Drama, thriller, road movie, humor negro, si agitamos la coctelera cinematográfica con esa mezcla nos da como resultado la película Honeymoon.

Participó en la 26 edición del Festival de Málaga, en la sección Málaga Premiere, y el pasado 12 de enero ha llegado a los cines.

Los protagonistas son Eva (Nathalie Poza) y Carlos (Javier Gutiérrez), un matrimonio en crisis al que no les une a penas nada, hasta que una dramática situación como es la muerte de su hijo y la necesidad de conseguir una gran suma de dinero para poder repatriar su cadáver los lleva a emprender un viaje de “huida” y vuelta.

Un viaje tango geográfico, como emocional con el que se darán cuenta que se necesitan el uno al otro, y que se quieren más de lo que creían.

La devastadora noticia, les servirá para darse una segunda oportunidad en su matrimonio.

A pesar de la premisa dramática que envuelve a la película, la melancolía no tiene cabida en la misma, el espectador se verá envuelto en una trama ágil, y dinámica, con toques de humor y personajes que nos recordarán a los protagonistas de películas de los hermanos Coen.

Dirigida por el coruñés Enrique Otero, ha tratado de hacer una película deslocalizada en el espacio y el tiempo para que como espectadores nos fijemos solo en la historia.

Es una película valiente, como ya lo fue su anterior proyecto titulado Crebinsky, en la que unos hermanos tienen que localizar una vaca en las costas gallegas durante la segunda guerra mundial mientras son perseguidos por los Nazis.

En Honeymoon, además de sus estupendos actores protagonistas encontramos secundarios de lujo como Fernando Albizu en el papel de un vendedor de videos de Mazinger Z o María Vázquez, interpretando a una policía en un claro homenaje a la policía de Fargo.

En definitiva, una película que, aunque por su trama argumental no parezca descubrir nada nuevo, vale la pena darle una oportunidad y acercarse al cine a disfrutar de hora y media con una historia contada de manera diferente.

El tándem formado por Mariano Cohn y Gastón Duprat, con Nada su nuevo proyecto pone el foco en el mundo de los críticos gastronómicos.

Después de haber sacado los colores al mundo del cine con Competencia oficial y a los literatos con El ciudadano Ilustre entre otros colectivos.

Con el sello particular que les caracteriza, la crítica social que recorre sus proyectos, siempre con grandes dosis de ironía, han conseguido ser dos de los directores argentinos mas reconocidos de esta época.

Nada, es una serie de cinco capítulos de poco más de media hora de duración cada uno, que sirve como homenaje a la ciudad de Buenos Aires y a su a veces denostada gastronomía.

La historia gira alrededor del crítico gastronómico Manuel Tamayo Prats, interpretado genialmente por Luis Brandoni.

Manuel es una persona muy atada a su rutina, con una vida tremendamente cuadriculada, que ve que todo esto salta por los aires cuando Celsa la señora que durante cuarenta años ha estado cocinándole y planchando sus camisas muere repentinamente.

Ante esta perdida, aparecerá en su vida Antonia, la chica a la que contrata para cubrir la ausencia de Celsa, una joven paraguaya, interpretada por Majo Cabrera.

Por si el buen hacer de Brandoni, no fuera suficiente aliciente para ver esta serie, tenemos que decir, que cuenta con la participación de Robert de Niro, en el papel de Vicent Parisi, un escritor neoyorkino amigo de Manuel.
De Niro, será el encargado de narrar la historia, así como de traducir al inglés los términos que dan título a cada uno de los capítulos, frases porteñas todas ellas relacionadas con la gastronomía como Estar en el horno, La verdad de la milanesa, Nadar en dulce de leche.

Incluso hay en un momento que se atreve a explicar expresiones lunfardas tan extendidas como boludo y pelotudo.

Estos son los ingredientes que bien mezclados, convertirán a buen seguro a Nada en uno de los éxitos de la plataforma Disney + de esta temporada.

Y si pasar un buen rato entretenidos fuese poco, hay que ver la serie para aprender hacer la perfecta milanesa (no hago spoiler, mejor véanla).

El maestro que prometió el mar, es el segundo largometraje de ficción de la directora Patricia Font, que obtuvo el Goya al mejor cortometraje por Café para llevar y está basada en el libro de Paco Escribano Desenterrando el silencio. Antoni Benaiges. El maestro que prometió el mar.

Es una historia en la que se entrelaza el pasado y el presente.

Ariadna descubre casualmente que su abuelo, lleva desde hace tiempo buscando los restos de su padre desaparecido durante la Guerra Civil. Para ayudarle, viaja a Burgos, donde están exhumando una fosa común en la que quizás esté enterrado. Allí conocerá la historia de Antoni Benaiges, un joven maestro de Mont-Roig del Camp (Tarragona) , que fue profesor y casi un padre para su abuelo.

Antoni Benaiges, llegó a la pequeña localidad de Bañuelos de Bureba en el año 1934, era un maestro republicano que seguía las técnicas pedagógicas de Celestin Freinte.

Sus prácticas educativas algo revolucionarias para las mentes de la época, entraron en conflicto con algunos de las familias de sus alumnos y los poderes fácticos locales.

Tenía una nueva forma de entender la enseñanza, buscaba la participación activa de niños y niñas en el proceso del aprendizaje.

Llevó progreso y esperanza a esta localidad burgalesa, y caló hondo en los niños.

Uno de los artilugios que usaba para sus clases era una pequeña imprenta, con la que sus pupilos hacían pequeños cuadernos sobre distintas temáticas.

Como estos niños, nunca habían visto el mar, el maestro les animó a imaginarlo y describirlo en uno de estos cuadernos titulado: El mar. Visión de unos niños que no lo han visto nunca.

El maestro prometió que les llevaría a ver el mar al terminar las clases ese curso
El maestro que prometió el mar, es una historia sobre el poder de la memoria, sobre la importancia de no dejar caer en el olvido, enseñó a soñar a una generación y es un homenaje a los maestros y al poder de transformación que tiene la educación.

Películas como esta deben existir para que conozcamos nuestro pasado y no volver a cometer los mismos errores.

Pero igual combinar pasado y presente no es un acierto de la película, o por lo menos de la manera planteada, la languidez del personaje de Laia Costa y su madre no ayuda demasiado a contextualizar la historia.

En cuanto a la ambientación del relato, echamos de menos también un poco mas de realismo a la hora de representar una población burgalesa en la España de los años 30 y por supuesto los agujeros de las orejas del protagonista podían haberse disimulado un poco.

Pero la historia es de una gran belleza y el personaje de Benaiges interpretado por Enric Auquer se ha ganado nuestros corazones.

El director almeriense Manuel Martín Cuenca regresa a los cines con la película El amor de Andrea, una película muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados el director de La Hija, El Autor, Canibal, en las propias palabras de Manuel es su película más luminosa.

La protagonista es Andrea (Lupe Mateo Barredo), una joven de quince años, que hará todo lo posible por recuperar el amor de su padre que les abandonó a ella y a sus hermanos Fidel y Tomás siendo pequeños.

Andrea recuerda un padre cariñoso y no entiende porque ahora ya no los quiere ver y en su madre tampoco logra encontrar respuesta a este interrogante.

Hará todo lo posible por reencontrarse con él acompañada por sus hermanos, su hermano pequeño apenas le recuerda y el mediano lleva dentro el resentimiento de la ausencia.

En primer lugar destacar la naturalidad de los personajes, pues si bien es cierto que Martínez Cuenca acostumbra a trabajar con actores desconocidos junto con otros veteranos en estas lides, en esta ocasión la mayor parte del reparto vivía su primera experiencia delante de las cámaras.

La luz de Cádiz, es otro de los protagonistas de la película, invade toda la película, la playa de la caleta, la alameda Apodaca.. incluso el viento y la lluvia también poseen su magia cinematográfica.

No hay un solo travelling en la película, solo se utiliza luz natural, no hay apoyos lumínicos, una historia intimista, muy personal, huyendo de toda puesta en escena elaborada.

A diferencia de lo que Martínez Cuenca acostumbra en otras películas en esta ocasión la protagonista planta cara a su destino y decide cambiarlo.

La banda sonora nuevamente corre a cargo de la banda de rock madrileña Vetusta Morla, ya es la segunda vez que trabajan junto al director y parece que forman un binomio perfecto, a los que acompaña en esta ocasión la dulce voz de Valeria Castro en la canción final.
Trabajaron juntos en la creación de la banda sonora de La Hija y eso les valió para tener una nominación en los Premios Feroz.

En definitiva, una película que habla sobre el concepto de familia, el amor, el desamor, pero siempre contado con la inocencia de los ojos de la infancia.

Unos niños que luchan por buscar su propio camino, las respuestas a sus preguntas que los adultos no les proporcionan.

Lone Scherfig, regresa a Seminci después de haber logrado allá por la edición número 46 la Espiga de Oro, con su italiano para prinicpiantes y haber presentado posteriormente dos de sus joyas cinematográficas Willburg se quiere suicidar y An education que estuvo nominada a los Oscars.

Esta vez viene con La Contadora de Películas, cinta que ha inaugurado la 68 edición del Festival vallisoletano, después de haber pasado por el Festival de Cine de Toronto.

Es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Hernán Rivera Letelier de 2009.

La historia transcurre en el desierto de Atacama en el año 1969 y cuenta la historia de María Margarita.

En la casa de María Margarita, los domingos eran el mejor día de la semana, cuando toda la familia se ponía sus mejores galas para ir al cine y ver películas como Senderos de gloria o Quien mató a Liberti Vallace, junto a su padre Medardo, su madre María Magnolia, y sus hermanos cuyos nombres también empiezan por M, porque según su padre ese era el secreto de los grandes artistas de cine como Marilyn Monro

Pero un día el padre sufre un accidente en la salitrera en la que trabaja, que lo deja prostrado en una silla de ruedas, por lo que la familia se queda con menos recursos económicos que les impide ir juntos al cine.

Así que el padre decide que irá uno de los hermanos y a la vuelta contará la película a toda su familia el que mejor lo haga será el contador de películas de la familia.

Los hermanos de María Margarita fueron los primeros en acudir al cine, pero no con mucho éxito a la hora de contar las películas.

En definitiva, es una carta de amor al cine, que se podría añadir a la lista de películas que nos hablan de la magia del cine como podría ser la maravillosa Cinema Paradiso de Giusepe Tornatore, o en los últimos años Belfast o Los Fabelman la última película de Peter Bogdanovich sin olvidarnos de Last Film Show de Pan Nalin ganadora en la edición 66 de la Espiga de Oro de Seminci.

Estibaliz Urresola, cineasta alavesa no ha dejado todavia de cosechar premios y buenas críticas con su cortometraje Cuerdas y a esto se suma el enorme éxito que está teniendo con su primer largometraje 20.000 especies de abejas.

Ha participado en la Sección Oficial de la Berlinale donde no solo ha recibido un montón de alabanzas, sino que la joven Sofia Otero de tan solo 10 años se ha llevado el Oso de Plata a la mejor interpretación.

Pocos días después participó en la Sección Oficial del Festival de Málaga. Cine en español y se llevó la Biznaga de Oro a mejor película.

Este fin de semana ha llegado a los cines con gran éxito de público y crítica.

La película gira en torno al tema de la identidad, de sentirse identificado con uno mismo, la protagonista es Cocó de ocho años, al nacer le pusieron el nombre de Aitor, pero ella no se siente identificada, se ve diferente a los demás niños y se pregunta porqué.

Intentará encontrar su lugar con la ayuda de su familia durante unas vacaciones de verano, pero en cierto modo su familia también deberán encontrarse a si mismos y ver de que manera encajar en el mundo.

Una familia que si bien al comienzo de la cinta está un tanto desestructurada el viaje emocional que emprenden con los sentimientos de Cocó les hará estar mas unidos que nunca.

Su madre Anne interpretada magistralmente por Patricia López Arnaiz, anda sumida en una doble crisis tanto sentimental como profesional.

La abuela de Cocó tampoco se lo pondrá fácil y su tía Lourdes quizá sea la persona que mejor conecte con Cocó a pesar de la diferencia de edad.

El título hace referencia al enjambre que conforma su red familiar sus hermanos, su madre, su tía y su abuela, es inevitable por ella dejar de pensar en El espíritu de la colmena de Víctor Erice.

La infancia trans es un tema al que poco a poco se va acercando el mundo del cine, al mismo tiempo que lo estamos haciendo el resto de la sociedad.

Por ello no podemos dejar de hacer referencia al cortometraje de Marta Nieto, Son, también interpretado por Patricia López Arnaiz y que fue estrenado en la pasada Seminci.

Por ponerle un pero a la película quizá su excesiva duración, tendencia que últimamente viene siendo habitual en nuestro cine.

Como dijo Jorge Luis Borges El tango está lleno de despedidas y de despedidas y encuentros está plagado Empieza el baile la tercera película de Marina Seresesky.

El filme viene abalado por el premio del Público logrado en la pasada edición del Festival de Málaga.

Juan Carlos Moreno figura del baile afincado en España recibe un día la llamada de su amigo Pichuquito que le comunica la muerte de Margarita Rey la que fuera su antigua compañera de baile.

Juan Carlos vuela a Buenos Aires para asistir al funeral de Margarita y a partir de ahí la película se convertirá en una road movie a bordo de una antigua furgoneta en la que tres amigos que han estado distanciados durante mucho tiempo emprenden un viaje en el que ya nada volverá a ser lo mismo.

La cinta está interpretada maravillosamente bien por Darío Grandinetti y Mercedes Morán, con toques de humor, ironía y sarcasmo como firmaría el mismo Campanella.

Sin olvidarnos de la actuación de Jorge Marrale, que se llevó en Málaga el Premio al mejor Actor de Reparto.

El reparto lo completa Pastora Vega en el papel de la mujer de Carlos.

Es una película divertida, entrañable, tierna, una historia de segundas oportunidades con acordes de bandoneón y los bellos paisajes argentinos.

Dice Marta González de Vega, que una loba no es mas que una caperucita que ha aprendido a reírse de si misma, y para convencernos de ello lleva desde 2015 subiéndose a las tablas del Teatro Fígaro con su monólogo De caperucita a loba en solo seis tíos.

Tal es su éxito que ahora lo ha llevado al cine con el título de De caperucita a loba, de la que ella es protagonista y guionista.

González de Vega ha sido guionista de las sagas Padre no hay mas que uno y a Todo tren destino Asturias, además de ser guionista durante seis temporadas de El club de la comedia donde escribió mas de 400 monólogos.

La cineasta Chus Gutiérrez ha sido la encargada de ponerse detrás de las cámaras para llevar a cabo la tarea nada sencilla de convertir el monólogo en cine, y aunque la comedia no suele ser el género habitual de esta directora lo ha hecho con muy buena nota, no en vano lleva mas de veinte largometrajes a sus espaldas y varias nominaciones a los premios Goya.

La película es un viaje cómico-emocional por el que transita la protagonista hasta aprender a reírse de si misma y de sus desastres amorosos y comprender que la risa es un gran superpoder.

Aparte del buen guion, una de las claves del buen funcionamiento de esta cinta, está en que todos nos vemos representados en algunas de sus historias.

Para dar vida a esta historia la protagonista se ha rodeado de un elenco formado por José Mota, Berto Romero, David Guapo, Martita de Graná, Santiago Segura, Elena Irureta, Antonio Resines, Marco Zunino, Melania Urbina, Josele Román…

Por citar dos pequeñas pinceladas de la película diremos que las enseñanzas amorosas del divulgador científico Eduardo Punset tienen mucha protagonismo es esta historia al igual que la oxitocina.

y memorable es haber cortado la Gran Vía madrileña para grabar una escena con unicornios, seres que aparecen siempre que la protagonista cree haber encontrado el amor.

El Hotel de los líos, secuela o spin off de García y García ha sido presentada en la sección Málaga Premiere de la 26 edición del Festival de Málaga.

El tándem de cómicos formado por Pepe Viyuela y José Mota, no funciona al menos en esta cinta (García y García no la he visto todavía).

En esta ocasión un hotel un tanto destartalado que ambos adquieren sin mucha intención en una subasta es el hilo conductor de sus gags.

A Mota y Viyuela se unen otros actores como Ricardo Castella, Paz Padilla, El Cejas y Antonio Resines además de cinco niños y niñas Carla Chiorazzo, Carlos Morollón, Daniela Casas, David Calderón y Pablo Fernández, con lo que han buscado un acercamiento mayor del público infantil.

Todo esto bajo la batuta de Ana Murugaren.

Los niños se alojan en el Hotel ya que van a participar en la Final de Jóvenes Talentos, acompañados por su profe Martina (Paz Padilla).

Durante su estancia los púberes deberán vérselas con el mafioso Benito Camarena, que junto a su madre y su hermano intentarán robar a los García el botín escondido en el hotel, que había sido una guarida de los facinerosos.

La película intenta hacer reír, aunque en pocas ocasiones lo consigue, sobre todo a base de la llamada comedia física o slapstick, un tipo de humor no verbal, en el que la torpeza del protagonista suele producir la comicidad, a su vez hay elementos que nos pueden recordar a los tebeos del maestro Ibañez.

Pero a pesar de que la película tiene un buen ritmo, aburrirá a los adultos que acompañen a los niños al cine, y a los infantes de mas de 8 años probablemente también.

Como punto positivo de la cinta destacar la presencia de Pablo Fernández un niño sordo para darnos a conocer la lengua de signos y el esfuerzo que ha hecho Paz Padilla para aprender esa lengua.

¿Seríamos capaces de distinguir Burgos, de Nueva York o de Madrid?, pues por lo menos en Un efecto óptico la última película de Juan Cavestany diferenciarlas es difícil.

Alfredo y Teresa o lo que es lo mismo Pepón Nieto y Carmen Machi, son un matrimonio burgalés que intentan dejar a un lado la rutina y hacer un viaje a Nueva York.

Como todo buen turista se empapan de lo que pone su guía de viaje, pero al llegar allí parece que nada en la Gran Manzana es como se habían imaginado.

La pareja entra en una suerte de bucle temporal-emocional, en las que algunas cosas se les repiten pero con variaciones en su estado de ánimo, se trata de una vuelta de tuerca mas a las películas de bucles temporales que tanto se estilan últimamente como El increíble finde menguante o el Ascensor.

La versatilidad de dos grandes actores como Machi y Pepón hace que la historia cobre fuerza y podamos empatizar con lo que le pasa a esa pareja aunque no sepamos muy bien que es.

No dejarse llevar por todas las críticas que definen esta cinta como comedia, o por lo menos por lo que solemos entender como comedia, mas bien la definiría como película de miedo pero sin sustos, miedo por la pesadilla que rodea al viaje de este matrimonio aunque en realidad no les pase nada ¿o si?.

Aunque no sabemos si en realidad llegan a Nueva York, si que ambos emprenden un viaje interior de búsqueda de la felicidad y huir de la soledad y la rutina ahora que deben enfrentarse al síndrome del nido vacío.

En definitiva Un efecto óptico es un ejemplo mas de ese universo cinematográfico de Cavestany que nos ha mostrado en anteriores películas como Gente en sitios o Esa sensación

Un hombre y una mujer en un desierto, no se conocen entre ellos, no saben porque están allí, y no encuentran la forma de salir, poco a poco a través de los sueños empiezan a entender quienes son, que les une, pero es una verdad que igual preferirían no conocer, mientras tanto un hombre les vigila.

Este es el resumen de la película Zerø que se puede hacer, pues cualquier otra información nos hará caer fácilmente en el spoiler.

Se trata del debut en pantalla grande de Iñaki Sánchez Arrieta, que ha trabajado como ayudante de dirección en una treintena de películas de directores como Benito Zambrano, José Luis García Sánchez, Belén Macías y muchos más.

También ha trabajado al menos como ayudante en una decena de series, en anuncios comerciales y ha realizado ya unos cuantos cortometrajes, por lo que se nota que Sánchez Arrieta conoce bien el oficio.

La película está dividida en tres capítulos en los que a través de los diálogos de sus dos protagonistas se tocan temas como el amor, el desamor, la suerte, el dolor, el sentimiento de culpa, son unos personajes claramente lastrados por su pasado.

El peso de la película lo cargan sobre sus espaldas sus dos actores principales Nuria Herrero y Juan Blanco, pero tampoco nos queremos olvidar de Pep Sellés que a pesar de apenas pronunciar palabra juega un papel fundamental en la historia.

Se nota que hay química entre los dos actores protagonistas y se da la casualidad que después del rodaje de esta película también han formado pareja en la serie Señoras del (H)ampa.

Además de sus actores, hay otros protagonistas indiscutibles en la película los paisajes desérticos dan mucha potencia a la historia y su música, banda sonora de Ricardo Curto y grabada con la Orquesta Sinfónica Nacional de Praga sin la cual la cinta no sería lo mismo.

El ritmo de la película va in crescendo hasta llegar a removerte por dentro y eso lo consigue con la perfecta mezcla entre el género fantástico y el drama real separados tan solo por una fina linea.

Gilles después de ser arrestado por soldados de las SS junto con otros judíos y enviado a un campo de concentración en Alemania, consigue salvarse de ser ejecutado al aseverar que es persa y no judío.

Así son los primeros compases de El profesor de persa ( Persian lessons).

Todo esto gracias a un libro de persa que un momento antes Gilles había recibido de un compañero, a cambio de medio bocadillo.

El destino hace que casualmente el Capitán Koch, que está al mando del campo de concentración al que es enviado, está interesado en el idioma farsi y busca alguien que le enseñe.

Así que Gilles que pasará a llamarse Reza, tendrá que ejercer de profesor de un idioma que desconoce.

Para ello se tendrá que inventarse un idioma, que irá memorizando a la vez que lo enseña, para no meter la pata en algo que podía constarle la vida.

Inspirada en hechos reales y en la historia corta de Wolfgang Kohlhaase Invención de un lenguaje.

Dirigida por el ucraniano Vadim Perelman, director de La vida ante sus ojos y Casa de arena y niebla por la que fue nominado a tres premios de la Academia.

Reza y Koch establecerán una extraña amistad entre los dos, o mas bien una relación interesada, uno desea aprender el idioma y el otro sobrevivir.

HISTORIA DE SUPERVIVENCIA EN EL HOLOCAUSTO JUDÍO.

El profesor de persa tiene la virtud de no centrarse en las atrocidades de la guerra, y añadir ciertos guiños de comicidad, aunque sin llegar al nivel de otras películas sobre la segunda guerra mundial como La vida es bella o Jojo Rabbit.

Con un ritmo ágil en el que cabe destacar la actuación del actor protagonista Nahuel Pérez Biscayart, un intérprete argentino, que ha sido capaz de meterse en la piel de un belga que habla alemán idioma que desconoce totalmente.

La historia tiene fuerza, aunque pierde algo de fuelle en sus tramas secundarias.

Obviando que la historia que cuenta es un tanto inverosímil, a pesar de estar inspirada en hechos reales, El profesor de persa conseguirá hacernos pasar de dos horas intensas de emoción en una bella historia de supervivencia dentro del Holocausto judío.

Que nieve en Benidorm no es algo habitual pero podría pasar y mas en este año 2020 que cada día nos sorprende mas y en el que cualquier cosa puede ser posible.

También es el título de la última película de Isabel Coixet, que nuevamente inaugura Seminci, aunque con una película mas fallida que La Librería.

El protagonista es Peter Riordan, un hombre metódico, solitario, cuyo hobby son los fenómenos meteorológicos y su razón de vivir es su trabajo en el banco de Manchester.

Cuando le «invitan» a jubilarse anticipadamente, no sabe muy bien que hacer con su vida y decide ir a visitar a su hermano Daniel que reside en Benidorm.

Al llegar allí, descubre que su hermano ha desaparecido y que apenas le conoce, no sabe nada de su vida ni de sus negocios.

A partir de este suceso conocerá a unas personas que trastocarán su manera de enfocar la vida, la acróbata vaginal (debe existir ese oficio por lo que se ve) Alex y Marta una policía cuyo referente es Sylvia Plath y su poesía.

BUENAS INTERPRETACIONES PARA UN FLOJO GUIÓN

Mientras con la historia se ve que Coixet vuelve a reflejar su manido universo, con la dirección de actores si tiene un aprobado alto

El reparto lo encabezan Timothy Spall en el papel de Peter, Sarita Choudhury como Alex, Carmen Machi genial como siempre en el papel de la policía Marta.

Lo completan Pedro Casablanc hablando en inglés y Ana Torrent, con un papel en el que apenas dice una frase, pero cuyo enigmático personaje tiene mucho que ver en la trama, o no, solo Coixet lo sabe.

Otro personaje principal de la película es la ciudad de Benidorm, retratado de manera un tanto caricaturesca con sus tópicos de ingleses con exceso de alcohol, imitadores de Elvis, y malabarismos vaginales (repito parece que es un oficio).

En definitiva un thriller en el que el protagonista no solo busca a su hermano, sino conocerse a si mismo, darse la oportunidad de tener otra vida, y de que hasta las cosas mas inverosímiles pueden suceder.

Una película que por momentos brilla con luz propia, pero que en gran parte del metraje se hace tan monótona como la vida del protagonista.

El 1 de enero de 1921 se produjo una de las mayores tragedias navales ocurridas en nuestro pais, el hundimiento frente a las costas de la Isla de Sálvora (Pontevedra), del buque Santa Isabel con 260 personas a bordo.

Esa noche no había hombres en la isla, pero tres mujeres jóvenes, María, Cipriana y Josefa no dudaron en sacar sus dornas al mar, y consiguieron rescatar a cuarenta y ocho pasajeros.

A pesar de la heroicidad de las tres jóvenes, esta historia apenas es conocida, ni entre los habitantes de la zona.

Una tragedia olvidada, del conocido como el Titanic Gallego, que casi cien años después la cineasta Paula Cons, ha querido llevar al cine, con un relato inspirado libremente en esta historia y sus personajes, para que de esa forma no caiga en el olvido.

Cons, consigue convertir esta odisea marina, en un thriller costumbrista, en el que el un periodista argentino interpretado por Darío Grandinetti, sospechará que el naufragio pudo ser provocado.

Unas gentes que ocultan demasiadas cosas, que no se puede saber quien dice la verdad y quien no, es lo que se encuentra el periodista al intentar indagar en lo ocurrido esa noche.

Paula Cons, se reune para esta su ópera prima además del citado Grandinetti, de grande actrices y actores como Nerea Barros, Victoria Teijeiro, Ana Oca, Aitor Luna entre otros.

Lo inhóspito del lugar, la parquedad de palabras de los protagonistas y la oscuridad de toda la cinta consiguen que nos introduzcamos en ese ambiente hostil.

La cinta busca no centrarse en la historia del naufragio, sino lo que sucede en las personas y lugares después de una tragedía como esta. En como tres mujeres fuertes y valientes, son incapaces de mostrar sus sentimientos quizás centradas en la culpa de no haber podido rescatar a mas pasajeros.

Se podía haber sacado mas partido a la investigación del periodista, pero aún así es un gran debut de Paula Cons, en el que destaca una estupenda fotografia, la interpretación de las tres mujeres, y el haber rescatado del olvido este trágico suceso y la heroicidad de estas mujeres.

Drama, thriller, historia de amor y flamenco, estos son los mimbres con los que Paco Cabezas, ha tejido Adiós su última película.

La acción se desarrolla en la barriada sevillana de Las tres mil viviendas, donde Juan, un preso en tercer grado por tráfico de drogas, sale de prisión para celebrar la comunión de su hija, junto a su mujer Triana.

Pero lo que parecía un día feliz, se torna en desgracia, cuando al volver a casa, el coche en el que viajaba la familia es embestido y como consecuencia la hija de Juan muere en el accidente. Ese incidente, desatará una guerra entre los distintos clanes y la policia.

Mario Casas y Natalia de Molina forman la pareja protagonista, con un reparto que lo completan Ruth Díaz, Carlos Bardem, Vicente Romero y Mona Martínez.

La película está estructurada en tres partes, como si de las diferentes estrofas de una soleá se tratase.

Adiós, es un quejío flamenco, una tragedia lorquiana, en la que se mezclan las escenas de acción, con interpretaciones desgarradores de los actores principales ante la muerte de su niña.

Paco Cabezas, consigue mezclar lo mejor de casa, la visceralidad de nuestros actores, con lo aprendido en Estados Unidos sobre el cine de acción.

Paskaljevic, ha querido hacer el estreno mundial de su película A pesar de la niebla (Nonostante la nebbia), en su querida Seminci (Semana Internacional de Cine de Valladolid), no en vano es el director mas premiado de ese festival, pues ha ganado en tres ocasiones la Espiga de Oro.

En A pesar de la niebla, el cineasta serbio, nos interroga acerca de que hariamos si nos encontrasemos en la situación de Paolo, uno de los protagonistas de esta cinta.

Paolo, es el dueño de un restaurante de una localidad cercana a Roma, una noche cuando regresa a casa bajo la lluvia, ve un niño acurrucado en la parada del autobús para protegerse del frio, y decide llevárselo a su casa.

El niño de nombre Mohammed, es un refugiado que perdió a sus padres en su intento de alcanzar las costas italianas, pero el niño vive con la ilusión de que sus padres se encuentran vivos en Suiza.

Paskailjevic, entiende el cine como algo mas que mero entretenimiento , e intenta hacernos reflexionar sobre todos los defectos que tenemos en la vieja Europa, como la xenofobia que tiene la sociedad y que negamos constantemente.

El problema es que Paskaljević construye una película un tanto telefilmesca, al poner el foco en la depresión de la madre por la perdida de su hijo, y se pierde en otros vericuetos que nos hacen banalizar el problema de niños como Mohammed.

En definitiva, una película que en un cineforum puede abrir muchos debates, con lo que cumpliría su función, pero lejos de lo que filmicamente Paskaljević nos tiene acostumbrados.

And then we danced, es el tercer largometraje de Levan Akin, realizador sueco de ascendencia georgiana.

Ha sido proyectada en la Quincena de los realizadores de el Festival de Cannes y en la Seminci, donde su actor principal Levan Gelbakhiani, ha obtenido la Espiga a mejor actor.

Es una película sobre el descubrimiento de la identidad sexual, de Merab su protagonista, un prometedor bailarín de la Compañía Nacional de Danza de Georgia, que entabla una amistad con Irakli el nuevo miembro de la Compañia de baile, amistad, que posteriormente se convertirá en admiración y en amor.

Su historia de amor, es difícil hacerla pública por la homofobia de la sociedad georgiana, y en concreto de la Compañía de baile, cuyo profesor no para de repetir frases como «No hay lugar para la debilidad en la danza georgiana» y «La danza georgiana se basa en la masculinidad»

Nos encontramos ante una película llena de tópicos, de chico conoce a chico, la dureza de conservatorios , escuelas de baile…., hermano que mete en continuos problemas al protagonista.

Otra cosa que nos chirría de la película, es mostrar continuamente a unos jóvenes, a priori deportistas y con una profesión que requiere disciplina, fumando y bebiendo cada vez que tienen oportunidad.

Sin embargo se justifica la existencia de la película, como denuncia de esas sociedades no tan lejanas a la nuestra y que todavía, no aceptan las diferentes opciones sexuales.

Tampoco podemos olvidar los números de baile sensacionales, que son todo un tour de force entre los dos protagonistas.

Intemperie, la cuarta película del poco prolífico Benito Zambrano, está basada en la novela homónima de Jesús Carrasco.

Novela , que ha sido todo un fenómeno en los últimos años, con 82.000 ejemplares vendidos en España, publicada en 30 países, traducida a 15 idiomas y best seller en Holanda e Italia.

Quien suscribe estas lineas no ha leído la novela, por lo que mi crítica no será tan voraz, como la de aquellos que por haberla leído, tenderá a compararla, con lo que en su cabeza se habían imaginado.

Cuenta la historia de un niño que huye de su pueblo, y de los que le persiguen con intención de llegar a la ciudad, en esta huida conocerá a un pastor que le ofrecerá la protección que el muchacho necesita.

Desconocemos porque huye, durante casi todo el metraje de la película, pero asumimos que tiene que ser algo muy grave, para preferir sufrir las dificultades que le surgen con esa huida a volver a su pueblo

Con su huida el niño emprende un viaje iniciático, de conversión de niño a adulto, un aprendizaje de vida, un viaje sin retorno.

El pastor es un personaje solitario, que se convertirá en un referente paterno para el niño.

El pastor le enseñará a vivir con dignidad, a respetar a los muertos, a no odiar, con frases como «tienes toda la vida por delante, no la malgastes odiando».

La podemos etiquetar de Western Ibérico, o simplemente clasificarla de Western, una película con buenos y malos, completamente arquetípicos el pastor muy bueno, y como contrapunto maniqueo, el capataz que persigue al protagonista.

Otro personaje de la historia, es el paisaje árido y seco que les rodea, que da título a la película y que marcara en cierto modo las acciones de los protagonistas.

Con grande interpretaciónes de actores que nunca defraudan como Luis Tosar, Luis Callejo y Vicente Romero, y con la joven promesa Jaime López, que ya despuntó hace unos años en la película Techo y Comida.

En definitiva un muy buen comienzo para esta 64 Seminci, de la que Intemperie, ha sido su película inaugural.

Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, han vuelto a conquistar al público y al jurado de San Sebastián, es esta ocasión con la película La trinchera infinita.

Los paladines del cine vasco, en esta ocasión han centrado la trama de su película en un pueblo del interior de Andalucía.

Los protagonistas son Higinio (Antonio de la Torre) y Rosa (Belén Cuesta), una pareja de recién casados en plena Guerra Civil.

Higinio por diversas circunstancias, es perseguido y a pesar de que la guerra a puesto fin, para salvar su vida debe permanecer oculto en su casa, convirtiéndose en uno de los llamados «topos«.

La historia está inspirada en 30 años de oscuridad , de Manuel H. Martín, y en el libro Los topos, de Jesús Torbado y Manuel Leguineche

La Trinchera infinita, da comienzo con una huida desasosegante de Higinio, para posteriormente incrementar la sensación de angustia en el espectador, al apostar la película por seguir la historia de Higinio desde su encierro en su hogar , a través de los ojos de Antonio de la Torre, hacernos sentir el miedo y angustia de este personaje.

A parte del miedo a ser descubierto, el encierro auto impuesto por Higinio, le lleva a tener otros fantasmas en su cabeza como los celos hacia su mujer.

Si el encierro de Higinio nos parece doloroso, no es menos lo que podemos empatizar con Rosa, personaje posiblemente ganador de un Goya, en el que Belén Cuesta se desmarca de los papeles cómicos a los que nos tiene acostumbrados.

Rosa, debe enfrentarse a un pueblo en el que cada vez le es mas difícil, ocultar la no ausencia de su marido.

También para el hijo de ambos, acostumbrado a esta situación desde su nacimiento, pero que no entiende muy bien a que tiene miedo su padre si los tiempos ya han cambiado.

Para poder abarcar los 30 años de encierro, los directores han decidido estructurar la película en diferentes capítulos, todos los capítulos son titulados con una palabra y su definición de diccionario.

La excesiva duración de la cinta hace que en algún momento decaiga a pesar de su buena factura técnica y artística.

Pero en términos generales, es una gran película que consigue mantener en tensión al espectador al imaginarse las angustias de los personajes, y seguramente será una dura competidora para la película de Pedro Almodovar en los próximos Goyas.

Diecisiete, es la esperada vuelta al largometraje de Daniel Sánchez Arévalo, después de unos años, en que se ha dedicado al mundo de la publicidad, del cortometraje, e incluso de la literatura con la Isla de Alice, finalista al Premio Planeta en 2015.

Los protagonistas son Hector (Biel Montoro) y su hermano Ismael (Nacho Sánchez).

Hector, es un joven con síndrome de asperger, interno en un centro de menores, después de cometer algún pequeño delito, por las dificultades que tiene para entender entre lo que está bien y lo que está mal.

En el centro Hector, participa en una terapia de reinserción con perros, donde establece un vínculo especial, con un perro, al que bautiza como Oveja. Este perro es dado en adopción, y a Hector le cuesta asimilar esta situación, con lo que emprenderá una huida para localizar a Oveja.

En este viaje en busca de «su» perro, le acompañará su hermano, su abuela y un perro de tres patas y todo ello en una autocaravana.

Al perro que les acompaña, no es al único al que le fata una pata, en cierto modo a los hermanos también les falta una pata, en este caso emocional, a los dos hermanos les cuesta expresar todo lo que sienten. Al contrario de lo que sucede con la abuela, quien con una única palabra «tarapara» , es capaz de hacer comprender todo lo que pasa por su cabeza.

El viaje que emprenden los hermanos, servirá para que se descubran el uno al otro. Para que derriben la barrera emocional que les separa al uno del otro.

Sánchez Arévalo, demuestra que es un experto en mezclar comedia y drama, en sacarnos una sonrisa en medio de una historia agridulce, en jugar con ambos géneros y proporcionar un equilibrio perfecto.