Acabo de ver por primera vez este intrenso melodrama y aunque aquí estoy escribiendo mi reseña, no me repongo de la impresión que me ha causado. Con la Bette todo lo que veas es bueno, por lo que por muchas expectativas que tengas no te defraudas. Pero aunque su actuación es realmente soberbia, me quedo con las reflexiones a las que he llegado con esta película.

Estamos acostumbrado a hablar de cine de autor, cine que hace pensar, que si Allen a lo Sócrates (¿o al revés?), etc, pero esta película de los años 30 ambientada a su vez en el siglo XIX plantea temas de plena actualidad, conflictos agudísimos y un acercamiento a la psicología femenina pocas veces visto.

La sutileza del guión y el magnífico duelo interpretativo Hopkins/Davis impiden que nos formemos una opinión apriorística de las naturalezas de sus personajes. Las vemos sufrir, amar y alegrarse, dos vidas paralelas y entrecruzadas en momentos de amor y de odio. No nos quedamos con un sólo personaje, el espectador realmente se identifica con ambas o quizá con aspectos de cada una. No reprobamos ninguna de las posturas maternales ni tampoco las filiales porque en la vida todos confrontamos nuestras formas de ser y aún así convivimos bajo el mismo techo, incluso entrelazadas como en la boda final.

Otros aspectos secundarios, pero no menos interesantes son la recreación social de la época, los conflictos de intereses, el puritanismo y la hipocreía en las relaciones sociales basadas en apellidos y fortunas.

La Duquesa es el biopic de época, de esta temporada, que se han sacado los ingleses de la manga para perpetuar el recuerdo de Diana. La Duquesa de Devonshire, nació como Georgiana Spencer es antepasada suya.

Es esa premisa, a la vez, su mayor virtud y su peor defecto. La película, pese a contar con el trío Keira Knightley, Ralph Fiennes y Charlotte Rampling, ha recibido muy malas críticas y en los Oscar se conformó con una sóla nominación, que finalmente ganó porque estaba cantado: el mejor vestuario.

La verdad es que no me disgustó. Keira hace una actuación realmente notable resolviendo la papeleta de llevar todo el peso de la película. Cierto es que se ha acomodado en papeles de época acostumbrándonos a verla con corsés y pelucas. Yo temía verla parlanchina y juvenil como en Piratas, pero aquí se muestra bastante contenida. Quizás puede verse que demasiado contenida, pensando ella que un personaje de finales del siglo XVIII no puede exteriorizar todas sus emociones. El que realmente borda su papel es Fiennes, que nos deja más un poso de amargura que de antipatía, evitando caer en maniqueas posiciones de buena/malo de la película.

A Dibb le falta maestría en los planos y sobre todo mayor dominio de la narrativa. El final por ejemplo es demasiado brusco y la película flaquea en su ritmo hacia la mitad después de un incio un poco prometedor.

A Diana le hubiera encantado ver en el cine la vida de su antepasada. La misma que vivió un matrimonio de 3. Literalmente. En el poster Keira aparece con los mismos ojos de cordero degollado que Diana lució en su entrevista-confesión de cuernos recíprocos. He tardado en ver la película precisamente por esa imagen y como a muchos esa comparación con la difunta es la que desanimaba verla. Cuando por fin la ves, hay momentos en que la Georgiana juvenil, apasionadamente enamorada, incomprendida por un marido que sólo tiene cariño por los perros te retrotrae a ella. Pero Georgiana deslumbró en su época no sólo por su belleza y su elegancia (Diana, querida, si Versace no te coge a partir de tu divorcio, aun pasearías con los trajes florales) sino por su influencia en el Whig Party. Tuvo aficiones literarias en forma de poemas y una manifiesta afición al juego y a la bebida. Estos aspectos que son los interesantes y los que la alejan definitivamente de su descendiente, son los que aparecen en breves pinceladas en la película. Se recrea demasiado en el triángulo amoroso, que ciertamente era peculiar, pero queda muy desdibujada la propia personalidad de la Duquesa, aunque como he comentado, es la protagonista absuluta.

No es una película "típica" sobre el genocidio y el exterminio judío y no porque no acumule todos los tópicos que solemos encontrar en ese tipo de películas, prácticamnte un subgénero cinematográfico, sino por cómo está contada una historia, que por otra parte marea al espectador.

Te sientes más aturdido aún que el joven Stingo ante la extraña historia de Sophie, y cuando crees enterarte de la famosa "decisión" han pasado horas (literalmente) de extraño regocijo para presentarnos un menage-a-trois nada de extraño, por otra parte,cortado por unos saltos en el tiempo mal llamados flash back.

La veo ahora, por vez primera aunque la conocía desde hace tiempo y me ha decepcionado, la verdad.

Como digo en el título de la reseña, la peli no es mala por ser de ese gébero. Me gusta ese género y he visto bastante como para catalogar a esta de las peores.

Una magnífica película española de uno de los mejores directores Bardem. Un retrato fidedigno y a la vez cruel de la alta burguesía de la posguerra, denunciando su mezquindad, su vacío existencial y los privilegios que acumulaban en detrimento de una inmensa empobrecida y vencida.

Aunque la censura recortó fotogramas a su antojo, lo hizo más en su afán de moralista amatorio, para qe no se "notara" el adulterio. Por eso no hay un beso ni una brazo entre los amantes pero eso es lo de menos. Lo que pasó por alto la censura es el quid de la película, esa crítica, esa radiografía ácida y decarnada de la sociedad de entonces.

Los secundarios son de lujo pero el mejor sin duda, Closas. Su interpretación en la que el personaje va tomando conciencia de su miseria humana se va perfilando a lo largo de la película con interesantes matices, quizás sea el personaje junto con Rafa que mejor evolucione. La Bosé está correcta como femme fatale pero nunca me pareció bella, demasiado cara larga.

Una comedia romántica juvenil que vuelve a situar a la realeza europea en yanquilandia. Lo que me ha resultado curioso es que citen Dinamarca en vez de inventarse un país y una dinastía como suelen hacer, y así ahorrarse problemas de demandas y sobre todo de errores garrafales sobre el país.

La presencia de Julia Stiles es un plus aunque menos mal que esta actriz se va alejando de este tipo de películas.

Aunque conocía a Deanna Durbin y su cine musical, esta es la primera película que veo suya. Hay que verla según la época y los valores que transmite, como ya han comentado.

Me ha gustado por pareceme entretenida, es bastante ágil, optimista, se disfuta con la música clásica escogida, que aquí tiene más protagonismos que la música ligera. Sin duda, Durbin tenía una voz prodigiosa, de soprano, aunque sólo hiciera carrera en el cine. No resulta empalagosa y su optimismo es contagioso.

La película también es una oportunidad para ver a Adolphe Menjou en un registro menos "elegantón" de lo acostumbrado y a estupendos secundarios como Alice Brady y Eugene Pallette.

Excelente y sólido drama de Wyler, con magníficas interpretaciones que mantienen un pulso interpretativo soberbio entre Olivia de Havilland, Ralph Richardson y Montgomery Clift. Una obra de tintes teatrales pues debe más a su representación homónima en Broadway que a la novela que escribió Henry James, quien utiliza una fórmula mucho más directa. Recuerdo que me decepcionó un poquillo cuando al fin la leí.

La película resulta, como ya digo, mucho más dramática, con una tensión que irá in crescendo a lo que contribuye la magnífica dirección de actores que realiza Wyler y unas interpretaciones moduladas, que se irán desvelando al espectador conforme avance la trama.

Sin duda es el personaje de Catherine Slopper, la fea y apocada muchacha, el que experimenta una evolución más destacada, adquiriendo al final toda la garra de que carecía. La frialdad y el arrobamiento de Ralph Richardson y Olivia de Havilland, respectivamente, se van manifestando de forma alternativa y así el espectador se centra en la pareja y se pregunta también qué esconde Morris Towsend.

Que no es interpretado por un cualquiera, sino nada menos que por Montgomery Clift, cuyas magníficas dotes interpretativas quedaron ahogadas en su desdichada vida. es el pionero en abanderar la rebeldía de los '50 y aunque cofundó el famoso Actor Studio nunca dejó de ahondar en las peculiaridades de sus personajes, siendo su máxima la de partir de un buen guión. ("Se acercaba a él como un científico" dijo Burt Lancaster).

De hecho aquí los personajes con sus miedos y sentimientos envueltos en una crueldad intolarable, diríase, están por encima de la trama. Por una vez me gusta que no haya "trama" sino vidas expuestas al espectador, al que hacen partícipe.

La Duda no está nominada como mejor película a los Oscar pero luce orgullosa 5 nominaciones en las llamadas categorías serias, osea, interpretativas y de guión (sus dos actores principales, sus dos actrices secundarias y el guionista). Eso le da una respaldo considerable en este año en el que El curioso caso de Benjamin Button apabulla con sus 13 nominaciones. Ya se sabe que calidad es preferible a cantidad. Y esta película no compite por cuestiones como sonido o montaje sino por la esencia de todo filme: trama y actuaciones.

En general me ha parecido muy correcta, con un ritmo narrativo bien llevado, constante, sin tiempos muertos y alcanzando, en el momento justo, el clímax dramático, en ese duelo interpretativo y de personajes entre la Streep y Hoffman.

Sin duda, lo mejor por cuanto valioso de la película, son las actuaciones sólidas de estos dos actores que tienen en común su camaleonismo en la pantalla y su trayectoria impecable. No caen en manierismos cuando sus personajes podían prestarse a estereotipos planos en una confrontación entre el bueno y el malo. En este caso, entre la vieja y la nueva escuela o entre las corrientes atrasadas o avanzadas de la Iglesia.

Las interpretaciones, las cuatro en general (quizás la joven Amy Adams es la que más decae como su propio personaje) están por encima del texto, una obra ganadora del Pulitzer del dramaturgo y cineasta John Patrick Shanley. O es que él la lleva a la gran pantalla con excesivo acartonamiento.

A simple vista puede parecer una melodrama relacionado con los reprobables hechos descubiertos recientemente de la Iglesia en la Norteamérica de los 60. La película va más allá de ese contexto y de la historia verídica que cuenta, y por eso resulta interesante. Es un drama sobre nuestras debilidades humanas, denso y por momentos viscoso como puedan ser nuestras miserias. Revolotea por ella la ambigüedad, la duda y la certeza van de la mano y el espectador está reflexionando sobre ello desde el primer instante, sin dejar de disfrutar en su butaca de cine. Pero si no llega a ser por los actores, la película hubiera sido bastante menor. Es excesivamente academicista, le falta garra y mayor tensión para que se hubiera convertido en un clásico de la duda.

Acabo de ver esta celebrada comedia francesa que en su día supuso la sorpresa "indie" del cine europeo (papeleta que casi siempre cae en una producción francesa) y que se dio a conocer por el boca a boca.

Había visto Salir del armario, que es posterior y para muchos mejor. Seré de risa fácil o que prefiero las comedias más ágiles porquea mí me gustó (y me reí con) más la del falso gay.

Esta es una comedia muy agridulce, eres consciente de que te estás riendo de un pobre idiota y te sientes fatal por ello. Porque ese hombrecillo es un buenazo hy tarda mucho en enterarse por qué un editor lo ha convocado a una cena. Y encima el editor es el típico chulo que desprecia a als mujeres y vive en un pedazo de apartamento parisino. Osea que te cae bien, con lo que te sientes doblemente fatal.

En general puede parecer una comedia inteligente pero juega con los sentimientos del espectador de manera tan rastrera como el protagonista lo hace con su invitado. En la vida real todos huimos de los pelmas pero es mayor el temor a ser un pelmazo.

Además te llevas toda la película esperando ver que se cumpla el viejo dicho de "quien ríe el último, ríe mejor". Que no ocurre sino que es sustituido por un último gag que viene a demostrar esé friki dicho que circula hoy día: "quien ríe el último, es que no se ha enterado", osea que eres tan tonto como el tontaina y triunfa el triunfador sin escrúpulos.

Filadelfia; ese rico quesito celestial que tanto publicitan pero que no deja de estar rico; o esa canción tan naif de Bruce Sprinsteen, para jalear las vicisitudes de un joven homosexual que lucha contra la injusticias que sufre por su enfermedad; una de las ciudades más antiguas de los EE.UU; y donde se firmó la declaración de independencia.

En definitiva una sociedad clasista y puritana donde las haya.

Será el escenario perfecto para un folletín de joven ambicioso que se deberá enfrentar a la misma sociedad paternalidta y antigualla que le encumbró. Llevada al cine por uno de esos directores que conocerían en su casa a la hora de comer, es una película de las más desconocidas del guapísimo Paul Newman.

Venía del exitazo de La gata sobre el tejado de zinc donde rezumaba sexualidad hasta por cada fibra del albornoz que lleva o del mismo vaso perenne de whisky que sujeta. Aquí encarna a un chico simpático y despreocupado, guapo a más no poder, pero encantador, más como galán que como tío bueno. Aunque el blanco y negro le sienta la mar de bien.

Yo ví esta peli en el ciclo aquél de la tele y la recordaba con cariño y nostálgia. Ahora me ha parecido pelín larga y anodina. El argumento ya digo q es folletinesco y me ha parecido ver a un Paul Newman actuando tan despreocupado conmo su personaje. Éso es algo q me da coraje de algunos actores: que se abandonen en su quehacer interpretativo cuando el papel no merezca la pena. Y aquí Paul no hace más q exhibir su bonita sonrisa.

Sorprende verlo interpretar a un abogado defensor pero su actuación final carece del brío necesario.

Para verla como entretenimiento y para seguir la filmografía de Paul Newman como en los ciclos de antaño.

Es una película vibrante, muy colorista, llena de acción, de gestas grandilocuentes como bien correspondía al bueno (en todos los sentidos :D) de Burt Lancaster, quien se lleva toda la película exhibiendo su eterna y franca sonrisa y un torso atlético digno del acróbata que fue. Aquí se recrea en piruetas y demás acrobacias. La pareja que forma con el personaje mudo (el actor Nick Cravat) es inolvidable así como con Virginia Mayo, en uno de sus mejores papeles.

Es una de las mejores películas de aventuras de entonces, que no desmerece por el cartón piedra ni por las reminiscencias robinhoodianas como bien decían por estos cyberlares.

Lo que más me gustó: volver a oír a Max Steiner, un compositor cinematográfico todoterreno aún por valorar.

Rodada en condiciones extremadamente difíciles con escasísimos medios (el desmantelamiento de la industria y la precariedad de la producción obligaron a rodar en escenarios naturales) y recién culminada la liberación de la capital italiana.

Esta coproducción eurorea es una película sorprendente por la trama que trata (tristemente de actualidad) y la sensibilidad con la que la aborda el director. Quizás porque Vajda en nada sigue los consejos de Hitchcock y precisamente ha pasado a la historia del cine por historias infantiles llenas de ternura y sensibilidad alejadas de toda sensiblería cursi y comercial.

El plantel de actores es desconocido hoy día. El inspector está impecable en su papel de policía y a la vez psicólogo para preparar "el cebo" con que atraer al culpable, así como para investigar entre las niñas.

La película cuenta además con una buena fotografía en B/N de preciosos parajes suizos. Y sobre todo la banda sonora, que me gustó tanto que la grabé aún de forma cutre en un casette.

Es un western magnífico lleno de tensión que incluye un tema tan provocativo como el incesto pero lo mejor son las actuaciones de Rock Hudson y Kirk Douglas. El primero conforma un auténtico tipo duro del oeste, alejándose de personajes más amables que tuvo en otras pelis del oeste y Kirk sencillamente lo borda. Su socarronería pero su peculiar romanticismo no sólo embauca a las féminas de la peli.

No me acabó de gustar. Para salir de paso sería fácil decir que es una película menor de Hitchcock, que no todo pueden ser genialidades pero hay obras consideradas menores que sí son buenas.

Yo le preguntaría a Sir Alfred: ¿por qué eligió a Julie Andrews? y sobre todo, ¿por qué se empeñó en reforzar su look monjil y en que haga un papel de esposa fiel y abnegada?

¿Por qué el guión es lento y en ocasiones al espectador le da igual lo que ocurra?

¿Por qué Paul Newman aparece con menos bríos que en papeles parecidos (recuérdese El Premio)?

En fin, estarían los 3 en horas bajas.

Esta crítica cuenta detalles relevantes sobre el argumento de esta película

No puedo ser objetiva hablando de Kate, si me permitís de entrada esta familiaridad hacia una de las actrices a las que más admiro desde que era pequeña. La mejor actriz de todos los tiempos que además poseía una personalidad arrolladora y que nos regaló magistrales interpretaciones de mujeres como ésta abogada feminista y femenina.

Pero el regalo al espectador es doble pues nos encontramos con el entrañable Spencer que nos ofrece el contrapunto perfecto.

Ambos han establecido una relación de pareja formidable basada en el cariño y admiración mutua además de una sintonía de humor inmejorable. No en vano lo eran en la vida real, como se sabe.

La película se inicia con la escena del intento de asesinato por una mujer engañada de su marido y después asistimos a la reacción que provoca en el matrimonio formado por un fiscal de distrito y una abogada. El caso recaerá en él de oficio y ella se empeñará en hacerse con la defensa.

A partir de entonces asistimos a la clásica "guerra de sexos" que se establece de forma paralela entre el ámbitio profesional y el personal como bien establece el inolvidable Cukor con la fórmula teatral de separar las escenas. De hecho me gusta muxo ese realce q se observa en el mobiliario. Por ejemplo, cuando están en su habitación, las cortinas enmarcan las escenas cuál telón.

El guión es una maravilla de diálogos ingeniosos, ágiles pero q también destilan acidez e ironía.

Lo que más me gustó: maravillosa Judy Halliday quien tan sólo 2 años después fallecería prematuramente de cáncer.

La película que ofrece el tomavistas de la pareja en el campo. Supongo q serán reales pues además Katherine Hepburn tenía una granja en Connecticut.

Frases favoritas: "¿Qué es el matrimonio? Un contrato"

He leído que la película no ha envejecío bien. Quizás se refieren a la trama tan arraigada en el cine, y en concreto en los melodramas cincuentones de Douglas Sirk.

Este director no ha pasado a la historia como uno de los grandes. Seguro q los expertos lo tildan de artesano pues su mayor logro fue recuperar para el público de su época los melodramas de Stahl. Si hoy alguien se dedicara a lo mismo no-sé-con-cuántas piedras lo lapidarían.

En general no lo veo mal director, supo sacar provecho melodramatíco del inefable Rock Hudson y sus películas superaron ampliamente la etiqueta de "remakes".

Lo que más me gustó: la actuación de la Bacall. La chica hace un gran esfuerzo por independizarse "cinematográficamente" de Bogart.

Ver esta película sublime es asistir a una mágica representación artística. El mito literario, el escenario teatral y el lenguaje cinematográfico se conjugan de forma extraordinaria.

Partiendo de la representación teatral de Otelo asistimos a un homenaje precioso de lo que significan las reprensentaciones teatrales. Nunca se ha plasmado mejor la preparación artística de un actor ante su papel. Y mientras, el mito se hace carne. Lo que para el espectador racional del siglo XX puede ser esquizofrenia aquí se muestra como sublimacion de la esencia literaria de la figura shakesperiana. Todo ello aderezado con el lenguaje cinematográfico que nos proporcina Cukor: el ritmo narrativo in crescendo y el uso q hace los primeros planos, sobre todo en la parte final.

Ronald Colman está sencillamente magnífico. Del asombro de ver lo bien que actúa al sobrecogimiento que desprenden sus expresiones desagarradoras.

Para mí es la mejor comedia de las que rodaron Doris Day y Rock Hudson, que como se sabe es una de las parejas más carismáticas del cine, sólo superadas por la Hepburn y Spencer y que con sólo 3 películas (¡¡¡¿sólo 3?!!!) quedaron grabadas en la memoria cinéfila de medio mundo.

Esta trama me parece de la más divertida, aunque resulta igualmente equívoca, entretenida y colorista como las otras.

Lo que más me gustó: hace poco leí que fuera de rodaje Tony Randall no tragaba a Rock Hudson así que flipé con lo bien que "actuaban" los dos juntos.

Frases favoritas: el sermón que le lanza Rock Hudson a Tony Randall y esté repitiendo: "qué arbol, qué madera, qué lisa!". Hoy día encaja con el "empty your mind" del anuncio de tv.

"Es George Kimball !" (pero como lo pronuncia Tony Randall: es yorsss kimmbaaal)