Excelente demostración de como utilizar una misma idea para desarrollar y engarzar dos tramas tan diferentes como es un proceso judicial para intentar esclarecer unos hechos bastante ambiguos y la descomposición sentimental de un matrimonio aparentemente normal (aunque curiosamente disfuncional en sus roles). Todo ello visto y contado desde la perspectiva del hijo ciego, lo que termina de envenenar esa separación entre la realidad y lo que percibimos. Algo en lo que también se parece querer insistir en el primer diálogo de la película.

A nivel visual es fascinante como enfatiza el concepto de caída mediante múltiples referencias a niveles y desniveles, con muchos planos en escaleras, pendientes, y otros elementos verticales como la estructura del estrado del juicio, incluso ya desde el primer plano de la película donde vemos como una pelota rebota mientras cae ordenadamente por una escalera. Pocos elementos se dejan al azar y todo ello invita a un nuevo visionado de la película, lo que es un buen indicador para una película que roza las dos horas y media pero que transcurre como un suspiro, otra nueva demostración de que lo que percibimos muchas veces se aleja de la realidad.

Lo mejor: El engarce entre la ambigüedad para esclarecer los hechos de la caída que se investiga en el proceso judicial, y en la caída emocional del matrimonio protagonista.

Lo peor: En algún momento el espectador puede sentir la sensación de estar siendo manipulado como cuando aparece repentinamente la grabación de audio.

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Sorprende lo reconocibles que pueden llegar a ser todos los arquetipos del western en una película rodada en el páramo danés, estas señas son parte del encanto de una película muy poderosa visualmente gracias a una cuidada producción y ambientación de la Dinamarca de mediados del siglo XVIII que se nos presenta con una grandiosidad que muy poco tiene que envidiar a los grandes escenarios naturales de Texas o Arizona.

El guion no se queda atrás y consigue que percibamos con toda su crudeza, la eterno lucha de la voluntad humana, ya sea contra una naturaleza implacable o contra un destino que "nunca será como lo imaginamos", son interesantes las reflexiones que nos plantean sobre los límites de la ambición, en cualquiera de sus vertientes según el bando en que nos encontremos.

Una actuación de Mads Mikkelsen tan destacable como contenida, de nuevo en el papel de un perdedor rodeado de perdedores combatiendo al caos en busca de causas tan dignas como perdidas, en este caso... de la tierra prometida.

Lo mejor: El poderío visual que tiene toda la película, incluido el aura que desprenden todos y cada uno de sus personajes.

Lo peor: La relación con la aristócrata Edel es imprescindible para el desarrollo de la trama pero resulta bastante endeble en su planteamiento.

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Película honesta rodada sin más pretensiones que poner el foco y proporcionar otra visión sobre un tema tan denostado como el turismo de bajo coste al que se entregan gran parte de jóvenes europeos, sobre todo del Reino Unido. La perspectiva que plantea esta joven directora se basa en sus propias experiencias y nos muestra desde dentro como funciona esa válvula de escape que lleva siendo utilizada por toda una generación de jóvenes que intenta hacer un paréntesis en una vida gris, con apenas incentivos y ambiciones. Nunca se estira la trama hacia momentos extremos o escabrosos porque así sucede en la gran mayoría de las veces, incluso pone de manifiesto las nubes y sombras que acechan en este tipo de situaciones, siempre con mucha naturalidad y empatía hacia sus personajes.

Sin ser una gran película, es interesante porque había que contar la historia desde otro punto de vista, y conseguir tender un puente hacia otras generaciones que nunca han hecho un gran esfuerzo por entender un momento clave de la vida que ellos tuvieron también que afrontar a su manera.

Lo mejor: Ritmo frenético, tipo montaña rusa de la que uno sólo consigue bajarse cuando llegan los títulos de crédito.

Lo peor: Que el perfil de espectadores que deberían acercarse a esta película nunca lo harán por motivos evidentes.

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Un intenso thriller que crece y se transforma hacia géneros más oscuros e inquietantes, perfectamente enmarcado desde la calidez y el colorido de un París lleno de vida y energía hasta los grises y gélidos escenarios nevados de Montreal. Y un personaje protagonista que entra en una espiral sugerida desde unos preciosos planos al comienzo de la película. Impecable la actuación de Marc-André Grondin para perfilar en cada momento la evolución su personaje.

Aunque todavía no he terminado de asimilar por qué algunas de las decisiones que toma Ellias Barnès se nos presentan tan disparatadas. Me gusta la idea de que, precisamente en ese momento, es cuando se nos rebela que ha heredado algo más que una dolencia cardíaca y, por lo tanto, el más tenebroso componente de la condición humana no obedece a razones formales. Entonces la cosa cambia, y mucho, desaparecen las grietas del guion y el resultado es mucho más elegante, consistente y terrorífico. Al fin y al cabo hay que salvaguardar esas apariencias que están permanentemente cuestionadas en el punto de mira de la película.

Lo mejor: El cierre de la película con la portada es fantástico y muy sugerente ...

Lo peor: Algo no se ha contado correctamente cuando nos cuestionamos las decisiones que toma el personaje protagonista y que son cruciales para el desarrollo de la trama.

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Excelente guion que sabe manejar con gran destreza los delicados equilibrios necesarios para que funcionen este tipo de películas: los juegos de poder a tres bandas entre profesores, alumnos y padres, la sutil raya que separa la certeza de lo que nos gustaría que fuera cierto, la diferencia entre el conflicto personal y el conflicto abierto, la inevitable sucesión de causas y consecuencias que se nos escapan de las manos.

Se agradece que la propuesta no se quede en los típicos dilemas morales de tener que decidir entre la razón o el corazón, ni que se recurra a estereotipos de películas de este género como el acoso o la marginación. Hay nuevos fantasmas en el horizonte como la desinformación, los bulos o la viralidad que se perciben con fuerza entre las tramas de la película, llegando a conseguir que dudemos de lo que hemos visto con nuestros propios ojos.

Una película muy apropiada para la reflexión y el debate, sobre todo en entornos educativos, sobre como afrontar las diferentes resoluciones de conflictos que, a pesar de su aparente insignificancia, pueden ser mucho más complejos que ordenar las caras de un cubo de Rubik.

Lo mejor: Como todo funciona a las mil maravillas para exprimir todo el potencial del guion sin necesidad de eclipsarlo; la producción, actuaciones, el montaje...

Lo peor: El final deja con ganas de más desarrollo y menos preguntas en el aire.

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El cine argentino sigue demostrando su capacidad analítica para observar la realidad a través de diferentes prismas y transformarla en interesantes propuestas cinematográficas que siempre suelen usar la comedia negra y el humor satírico para envolver contenidos mucho más profundos y reivindicativos, a menudo relacionados con los problemas político -económicos que han acosado este país desde hacia varias décadas.

No me parece mala la idea de utilizar la enconada contienda de los dos protagonistas por una cátedra en la universidad como un espejo de las dos sociedades que luchan por sacar adelante el país, pero no termino de encajar los elementos de comedia algo grotescos que aparecen en la primera mitad de la película, pueden acercar a espectadores menos avezados en dobles lecturas pero restan credenciales al peso global de la película, sin aportar nada a cambio.

Lo mejor: Actuaciones fantásticas de todos los actores, desde ambos protagonistas hasta papeles más secundarios como el de la señora Amelia y su sirvienta.

Lo peor: La sensación de que el cine argentino (con proyección internacional) ya nos ha contado lo mismo muchas veces y en diferentes formatos.

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Algunas películas funcionan por por el boca-boca, pero "La estrella azul" funciona por el corazón-corazon, por esa extraña energía vital que fluye desde el corazón de su protagonista y desde el equipo que ha hecho posible esta película hasta el corazón del espectador, que se para y acelera al ritmo de una música e imágenes rebosantes de admiración y de respeto por la historia de Mauricio, incluso de cierta ingenuidad en su planteamiento.

Desde el punto de vista musical, se percibe una absoluta melomanía que sostiene toda la película y le proporciona un ritmo y calidez en los momentos donde el guion tiende a ser más laxo y relajado. Por otra parte, todas las road-movies intentan describir la transformación de sus personajes pero la mayoría de las veces las circunstancias del viaje toman las riendas y la metamorfosis queda en un segundo plano; en este caso vuelve a percibirse el gran esfuerzo hecho para transmitirnos esta historia, y la particular estrella azul que ha supuesto para todos aquellos que han colaborado en este proyecto tan hermoso y vitalista.

Lo mejor: Es una buena idea derribar la cuarta pared al final de la película para mostrarnos un par de escenas adicionales sobre el casting y el rodaje, consiguen que la historia traspase la pantalla y todo lo visto sea mucho más cercano y vivido.

Lo peor: Algunos personajes importantes para Mauricio como su hermano o su madre, resultan algo borrosos en su definición.

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Una propuesta muy interesante donde todos y cada uno de los apartados del película brillan con luz propia pero que no consiguen ensamblarse de la forma adecuada para que la película consiguiera la aclamación absoluta que se merece.

La primera sorpresa es el planteamiento de la película al mostrarnos Auschwitz en el "fuera de campo" más grande que se haya concebido cinematográficamente, sólo el sutil audio que sobrevuela continuamente por todas las escenas nos conecta con los horrores que se producen al otro lado de la valla que separa la Residencia Höss del mayor campo de exterminio de la Segunda Guerra Mundial.

El lenguaje cinematográfico es tan elegante como moderno, disecciona de forma casi quirúrgica, la anodina vida de los Höss en contraposición de lo que no se muestra pero todos sabemos (ojo al póster donde queda definida esta idea a la perfección), todo se nos muestra desde ópticas ajenas, en ocasiones como si fueran las grabaciones de un sistema de videovigilancia.

Quizás el problema puede ser que la película no plantea ningún conflicto (excepto el que no se nos muestra...) incluso de ciertos cambios de ritmo de la película, ya que algunas elipsis sobre temas tan interesantes como los engaños entre el propio matrimonio son muy sutiles y haberlas desarrollado un poco más podían haber servido para contrarrestar otras partes del guion que se hacen demasiado alargadas, incluso reiterativas. Ya sabemos que el mal tiene también su parte anodina pero no hay necesidad de insistir en ello.

Lo mejor: Todo lo relativo al audio de la película, protagonista casi absoluto de muchas de las escenas, incluidas la apertura y el cierre de la película.

Lo peor: No consigo encajar la pieza del epílogo de la película donde vemos las operaciones del mantenimiento del museo Auschwitz en la actualidad...

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Parodiar y satirizar el cine de superhéroes es un reto que a muchos se les ha atragantado y se han quedado en el intento, pero Quentin Dupieux ya ha demostrado moverse bien en aguas tan pantanosas y consigue poner en pie una película tan divertida como disparatada, no apta para mentes cuadriculadas y ancladas en los encorsetados patrones del cine más academicista.

Se hace difícil de recomendar este tipo de cine porque el despiporre está mal visto en ciertos círculos donde no se valoran características como la frescura, la imaginación o jugar con los límites de lo políticamente incorrecto. Y este es el verdadero valor de esta película, creer en este tipo de proyectos y lograr sacarlos adelante para que un sector del público los disfrute. Porque hay que reconocer que este tipo de cine, o se disfruta intensamente o se te hace bola al tercer fotograma.

Lo mejor: los minirrelatos incrustados en la película son unas joyas con vida propia, pero me quedo con el relato de la trituradora, sin ninguna duda la parte más divertida de la película.

Lo peor: que no llegues a disfrutar de una película como ésta, simplemente porque elegiste mal el momento para verla.

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Efectivamente, Borgman no trata de una home-invasion. Lo que estamos viendo es una mind-invasion en toda regla. Me gusta pensar en los Borgman como en los personajes de la fantástica Inside-Out de Pixar pero diseñados con el patrón de una película de Haneke.

Los Borgman son unos diminutos entes que están dentro de nosotros (bajo tierra), suelen estar aletargados, pero en ocasiones hay algo que los agita y hace que que se remuevan de sus madrigueras y salgan a flor de piel (a veces la Iglesia y sus ideas también puede tener relación con esta revolución como sugiere el inicio de la película).

Los Borgman de Marina se activan el día que ve a su marido propasarse sin motivos con un extraño. De repente ese día le ve con otros ojos, como si fuera un desconocido, ya no es el mismo, ya no será el mismo. Aunque hay un Borgman que pone en alerta a Marina, luego aparecen otros a la llamada: el miedo, la soledad, el rencor. A los Borgman les gusta mucho jugar con los sueños, los utilizan para desestabilizar un poco más a Marina y van ganando fuerza con artimañas emocionales.

Curiosamente ahora Marina percibe mejor la realidad de su alrededor, los Borgman le han hecho ver que su marido le maltrata física y psíquicamente, que está perdiendo el contacto con sus hijos y se rebela ante todo ello. Pero los Borgman también hacen que no seamos conscientes de nuestros actos y que a veces paguemos las consecuencias con las personas que nos rodean y que menos culpa tienen, como es el caso de los jardineros (se envenena su relación con él y lo despide, lo saca de su vida, lo arroja al pozo de los recuerdos olvidables).

Como pasa en muchas ocasiones, la vida no ayuda en estas situaciones y despiden al marido de Marina (que a estas altura ya debe tener también sus Borgmans bastante agitados), nuevos Borgmans aparecen y no ayudan precisamente. Como pasó con los jardineros también culpabilizamos de todos los males al novio de la niñera y corre la misma suerte que los anteriores.

Y al final llega lo inevitable, y le toca el turno a Richard, tiene que desaparecer de su vida, pero ¿y los niños? ¿serán también pasto de los Borgman? ¿serán de nuevo los perjudicados de una situación que es ajena a ellos? ¿esta situación hará que los propios Borgman de los niños que ya se han instalado dentro de ellos se empiecen a agitar?

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Siempre suele ser relevante la primera imagen que vemos en una película, en este caso vemos a unos pescadores que extraen un red con varios peces atrapados en la misma, una bonita forma de introducir lo que será el nudo argumental de la película en general y el destino de su protagonista en particular.

La película es un thriller altamente entretenido que, según manifestó su director, está inspirado en "El nombre de la rosa" y que se desarrolla en ese particular Vaticano del mundo musulmán que es la la madrasa de al-Azhar tan fascinante como desconocida, pero que termina siendo tan corrupto y manoseado como el que conocemos.

Lo mejor: a pesar de que si miramos con lupa hay grietas en los diferentes apartados artísticos, el conjunto resulta muy resultón y deja muy buenas sensaciones.

Lo peor: hay algunos detalles del guion algo desajustados, algunos momentos Deus ex machina (como el descubrimiento del secreto del jeque) que provocan algunos trompicones en la fluidez de la historia.

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En las primeras escenas de la película se nos muestra con detalle como se constituye el jurado para el juicio de Laurence Coly, el proceso queda cortado para indicarnos que somos un miembro más del jurado. Al final de la película la abogada se dirige directamente a nosotros, mirándonos a los ojos para hacer su alegato de conclusiones finales ¿Hemos estado atentos? ¿Tenemos nuestra propia conclusión de los hechos? ¿Hay un motivo para razonable que justifique los hechos juzgados?

Hasta ahora no hay mucha diferencia con otros dramas judiciales, la diferencia en esta película se llama Rama y es la escritora que acude al juicio para documentarse para su próxima obra y descubre con asombro un alter-ego que acecha en su subconsciente, ¿hasta que punto llega a empatizar con Laurence? ¿Hubiera sido capaz ella de plantearse algo parecido?

Evidentemente estamos en una película donde prima la reflexión sobre la diversión. Toda la puesta en escena está al servicio de que nuestros sentidos estén concentrados al máximos en las palabras, en los gestos... Una película perfecta para debatir porque cada uno se habrá agarrado a un hilo argumental diferente, habrá recopilado piezas de información diferentes y, por supuesto, emitirá un veredicto diferente.

Lo mejor: Brillante guion, sobre todo las declaraciones de Laurence que consiguen que visualicemos su vida y emociones simplemente a través de sus palabras, en varios planos estáticos tan largos como intensos.

Lo peor: Lo complejo que resulta recoger todas las señales que la película nos deja por el camino para poder completar todo el puzzle emocional de sus protagonistas, sobre todo el de Rama, que deberemos reconstruir con apenas información.

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Hay un tipo de cine que está hecho para ser contemplado, analizado y desmenuzado. Y hay otro tipo de cine que sirve para ofrecer una pausa a la rutina diaria del espectador; un paréntesis que le ofrezca el entretenimiento, la diversión y la magia necesarios para afrontar el día a día. Aunque algunos puedan minusvalorar este tipo de películas, son en realidad muy apreciadas porque tampoco abundan en el panorámico cinematográfico actual, incluso algunos las denominan joyitas. Y "El inocente" es una de estas películas.

La combinación de comedia sentimental y cine de atracos funciona a la perfección para entretener de principio a fin, el guion tiene una dosis de humor tan efectivo como inteligente, y el planteamiento y puesta en escena tienen la calidad para que el resultado sea mucho más digno que otros títulos con mayores pretensiones. El resultado no es una gran película, ni será un título de culto, pero seguro que es una de esas películas que podremos recomendar a cualquier perfil de espectador con ganas de pasar un buen rato, lo que no es poco.

Lo mejor: Louis Garrel, teniendo en cuenta que es el director, guionista y protagonista de la película.

Lo peor: el cierre de la película es algo abrupto, no digo que no sea satisfactorio pero digamos que corta el buen rollito que se había generado en el climax del último tramo de la cinta.

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Es evidente el peso y alcance del mensaje que tiene esta película, eso no lo pongo en duda. Pero no me termina de convencer la forma en la que se pone en escena. Utilizar la violencia explícita, me parece un recurso demasiado sencillo para impactar al espectador, y una forma de alejar un mensaje tan importante a un determinado grupo de personas que se sienten incómodas ante cierto tipo de imágenes. Por poner un ejemplo del cine iraní, el director Asghar Farhadi es mucho más elegante a la hora de crear una tensión similar a la de esta película pero con otros elementos mucho más sutiles.

Dicho esto, la película es un auténtico torbellino desde el mismo preámbulo de la misma. Un torbellino que nos desnuda emocionalmente y que cuando parece que va a darnos un respiro (en el momento del juicio) es cuando comienza a sugerirnos la verdadera crudeza de la historia, la auténtica naturaleza del conservadurismo religioso y misoginia en el mundo islámico. Ojo, porque está basada en hechos reales de hace dos décadas, pero la percepción es que nada ha cambiado y podían haber tenido lugar la semana pasada.

Lo mejor: actuaciones contundentes y de referencia para dos personajes tan complejos como decisivos para sostener todo el peso de la película.

Lo peor: que ciertas escenas puedan ser demasiado violentas para alejar a un grupo de espectadores a los que es necesario hacer llegar el valioso mensaje que contiene esta película.

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Hay películas buenas y hay películas bonitas, y ésta es una de esas películas bonitas, yo incluso diría que preciosa. Nunca ha sido sencillo describir en que radica la belleza, donde se esconde; aquí se nos propone buscarla en los ojos de los niños, en la inocente mirada de una niña de ocho años que sólo necesita que la acepten y que la cuiden para dar lo mejor de si misma.

Es increíble como conseguimos sumergirnos en el mundo de Cáit a partir del momento de su llegada a la nueva familia y comienza a descubrir con ella todo un mundo lleno de luz, de una manera tan candorosa, sin apenas palabras y con una fotografía oprimida a un formato casi cuadrado que transmite a las mil maravillas la opresión que siente Cáit con todo lo que le rodea.

Aunque la factura de película parezca minimalista hay multitud de detalles que dejan un reguero de información sobre cada personaje, un lenguaje universal que no necesita de palabras ni de grandes explicaciones pero que es donde reside la verdadera narración de la película; de forma muy sutil cada gesto va cambiando y no necesitamos de más palabras ni giros de guion para saber como se está recolocando el puzzle emocional de Cáit y sus padres adoptivos. De nuevo aparece la belleza de lo sencillo, de lo que percibimos como puro e inocente.

Lo mejor: la sencillez y el minimalismo con el que se nos presenta y transcurre toda la historia, eliminando todo lo superficial (casi hasta las palabras) para que la conexión emocional con la protagonista sea plena.

Lo peor: quizás estén demasiado polarizados los dos ambientes de la película, sobre todo el de su familia directa donde absolutamente todo parece estar en su contra.

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Las películas cuya trama se desarrolla en sanatorios mentales siempre son dadas a manipular al espectador para que esa fina línea que separa el mundo real de la locura siempre sea más o menos difusa a conveniencia del director, algo que ya sabemos que es del agrado de Oriol Paulo. El resultado deja buenas sensaciones y el exceso de metraje sirve para intentar perfilar con más o menos acierto las mentes de sus protagonistas, aunque muchos e interesantes personajes secundarios queden al margen. Se compensa con una buena producción visual que se recrea en el atractivo que tiene hoy en día la década de los setentas.

Lo mejor: Buena fotografía, producción visual y una Bárbara Lennie que progresa como uno de los grandes valores del cine español.

Lo peor: Aparte de esa extraña sensación de ser manipulado por el director a su conveniencia, es una película que perderá fuerza fuera de las salas de cine.

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Buena producción e interesante punto de partido en un futuro distópico que va decayendo a medida que avanza el metraje. Destaca todo el entorno donde se situa la película, tanto en el espacio (esos fascinantes paisajes helado de las costas nórdicas) como en el tiempo (un incierto futuro distópico que ni se explica ni necesita ser explicado). Una pena que la falta de pretensiones del guión perjudique tanto el resultado, porque el resto de los elementos, actores incluidos, está a la altura de lo que hubiera sido una de las producciones más interesantes del año.

Lo mejor: Buen planteamiento donde el hostil entorno geográfico se complementa a la perfección con ese inquietante futuro distópico,

Lo peor: Un guión bastante plano que termina de saltar por los aires en el último tramo de la película, absolutamente innecesario.

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Resulta tremendamente original comprobar como se utiliza un lenguaje cinematográfico tan clásico como el western, para indagar en temas tan actuales como la identidad sexual, la represión o las apariencias. Yo no veo por ningún lado la cacareada deconstrucción del género que muchos proclaman. Creo que todo se ajusta a los cánones del género y que el resultado es, simplemente, el excelente trabajo narrativo llevado mano a mano por su directora y un acertadísimp reparto que exprime al máximo el potencial de cada uno de los personajes.

Se agradece un guión intenso, con los recovecos necesarios para que nunca decaiga la tensión y, especialmente, la capacidad de volver a sorprender justo en el último tramo de la película ofreciendo uno de esos finales que ofrecen un valor añadido a todo lo que hemos visto. Y si le añadimos un excelente trabajo fotográfico y una BSO a la altura de la narración, el resultado no puede ser otro que una de las películas más interesantes del año 2021.

Lo mejor: Excelente gestión de la tensión en diferentes escenas de la película, capaces de incrementar poco a poco una presión que sólo remitirá con uno de los mejores finales que hemos visto últimamente en la pantalla.

Lo peor: La primera mitad de la película puede ser un falso espejismo de lo que estamos viendo; al fin y al cabo es parte del juego de falsas apariencias esta película nos propone.

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Buen ejemplo de ese cine con fuerte carácter reivindicativo, que siempre apreciamos en nuestros vecinos franceses, pero parece que ponemos en duda cuando se realiza en nuestro país. El recorrido de su director en este subgénero tan peculiar es incuestionable, poco a poco consigue engarzar de la forma adecuada un guión donde el fondo es más importante que lo que se cuenta, y la trama es una mera excusa en si misma. Se agradece esquivar todo carácter épico o demagógico que la historia pudiera tener, y que pone de manifiesto que muchos grandes avances de nuestra sociedad empiezan por pequeñas acciones individuales.

Lo mejor: Consigue alcanzar perfectamente las expectativas de este tipo de cine con un componente más social y reivindicativo. Unas expectativas donde lo cinematográfico se queda en segundo plano.

Lo peor: "Mojarse" un poco más en algunos momentos de la película, y no precisamente en el sentido literal de la palabra.

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Asghar Farhadi es el único director que ha conseguido llevarse dos veces el Óscar a la mejor película internacional en los últimos 50 años, un mérito más que importante dado el nivel y competitividad de dicha sección. Con esta película sigue demostrando que su manejo de la intriga y el suspense está a la altura del mismísimo Hitchcock.

Hay dos cosas que siempre me han parecido las señas de identidad de Asghar Farhadi y que en esta película se pueden volver a confirmar. Por un lado la capacidad de gestionar la intriga que tiene este director, generando a partir de una mínima premisa toda una bola de nieve argumental de las que es difícil escapar. El segundo aspecto, pero no por ello menos importante, es la capacidad tan fascinante para abrir esa ventana cinematográfica que nos permite contemplar la realidad social de su país, un Irán bastante lejano de los tópicos occidentales que pueblan nuestro subconsciente y que enmarca perfectamente las historias que nos quiere contar.

Lo mejor: La capacidad que tiene Asghar Farhadi para tejer sus historias con todo tipo de fibras y el vigor y la fuerza del resultado final.

Lo peor: Algunos dicen que es algo reiterativo con "Nader y Simin" o "El viajante", a mí me gusta más verlas todas como parte de una fascinante trilogía...

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