Hubo un tiempo en que el género del western era considerado el género cinematográfico por antonomasia. Sin embargo, después de una etapa gloriosa, que llevó a una visión más crepuscular del género (así se le llamó), salvo algunas honrosas excepciones, los pistoleros y "cowboys" dejaron de aparecer en nuestras pantallas.

De alguna manera, el western, tal y como se dió a conocer en su época dorada hace tiempo que está muerto y enterrado. Las últimas aproximaciones, si bien comparten un espacio físico y temporal similar, son totalmente diferentes a los tiempos en que John Wayne, Gary Cooper, Kirk Douglas, Burt Lancaster y compañía cabalgaban por las amplias praderas americanas.

El director australiano John Hillcoat viene a certificar lo dicho con un film, que aunque ambientado en la polvorienta Australia de finales del siglo XIX, tiene una clara vocación de seguir la senda de un western. El protagonista, Charlie Burns (Guy Pierce) es un forajido que ha sido capturado por el capitán Stanley (Ray Winstone), junto con su hermano pequeño. El capitán un oficial inglés obsesionado por limpiar el nuevo país de malhechores le ofrece a Charlie la vida del hermano pequeño a cambio de la del hermano mayor, Arthur (Danny Huston), escondido en el desierto.

Charlie hará un recorrido que recuerda más a películas como "Apocalipse Now" o, por encontrar un western similar, "Dead Man" que no a films como "Camino de la horca" y similares. Un recorrido casi interior en los que tendrá que decidir a que hermano quiere sacrificar. Hillcoat nos ofrece un western claramente crepuscular, situado lejos de las conocidas llanuras o del universo fordiano que constituyó Monument Valley, y ambientado en un polvoriento desierto, construyendo un film seco, árido, áspero y con imágenes muy sugerentes y en ocasiones surrealistas, acompañado de la hipnótica música de Nick Cave. Cualquier parecido con un western clásico es pura coincidencia. Sin embargo, Hillcoat sabe huir de los convencionalismos, y situarnos una historia que hubiera encajado perfectamente en películas de la época. Eso si, con otra forma de contarla, y con otras implicaciones morales por parte de sus protagonistas. Interesante propuesta la que nos ofrece el cineasta australiano, con un fenomenal trabajo de guión y de ambientación.

Destacar además al siempre genial Guy Pearce, perfectamente acompañado por un reparto en que sobresalen las (aunque escasas) apariciones de Danny Huston, Emily Watson y John Hurt. También es cierto que algunos pasajes se hacen un tanto pesados y mareantes pero aún así se trata de un film que merece la pena su visionado.

Ha llovido mucho desde que el nombre de Will Smith se diera a conocer. Desde actor televisivo en una série juvenil dio el salto a la gran pantalla participando en películas de producción claramente comercial, hasta que desde hace unos años su aparición en películas más "serias" le ha valido la posibilidad de acariciar el oscar.

Desde entonces, casi cada año Smith busca esa estatuilla con ahínco, intentando aparecer antes de las nominaciones en producciones que puedan ser del gusto de la academia y de sus compañeros de profesión (que al fin y al cabo son los que votan). En esta ocasión Will Smith encarna a Robert Neville, un médico, aparentemente el único habitante de New York, que deambula sobre una ciudad que ha quedado desierta debido a un extraño virus que exterminado a gran parte de la población y ha convertido a la otra parte en una especie de fieras salvajes y peligrosas.

El film, dirigido por Francis Lawrence, tiene un cierto parecido a la exitosa "28 días", pero con más efectos especiales. La información que recibe el espectador es mínima, incluso los flashbacks son deliberadamente cortos y tampoco aportan demasiado a las incógnitas. De hecho, el guión juega a captar el interés del espectador con los numerosos interrogantes que se plantean al inicio del film, para después dejar varios hilos sueltos y resolver la historia casi de una forma brusca.

La actuación de Smith pasa por ser correcta, sin aspavientos, soportando sin problemas el peso del film, aunque no hay que olvidar que se trata de un papel más físico que estático. Si bien no se puede negar cierto parecido con la película de Danny Boyle, también hay que reconocer que sus responsables han buscado cierta distancia con el original, por lo que más que un remake, se debería considerar como un film paralelo. También es de agradecer que la duración del film es lo suficientemente acertada para lo que nos cuenta en definitiva, evitando alargamientos innecesarios.

Un film, en definitiva, que sin ser una obra maestra tiene muchos más aciertos que desaciertos.

Resulta cuanto menos curioso que hayan coincidido prácticamente al mismo tiempo dos películas muy similares en cuanto a planteamientos, trasladando a dos escritores de fama internacional a su propio universo creativo, y dando la visión que sus grandes obras literarias están sacadas de sus vivencias que sufrieron en sus própias carnes.

El realizador francés Laurent Tirard nos ofrece su particular versión sobre la vida de Moliere, aprovechando un hueco en su biografía. De esta forma vemos al joven Moliere(interpretado por Romain Duris), cuya compañía que se encarga de representar comedias y farsas no tienen el éxito esperado y está al borde de la bancarrota. Para conseguir algo de liquidez acepta el encargo de un burgués tan acomodado como ingénuo, llamado Jourdain (Fabrice Luchini) de ser su instructor en cuestiones de galenteo y requiebros amorosos. De la experiencia adquirida durante esa época (totalmente inventada), el joven Moliere sacará la inspiración para realizar las comedias que le hicieron inmortal.

Tirard realiza una excelente puesta en escena, y ambientación, traslando al propio Moliere a una de sus típicas obras en las que con fina ironía y sarcasmo se tocan temas como la falsa identidad, amores correspondidos y amores no correspondidos, hiprocresía e intereses creados acerca de las relaciones amorosas que de alguna forma el joven Moliere experimentará previamente en sus propias carnes, para después trasladar esas vivencias a los escenarios del teatro.

Tirard de hecho realiza una película muy teatral, en la que capta a la perfección el universo del personaje que quiere representar, quedano como resultado una elegante y entretenida comedia perfectamente interpretada ( a los citados Romain Duris y Fabrice Luchini hay que añadir a Laura Morante, Edouard Baer, Ludivine Sagnier, Fanny Valette) y que combina de forma fenomenal la comedia de enredo con tintes satíricos con el amor que es el verdadero motor del film. Un amor en ocasiones imposible lo que lleva a una mayor mordacidad, ironía y sarcasmo con ciertos modos y comportamientos de las clases más acomodadas. Estupenda recreación.

Una pareja joven que viven en New York, de donde es originario él, deciden pasar un par de días en París, en el piso que tiene ella. Este punto de partida que para muchas películas sería el inicio de un film de corte romántico, paradójicamente pondrá a prueba la estabilidad de la pareja.

La actriz Julie Delpy, dirige y protagoniza este film de aire sencillo, con facturación independiente que disecciona con cierta precisión y lucidez no sólo las relaciones de pareja en la actualidad, sino tambíén, las diferencias culturales entre dos países muy diferentes. Adam Goldberg da vida a Jack, la pareja norteamericana de Marion (Delpy), un tipo que se nos hace insoportable a los dos minutos de película debido a sus innumerables manías y neuras con que nos obsequia (tal vez, la directora quiere hacer una personificación de como se muestra su país fuera de sus fronteras).

Por otro lado, la realizadora nos ofrece una aproximación más personal y actualizada a conocidos films como "Dos en la carretera", pero huyendo de los tópicos que se le podrían suponer.

Más que mensaje lo que parece querer dejarnos la realizadora es una pregunta: ¿Hasta qué punto conocemos a nuestra pareja?. Evidentemente en el entorno habitual de cada persona es dificil averiguar cómo es realmente, y hay que sacarlo de su hábitat natural para ver como se comporta: es lo que sucede con Jack el cual fuera de la ciudad de los grandes rascacieles se siente como superman en Kripton: como uno más....o menos.

Por otro lado,

Dirigida por el gran director Alexander Mackendrick, el film, cuya acción transcurre prácticamente en una noche, sigue los paso de Sidney Falco (Tony Curtis) un agente de prensa que no duda en recurrir a cualquier método a su alcance para conseguir sus propósitos. Este recibe el encargo del poderoso periodista J. J. Hunsecker (Burt Lancaster) de alejar de su hermana a un guitarrista que está enamorado de ella. Mackendrick nos ofrece una visión de corrupción y amoralidad demoledora, mucho más intensa contra más poder se posee. En especial, la visión se centra en los personajes de Falco y de Hunsecker el uno un arribista, totalmente desprovisto de moralidad, y dispuesto a lo que sea para conseguir sus objetivos. Al mismo tiempo es el único de los dos que sabe perfectamente como es. Mientras que Hunsecker es un personaje poderoso totalmente cegado por el ansia de poder y la excesiva protección a su hermana pequeña le lleva a destruir a su novio, no por casualidad, el único personaje totalmente íntegro que aparece en el film. Aunque cercano a una estética de cine negro, por la temática, y por el juego de luces y sombras, el film es más una profunda reflexión sobre la corrupción en general, limitándose a mostrar los hechos sin tomar partido en ningún momento. Además de destacar las grandes interpretaciones tanto de Tony Curtis como de Burt Lancaster, excelente tambien el guión que funciona como un reloj en cuanto al recorrido que realiza el agente de prensa durante la noche, haciendo que todo encaje sin estridencias, así como la excepcional puesta en escena de los diferentes lugaras que visita durante su peculiar odisea. Una sensacional película, muy inteligente tanto en sus planteamientos como en sus resultados.

En algunas ocasiones, hay films que pese a ser de una calidad más que dudosa, consiguen algo que otros films mucho más cuidados, con más medios y más serios no consiguen: llegar al espectador.

Los motivos pueden ser diversos: una determinada escena, alguna frase repetitiva que se acaba instalando inconscientemente en el cerebro del espectador, su banda sonora, la aparición de algún personaje secundario que llena la pantalla.......Hay miles de razones para que una película sea recordada.

Sin embargo, esta película realizada a la mayor gloria de Andrew Dice Clay (un conocido humorista norteamericano), que interpreta a un, como él mismo se denomina, "detective rockanrolero", y que se ve envuelto en una absurda trama en la que se ven mezclados rockeros drogatas, "groupies", productores malvados y policias resentidos. Con todo ese cóctel, el realizador (Renny Harlin) nos ofrece un film que con una clara vocación no sólo de parodiar el mundo de la música y de las películas de detectives, sino de parodiarse a sí mismo.

Quizás el hecho de ser un film que no se toma para en serio a sí mismo es su principal baza, consiguiendo con una absurda y mal hecha trama, con frases pretendidamente memorables pero repetitivas hasta la saciedad, y con un personaje principal lleno de "tics" autoparódicos, un film de esos que al no tomárselo nadie en serio, se lo toman a broma, consiguiendo arrancar alguna que otra sonrisa del espectador y de paso consigue que pese a los innumerables defectos que posee, consigue sus 15 minutos de gloria en cualquier conversación entre amigos.

En los años 90, Helen Fielding publicaba una novela que iba revolucionar al público femenino: "El diario de Bridget Jones", retratando a partir de una joven inglesa, todos los traumas, miedos e inseguridades de las mujeres modernas que rondan la treintena. Naturalmente el éxito editorial no iba a pasar desapercibido para los productores cinematográficos y poco tiempo después Renée Zellweger aparecía en las pantallas asumiendo la personalidad de Bridget Jones,componiendo un personaje obsesionado con el peso, el tabaco y una relación más estable. A pesar del culto que vivimos en nuestros días, lo cierto es que solo unos cuantos, y unas cuantas, están contentos con el cuerpo que tienen, y ya no hablemos de las relaciones, por lo que es inevitable que un buen sector de la población femenina se sienta identificada con el personaje creado por Hellen Fielding. Lógicamente la segunda parte tanto de la novela como de su adaptación cinematográfica estaba cantada. Si en la primera parte dejamos a Jones con Darcy (interpretado por Collin Firth), en esta segunda parte parece que las cosas le van bien, sin embargo, las inseguridades vuelven a aflorar personificadas en la atractiva ayudante de Darcy, y en la sombra de Daniel Cleaver (Hugh Grant) siempre acechante. La directora del film Beeban Kidron, envuelve toda esta trama en un intento de mezcla entre la típica comedia americana de la época muda (la de los pasteles en la cara, resbalones, etc, también llamada "slapstick") con la conocida "screwball" de la comedia clásica americana, consiguiendo que el personaje de Bridget Jones pase a ser considerado con una neurótica cretina que por sus miedos echa a perder lo que tanto le había costado conseguir, y de paso nos ofrezcan una galería de resbalones, caídas y demás que la hacen parecer torpe, con lo que en esta ocasión hay una mayor distancia con el (torpe) personaje de Bridget Jones y su público femenino. En esta segunda parte es quizás el personaje de Hugh Grant el que más sale ganando, sobretodo porque Grant, demasiado etiquetado en comedias facilonas, mejora muchos enteros componiendo un personaje antipático, macarra, chulo y mujeriego (en las antípodas de lo que nos tiene acostumbrados). El film por lo menos hace pasar un rato agradable que en el fondo es de lo que se trata.

Rouben Mamoulian adaptó la novela homónima de Vicente Blasco Ibañez, ambientado en el mundo del toreo, algo que en los años 50 empezaba a ser bastante popular para los norteamericanos (que le pregunten a Hemingway o a Welles).
La historia se adecuaba bien a las temáticas típicas: un joven de condición humilde consigue gracias a su persistencia y a su ambición llegar a lo más alto, para allí olvidarse de los suyos e iniciar la posterior caída. En este sentido, lo único original es que estamos hablando de un torero (interpretado por Tyronne Power).
Sin embargo, el realizador, más que incidir en los momentos excesivamente dramáticos, típicos de este tipo de películas, buscó realizar un film más visual, más pictorico, con un uso del color cercano incluso a ideas pictóricas. De hecho hay escenas que recuerdan a conocidas obras de pintores españoles.
A pesar de ello, el film no desaprovecha buenos momentos de la relación del torero con las mujeres (en un triangulo que completan Linda Darnell y Rita Hayworth), ni las escenas de toreo (naturalmente rodadas por un especialista), que intercalan planos de la acción con planos de la mujer del torero y su madre rezando ante un crucifijo, escuchando a través de las paredes los vítores de los espectadores y mostrando su sufrimiento en primer plano.
El texto de Blasco Ibañez es lo sufientemente sólido para mostrar una historia muy del gusto de Hollywood de la época al que Mamulian supo imprimir vida, y sobretodo color, sin necesidad de derivar el film hacia el melodrama.

Western dirigido por Robert Aldrich, el film de aire claramente crepuscular y fronterizo a la vez narra el enfrentamiento entre Dana Stribling (Rock Hudson) y Bren O'Malley (Kirk Douglas) un pistolero que tiene perversas intenciones acerca de dos mujeres, Selle Breckenridge (Dorothy Malone) y su hija Missy.
Las circunstancias harán que tengan que plantearse una tregua para llevar el ganado de Stribling más allá de Rio Grande. Naturalmente, Aldrich explota al máximo la enemistad entre los dos protagonistas, al mismo tiempo que tensa la cuerda obligándoles a entenderse aunque sea circunstancialmente. De todas formas, entre el íntegro Dana Stribling y el pendenciero O'Malley, Aldrich deja claro su favoritismo.Las simpatías del director se muestran claramente hacia el pistolero, sobre el cual compone un ambiguo retrato en el que resalta tanto su brutalidad y falta de escrúpulos así como otros gestos que demuestran la humanidad del personaje (excelentemente interpretado por Kirk Douglas), sobretodo en lo que se refiere a su relación con la hija de Selle, componiendo con todo ello un relato muy poético y desmitificador de un tiempo y una época que se terminan al igual que con la luz del atardecer llega la oscuridad.
Aldrich nos ofrece un western, uno de los mejores que realizó, lleno de poesía, avanzándose al ocaso de un género que ya prácticamente nos había ofrecido sus mejores obras.

El guionista Tony Gilroy debuta tras las cámaras con un relato crítico y con demasiadas buenas intenciones.

Michael Clayton (interpretado por un George Clooney desaliñado para la ocasión) es un abogado de éxito pero que lleva varios años sin pisar un juzgado. Su especialidad son los acuerdos precisamente para evitar los juicios. Sin embargo, un buen día, su mejor amigo, el también abogado Arthur (Tom Wilkinson) parece perder la cabeza justamente cuando tiene entre manos un caso muy importante y delicado. Esto generará una convulsión en el modo de ver las cosas del cínico Clayton, y se decidirá a actuar.
El film viene a denunciar la actividad, no solo de determinadas empresas (en este caso una compañía química, pero podría haber sido cualquier otra), sino de los buffetes de abogados que las protegen de todo mal. El film tiene sobretodo implicaciones éticas, ya que esta contado desde el punto de vista de estos abogados que han perdido sus valores (y sus escrúpulos) en favor de una vida acomodada, hasta que finalmente despiertan del adormecimiento en que estaban sumidos.

En este sentido, el film no ofrece nada nuevo, ya que no es la primera película en la que alguien que ha basado toda su vida en una mentira o en un fraude reacciona y ayuda a socavar a la organización que antes había formado parte. En definitiva, un relato plagado de buenas intenciones, que arroja una mirada crítica sobre determinados males de la sociedad, protagonizada por un George Clooney que parece haber emprendido una cruzada en ese sentido (teniendo en cuenta su participación en films como "Buenas noches y buena suerte" y "Syriana").

Al igual que el protagonista está detrás de una mirada crítica desde su posición de estrella cinematográfica. De todas formas Tony Gilroy compone un buen film, bien amarrado a un guión efectivo, y contado a buen ritmo, contando además con buenas actuaciones, además del propio Cloony, destacar a un eficaz Tom Wilkinson y la aparición del propio director Sidney Pollack, en un papel que parece la continuación de la interpretación que ofreciera en "Eyes wide shot", personificando y justificadno el pensamiento de estas empresas y corporaciones que pretende denunciar el film.

Quizás el principal problema del film es que transita por un camino por el que ya han pasado otros cineastas, aunque intenta revestirlo como si fuera algo nuevo. De todas formas es un film interesante.

Los hermanos Coen, han conseguido, pese a que su producción cinematográfica ha tenido una trayectoria un tanto irregular y errática, crear una cierta expectación cada vez que estrenan una película.
Parecía que los dos hermanos volvían a sus orígenes. Sin embargo había un detalle curioso, y es que el film se basaba en una novela del escritor Roger McCormack.
Una vez visto el film, si hubiera que ponerle un adjetivo a lo visto, el primero de la lista sería (al menos en mi caso) el de desolador. La historia no puede ser más simple: Estamos en algún lugar fronterizo entre los Estados Unidos y México, mientras está de caza, Llewelyn (Josh Brolin) se tropieza casualmente de dos millones de dólares, iniciando una huida mientras le persigue un despiadado asesino, Anton Chigurh (Javier Bardem). El tercero en liza es un viejo policía (interpretado por Tommy Lee Jones) que intenta seguir el rastro de ambos. Rastro únicamente identificable por el reguero de cadáveres que van dejando a su paso.
Posiblemente esta sea una de las películas más extrañas que hayan realizado los Coen. Extraña sobretodo en el sentido en que no parece un film típico de los Coen. El humor negro, la ironía y los excesos típicos de los Coen apenas tienen presencia en esta película. Con un punto de partida sencillo, tres hombres que se buscan por diferentes motivos, los Coen construyen un film en el que las elipsis son tan importantes como lo que nos muestran las imágenes. O incluso más. De hecho, los tres protagonistas parecen moverse en círculos sin llegar a encontrarse nunca. En contínuo movimiento. Y todo ello con una puesta en escena totalmente depurada, sin banda sonora, sin excesivos diálogos, con paisajes prácticamente deshabitados, habitaciones de motel baratas. Los Coen confían en la fuerza de su imágenes, secas y contundentes a la hora de mostrar la violencia, y de un universo particular que parece casi deshabitado (imágenes que quedan impresas en la retina inlcuso pasados unos días), en un ejercicio de estilo totalmente depurado, y en la interpretación de los tres protagonistas entre los que sobresale por encima de ellos Javier Bardem.
No hay duda que es el personaje más suculento de los tres, pero Bardem lo borda. Su composición del peculiar asesino Anton Chigurh es impresionante, su presencia se hace omnipresente a lo largo de toda la película, no como un Dios, sino más bien como una especie de diablo, conjurado para liquidar prácticamente todo lo que se mueve, que aparece aquí y allá, y que parece indestructible.
Aunque el que acaba conteniendo la verdadera esencia del film es el personaje de Tommy Lee Jones, el cual, desde una posición mucho más estática, y es el único que, con un planteamiento tremendamente pesimista, ve que la forma de acabar de dar vueltas es justamente detenerse de una vez, aunque.....
¿Cuándo dejarías de buscar dos millones de dólares?

Dentro del género de aventuras, y a remolque del éxito de títulos como "Excalibur" y sobretodo "Conan el Bárbaro", apareció un subgénero en los años 80 que se podría llamar de "espada y brujería", en cuyas películas el mundo estaba dividido básicamente en dos categorías: los guerreros y los brujos. En estas películas, el protagonista de turno, luciendo un atuendo en el que básicamente sólo quedaban cubiertas las partes más indecorosas y luciendo una poderosa musculatura, se enfrentaba a un brujo (o varios, según el film) que le hacía la vida imposible. Esbozado de esta forma tan simplista, "Willow" se ajusta bastante al patrón señalado. Sin embargo, a finales de los 80, la fórmula estaba empezando a desgastarse. Y cuando detrás del film se encuentra alguien tan conocido como George Lucas y un director como Ron Howard, el film lógicamente se iba a salir de los patrones normales. Es por esto que la imaginación de George Lucas unida a la dirección de Ron Howard se plantearon algunas diferencias para hacer más atractivo el film, sobretodo pensando en el público que había hecho multimillonario a Lucas: El infantil. En primer lugar, el protagonista no es precisamente un guerrero con una musculatura tan impresionante como su espada. En realidad, Willow es un enano que por azares del destino tiene que salvar a un bebé de las garras de una malvada bruja. Y aunque se había perdido la esperanza durante los primero minutos, efectivamente hay guerrero. Un joven y todavía poco conocido Val Kilmer. Sin embargo no es el guerrero al uso que se podría esperar, aunque en el momento adecuado sabe estar a la altura. En definitiva, el film narra el periplo que tienen que recorrer tan singular pareja para poder salvar a la niña y de paso descontar una bruja menos de la faz de la tierra (media?). El film, cuando menos, es entretenido, con alguna que otra escena de acción y con cierta dosis de comedia, lo que de esta película una cinta de acción dulce....Tal vez demasiado dulce a la que el paso del tiempo ha perjudicado notablemente.

Christopher Nolan, realizador que se dio a conocer con "Memento", nos ofrece en esta ocasión una película que tiene muchos puntos de contacto con la citada. En primer lugar, nos describe una obsesión, si en aquélla ocasión, nos hablaba de la (única) obsesión de un hombre con problemas para retener nuevos recuerdos, que buscaba a los asesinos de su mujer, en esta nos presenta la rivalidad de dos hombres y su obsesión por ser el mejor. Y en segundo lugar, Nolan vuelve a jugar con el tiempo de la historia, ofreciéndonos un montaje con contínuos saltos en el tiempo, no en el punto extremo de "Memento" en que nos explicaba la historia al revés, pero sí que consigue, con las idas y venidas en el montaje, el mismo efecto de crear cierta confusión en el espectador, consiguiendo de esta forma acaparar su atención, además de cierta desorientación.
De hecho, es como si el film fuera, en sí mismo, un truco de magia, en el sentido en que nos presenta el film siguiendo las tres partes en que se divide un truco de magia:
Primero el mago/director muestra algo ordinario, pero, como es de esperar, probablemente no lo sea. En este caso lo que en principio parece una típica histora de venganzas y rivalidades entre dos personalidades antagónicas, se convierte en algo más: una verdadera obsesión por ser el mejor y superar al otro.
En el segundo acto el mago/director hace que ese algo ordinario realice algo extraordinario. La obsesión de los personajes llega a tal extremo que están dispuestos a llegar a dónde sea y pasar por encima de quien sea para conseguir sus propósitos. Y en esta línea se puede enmarcar la aparición del personaje de Tesla, cuyo invento será fundamental en un desenlace que combina los géneros de ciencia-ficción y terror. Nolan, juega con el truco preferido de los magos: la desaparición, pero lo lleva a un punto en que creemos que hay algo extraordinario en el truco que lleva a cabo Christian Bale y algo ordinario con un envoltorio extraordinario en el que lleva a cabo Jackman.
En el tercer y último acto, llamado El Prestigio. LLegan los giros y los cambios inesperados, y finalmente la explicación final, pero como se dice en la película, en realidad, el espectador no quiere saberlo porque lo cierto es que quiere que le engañen.
Simplificando mucho esta explicación se podría explicar perfectamente a cómo funciona el mundo del cine, en el sentido que durante dos horas (a veces incluso más), vivimos una ilusión, un espejismo, como si el cine ejerciera la función que antes hacían los magos.
Nolan ambienta su historia a finales de siglo XIX, momento de grandes descubrimientos, que son perfectamente integrados para narrar el enfrentamiento entre los dos magos. A destacar las excelentes interpretaciones de la pareja protagonista, Hugh Jackman y Christian Bale, muy bien secundados por un excelente Michael Caine.

De cine de Ken Loach se han dicho muchas cosas. Las palabras más repetidas a la hora de hablar de sus películas son "cine comprometido" o "cine social". De hecho la mayor parte de la fama de de Ken Loach se debe a películas con claros tintes sociales denunciando abiertamente en sus films de los años 80 la política de Margaret Thatcher en los años 80 y 90. Aquí en España particularmente le conocemos por su visión del lado republicano en la guerra civil española en el film "Tierra y Libertad".
También en esta ocasión Loach retrocede en el tiempo para explicarnos una parte controvertida de la historia británica como fue la cuestión de Irlanda a principios de siglo XX. Pero desde el punto de vista irlandés. La situación en Irlanda después de la I Guerra Mundial era un verdadero polvorín. Tras las elecciones de 1918 en los que el Sinn Fein consiguió la mayoría, cuyos miembros rechazaron reconocer el parlamento británico y en su lugar crearon la Dáil Éireann, declarada ilegal por Inglaterra y que sólo fue reconocida internacionalmente por Rusia. Esto supuso una situación de guerra entre irlandeses e ingleses. En la lucha por conseguir el reconocimiento internacional se llegó a un acuerdo anglo-irlandés a finales de 1921 por el que se reconocía el Estado Libre Irlandés a 26 de los 32 condados de Irlanda, mientras que los otros 6 formaban Irlanda del Norte zona bajo mandato británico. Sin embargo este punto y otros también polémicos significó una escisión entre los partidarios del tratado y los que opusieron a él por considerarlo insuficiente.
Es en este contexto previo al acuerdo cuando Loach sitúa el inicio de film, centrando la acción en las áreas rurales de Irlanda para retratar la toma de conciencia de un joven irlandés que no puede escapar a las circunstancias que rodean a su pueblo y a los suyos. Toma de conciencia que es llevada hasta sus últimas consecuencias. Loach no puede evitar introducir su discurso de claros tintes socialistas en una zona empobrecida, no sólo por los terratenientes (hay una escena que recuerda directamente a "Tierra y Libertad"), sino por la situación de guerra encubierta que retrata perfectamente. Asimismo, el único pero que se le puede achacar al film es un cierto maniqueismo, aunque es muy posible que no exagere demasiado en la brutal actuación del ejército inglés en aquélla época. También se le puede achacar al film un exceso de gotas sensibleras en el desenlace de la historia. Con todo, Loach realiza un film bastante más completo al centrarse más en una historia (tal vez real o que intenta ser realista) y quedando un poco más dosificada en esta ocasión su militancia socialista.

De entrada comentar que no he visto nada anteriormente de su director, Daniel Sánchez Arévalo, y el primer film que veo de él me pareció una muy buena película. Al margen de la eterna discusión sobre el cine español/cine americano, creo que esta película merece ser comentada independientemente de este dilema.

Una vez vista, lo primero que me vino a la mente fue un comentario de John Ford, que hizo a propósito de una discusión que tuvo con uno de sus colaboradores sobre la posición de la cámara en el inicio de "El hombre tranquilo" cuando llegaba John Wayne en tren a la estación de Innisfree (creo que se escribe así); el director de fotografía le sugirió hacer una panorámica con el tren llegando, John Ford le respondió: "¿Tú cuando hablas con alguien le miras a los ojos o te subes a una silla?". Y eso es lo que me parece esta película, que más que estar viéndola parece que me la están contando de frente. Una historia muy cercana, emotiva a veces, dura en otras ocasiones y con una muy acertada descarga de la tensión dramática en la historia paralela que protagoniza el personaje de Sean/Andres que consigue un perfecto contrapunto a un film que tiene un tono general muy triste, y equilibra a la perfección el film.

A mi entender la película tienen un claro tema carcelario. No sólo de la cárcel donde donde están encerrados los personajes de Antonio y Paula y se conocen por casualidad en un taller (un medio de escapar de la dura realidad de la vida de la prisión), dos personajes encerrados por motivos diversos, incluso no llegamos a saber porqué está encerrado Antonio, algo que al final no importa para nada, y que intentan escapar por todos los medios posibles, sobretodo Paula, que busca desesperadamente quedarse embarazada para tener una vida mejor dentro de la cárcel. También es una cárcel la vida de Jorge, acentuada esta percepción con diversos planos de la entrada de la portería a través de unos barrotes. De hecho prácticamente todos los personajes del film son vistos a través de estos barrotes demostrando el encierro que sufren todos ellos: El padre encerrado en sí mismo, Jorge atrapado por unas circunstancias de las que intenta salir desesperadamente, Antonio que pasa de la cárcel a vivir en una casa de donde fue expulsado, Paula cuya vida pasó del cielo al infierno sin casi ni enterarse, Natalia atrapada por el cariño que siente por Jorge y que no acaba de aclarar sus sentimientos y Andres atrapado en su casa con un doble dilema sobre las inclinaciones sexuales de su padre y suyas própias.

En resumen una película hecha con mucho sentimiento, que sientes como muy cercana y próxima. Una película que no te deja indiferente y que una vez que empieza no puedes dejar de verla a ver que pasa a continuación. Un director a tener muy en cuenta en el futuro por mi parte.