámara les adora.
El resto de actores no está a la altura, especialmente Berto, cuyo personaje no tiene ni pizca de gracia. Es un Frankestein hecho de mil pedazos (hipster, mojigato, ingenuo, narcicísta...) que no funciona por mucho empeño que le pone. Por desgracia, su personaje es tan inverosímil que resta puntos a la película cada vez que aparece.
En cuanto a la sátira, Ocho apellidos catalanes es un sano ejercicio de hacer reir con la diferencias culturales entre españoles. Todo lo contrario que los políticos en general, que sólo nos hacen llorar.
¿Para cuándo Ocho apellidos gallegos?

Película diseñada para el exclusivo gozo y lucimiento de la actriz protagonista, que monopoliza toda la atención de la cámara con primeros planos, planos detalle, planos desnuda, múltiples looks y un vestido diferente por escena. No hay suspense, ni emoción, ni diálogos dignos de aplauso, sólo ella de principio a fin, lo cual juega en su contra: no es mala actriz, pero con un mejor guión hubiese lucido mucho más.

El film se esfuerza en ser una obra lírica, bella y sensible, con mucho foco en las emociones, mucha atención en los gestos, un cuidado vestuario y un aspecto onírico. Desgraciadamente la historia es insulsa, el drama descafeinado y los personajes no tienen alma.

Además de enaltecer la actriz principal, el guión es descaradamente políticamente correcto, como si hiciera falta convencer alguien que las mujeres y los negros pueden salir adelante a pesar de la discriminación histórica! Alguien lo dudaba? De hecho, se podría argumentar que películas así hacen un flaco favor a las mujeres, pues sólo las más bellas son capaces de luchar y ser resilientes.

Un drama romántico debe hacer honor a su nombre y aquí ni hay drama ni romanticismo. El film naufraga en la banalidad y ofrece un final (pretendidamente) sublime.

Sólo recomendable para fans de Odessa Young.

Entretenida película de cine familiar ambientada en el submundo del ajedrez y basada en la biografía de un niño prodigio (Joshua Waitzkin) y la de un enigmático campeón (Bobby Fisher). Los entendidos de ajedrez seguramente aplaudan unas cosas y renieguen de otras. Dramáticamente la película funciona bien, manejando buenas interpretaciones y dosificando efectivamente emotividad y comedia. Grabada a inicios de los 90, a día de hoy el film se mantiene bastante bien.

Buscando a Bobby Fisher se sostiene en un guión al estilo Rocky Balboa, donde la joven promesa se dejará el cuero para llegar a lo más alto, superando por el camino varias dificultades. El guión, asimismo, se beneficia del buen hacer de los tres mentores de Josh: el padre, el maestro y el amigo del parque. Ellos tres mantienen la tensión del guión de principio a fin, sobresaliendo quizá un Ben Kingsley reencarnado en tierno Gran Maestro cascarrabias.

A pesar del carácter maniqueo (ver spoiler) el film resulta muy recomendable para todos los públicos por ser tan entretenido y ensalzar valores positivos como el esfuerzo, la perseverancia, la paciencia y el compañerismo.

El poder del perro no es un western al uso. Es un drama áspero con un gran peso psicológico que ahonda en aspectos dolorosos como la misoginia, la homofobia o el acoso moral.
Con un tempo lento, la cámara persigue retratar lo que sucede por dentro de los personajes. Se toma el tiempo de examinarlo y desnudar la rabia, el dolor o la soledad que sienten. De hecho, ya desde el primer momento la película avisa que habrá pocas concesiones a las emociones positivas.
La presencia de personajes varones es aplastante, así como el machismo dominante, que poco a poco van mostrando sus inmensas contradicciones. De esta forma, El poder del perro se interpreta también como una denuncia a comportamientos demasiado vigentes.
Muy buen trabajo de los actores, que entienden la complejidad de sus personajes, lejos de los clichés del western, y aportan intensidad y suspense hasta un final que es sorprendente y coherente a la vez.
Film oscuro y absorbente. Recomendable.

Tragicomedia de excelente factura sobre el ámbito laboral, un campo donde el cine no se prodiga demasiado y por eso se agradece todavía más. Aquí no sale títere con cabeza y la crítica es igual para el empresario como para los trabajadores, juntos en el mismo barco y dispuestos a lo que sea para defender sus intereses.

Javier Bardem se enfunda el traje de mandamás con una naturalidad pasmosa, como si su oficio fuese empresario en vez de actor. Él es el protagonista de todas las escenas, el que interviene como víctima o verdugo en todos los conflictos.

El concepto de equilibrio juega un papel interesante en el guión. Los conflictos aparecen, la báscula se desequilibra, y cuando se intenta reparar se desequilibra todavía más. Mientras, el humor se mezcla con el drama y ambos se refuerzan. Escenas surrealistas, satíricas o de humor negro se funden con otras dolorosas generando una tensión constante.

Cine crítico que divierte y hace reflexionar. Suerte en los Óscars!

Genial comedia, justa merecedora del montón de premios que ha recibido. Además de ser divertida, es una brutal sátira contra la ineficiencia de funcionarios y organismos públicos varios (lo que despertará empatía en muchos espectadores) y una denuncia descarada del efecto pernicioso de las nuevas tecnologías.
En Adiós, idiotas, el humor surrealista reluce desde el principio dando lugar a situaciones rocambolescas presentadas de un modo convincente y alocado al mismo tiempo. El humor negro también aparece todo el tiempo de la mano de personajes con enfermedades o incapacidades que protagonizan situaciones irrisorias que bordean la risa y el llanto.
El ritmo del guión es constante y el metraje justo, así que el espectador se deleita sin pausa de principio a fin, disfrutando asimismo de algunos guiños melodramáticos.
Los actores, a pesar de algo estereotipados, cumplen bien con su papel. Mención especial para el ciego mujeriego, responsable de las escenas más grotescas.
En fin, una comedia con mucho tirón de orejas. Chapeau!

Sensacional pelicula hecha con inteligencia, cariño y grandes conocimientos sobre el arte del amor. Con un abanico de actores en estado de gracia, Rohmer nos ofrece una comedia romántica que aparenta ser una película ligera sin pretensiones y, en realidad, camufla un verdadero tratado sobre las emociones humanas.

Al igual que Sueños de una noche de verano, esta película muestra el cortejo como un juego donde los participantes juegan con gracia y desparpajo, crecidos con la energía del verano y el contacto directo con la naturaleza.

Cuento de verano habla sobre el amor, la amistad, el deseo, la soledad, la juventud, la madurez…El ritmo no es rápido sino intenso y regular, justo para mantener la tensión narrativa de principio a fin. La escenas son largas aunque no les sobra ni una palabra, al igual que París Texas (por ejemplo) y el final está a la altura de resto, muy lejos del melodrama y muy cerca de la excelencia.

En fin, una joya de película llena de ternura y sensualidad, todo un retrato psicológico del cortejo y la fuerza indómita de un instinto que a veces hacer perder la razón.

Calificada por los usuarios de Filmaffinity como la película mas rara que han visto, Mulholland drive es una película brillante si le dedicamos el tiempo que merece y nos mentalizamos para disfrutar algo diferente. Y mejor todavía si, a posteriori, investigamos las sutilezas del guión.
Pocas películas ofrecen un guión tan complejo y poliédrica, tan abierto a numerosas interpretaciones, con endiablados cambios de roles y continúas referencias oníricas.
El bueno de David Lynch mantiene al espectador tratando de resolver el rompecabezas y, mientras tanto, nos regala con escenas cómicas surrealistas que recuerdan a los hermanos Coen.
Todo el reparto está sobresaliente, más si cabe con unos planos que desnudan las expresiones al mínimo detalle. En este aspecto, el dúo femenino exhibe una sensualidad tan explosiva como verosímil.
Para algunos una película snob y sobrevalorada. Para mí, una obra con un guión, interpretaciones, ritmo y suspense fuera de lo común donde Lynch maneja el espectador como un verdadero prestidigitador.

Otra fenomenal película de la factoría Pixar, con un tema a medio camino entre Coco e Inside out. Otra película para saborear pequeños y mayores, para divertirse y aprender lecciones de vida.

La animación 3D destaca por su perfeccionismo y su originalidad. Pixar hace reales los escenarios más inimaginables, y lo hace con enorme inteligencia, humor y sensibilidad.

Soul se sumerje en el mundo del jazz York y la cultura afroamericana, temas que han tocado recientes películas. Aunque algo idealizado, Soul ofrece un enfoque auténtico de estos temas a través de personajes muy humanos que sienten todo tipo de emociones, una habilidad que Pixar ya exhibió en Inside out.

El guión es muy original y, el ritmo, frenético e hiperestimulante. Yo he necesitado verla dos veces para entender bien el mensaje y disfrutar todos los detalles. Asimismo, Creo que la trama es un poco confusa y podría haberse simplificado un poco.