Cuidado con los thrillers españoles. Sabemos hacerlos, les tenemos cogido el puntillo, pero siempre tendemos a ponerlos por las nubes (supongo que no nos queda otro remedio si queremos que la gente vaya a verlos). El caso es que muchas veces el espectador llega a la sala con expectativas muy altas, y aunque se encuentre con una buena película, él posiblemente creyera que iba a ver una de David Fincher o Christopher Nolan. A ese nivel aún no hemos llegado, siento decirlo.
El caso es que El cuerpo venía avalada por un reparto solvente y una mercadotecnia brutal. Sobre lo segundo ya me he referido. Lo primero es lo que me llamó la atención. Esperaba a un José Coronado brillante: solo está correcto. Esperaba a una Belén Rueda brillante: tal vez sea el peor papel de su carrera, con un personaje basado en tópicos e interpretado muy superficialmente. Esperaba a un Hugo Silva ídolo de las nenas y mascullando el guion: tal vez tenga aquí el mejor papel de su carrera. Cosas del cine.
¿Qué cosas me gustan de El Cuerpo? Principalmente dos: su condensación temporal (todo ocurre en una noche) y su jugueteo con distintos géneros, como el terror, el suspense, el policiaco, etc. Oriol Paulo maneja bien la cámara y la narración, pero hay que reconocer que la película arranca bien, pero se empantana durante algún tiempo en su tramo central, y luego quiere resurgir en su resolución final, que es un salto sin red. La resolución roza la inverosimilitud, resulta muy difícil de creer. Creo que es un giro que puede ser lógico, pero tal vez no esté bien explicado, a pesar de lo mucho que se detiene la película en dar explicaciones; puede que simplemente sea cosa de que la historia cojea y por mucho que se desmenuce, algo chirría.
Por todo esto, que nadie piense que El cuerpo es la última esperanza blanca. Es un thriller con buen pulso y bien narrado, pero con muchas esquinas que limar. Para ser un debut, no está mal, pero no es el peliculón que nos han vendido.

Una película sobre los orígenes del rock and roll, a mi juicio, siempre merece un visionado, aunque sea nada más por el tema y la buena música. Cadillac Records tiene todo esto y además, ofrece una historia ágil, sencilla, con unos personajes muy atractivos y una factura visual muy trabajada. Aunque en apariencia parece una película simplemente correcta, Cadillac Records tiene algo que hace que no te puedas despegar de la pantalla; puede que sean las distintas personalidades de los protagonistas, la magnífica banda sonora o el ambiente recreado, pero yo disfruté como un enano.
Además, es un film al que todo el mundo puede acercarse, pues no está enfocado a expertos en música ni nada por el estilo; Cadillac Records es sencilla dentro del complejo mundo que tiene que poner en imágenes, y sabe captar la atención de la audiencia sin necesidad de aspavientos, sino a base de buenas interpretaciones y un guion donde se capta la verdadera esencia de la época.
Sin duda, recomiendo esta película. Es una película para dejarse llevar, para conocer otro mundo y para regalarse los oídos con algunas de las mejores canciones de la historia. La cultura popular es sin duda parte de nuestra vida, y Cadillac Records sabe narrar con fuerza y sencillez los primeros pasos del rock and roll. Una magnífica oportunidad para conocer un pedacito muy importante de nuestra cultura musical.

Todos los años, una pequeña película independiente se cuela en la quiniela de los Oscar. Este último año sorprendió la última película de David O. Russell, El lado bueno de las cosas, que se hizo nada más y nada menos con una nominación para todos los actores, tanto principales (Bradley Cooper y Jennifer Lawrence) como secundarios (Robert De Niro y Jacki Weaver). Finalmente el Oscar fue para el más joven de ellos, Jennifer Lawrence, pero justo es reconocer que el reparto es lo mejor, sin duda, de esta película.
Los tres actos del film son dispares. No puedo afirmar rotundamente que El lado bueno de las cosas sea una película, aunque tal vez en su asimetría, en sus vaivenes resida su atractivo, al igual que ocurre con los personajes. El caso es que el primer acto es un poco titubeante, te descolocan los diálogos casi atropellados, tan realistas que a veces cuesta seguirlos, y los personajes aún no despliegan sus encantos. El segundo acto, tras la entrada de Lawrence, es lo mejor, con unos personajes realmente cautivadores, interpretados en estado de gracia por un Bradley Cooper llamado a ser muy grande, una Jennifer Lawrence con una cantidad de registros espectacular, una Jacki Weaver sólida y un Robert De Niro que por fin deja atrás el piloto automático de la última década e interpreta a un personaje muy curioso y lleno de matices. El que no pueda puntuar más alto a esta película es por culpa del tercer acto, que, aunque bien ejecutado y entretenido, no evita tópicos y resuelve de manera simplona y predecible.
A pesar de ello, me reafirmo en que esa asimetría, esa narración con múltiples aristas es uno de los encantos de El lado bueno de las cosas. Es una película donde de verdad lo importante son los personajes, sus motivaciones, sus metas y sus problemas. Para ello, David O. Russell no podría haber encontrado un cast mejor. Eso sí es de diez.
El lado bueno de las cosas es una gran película. Tal vez no sea perfecta, pero sabe cómo gustar al gran público ofreciendo personajes y situaciones diferentes. Encuadrarla en el género de comedia romántica es hacerle un flaco favor a este nuevo triunfo del ingenioso David O. Russell.

Para su octava colaboración con Johnny Depp, Tim Burton ha optado por adaptar un serial de los 70 en el que un vampiro llamado Barnabas resucita dos siglos después de su muerte y se encuentra con dos problemas: adaptarse al mundo moderno y enfrentarse a los problemas que tenía en vida, que no han desaparecido del todo. Además, conocerá a los últimos familiares de su linaje y descubrirá que él no es el único raro de la familia.
Sombras tenebrosas es una película divertida, sobre todo en su arranque, en la presentación de los personajes. Como todas las películas de Burton, lo excéntrico y lo estrambótico dominan la pantalla, pero en esta ocasión la sensación es también de intrascendencia, de que lo que estoy viendo es divertido pero inane. Burton suele crear personajes "raros", muy fuera de lo común, pero no les suele faltar su corazoncito, nos suelen cautivar de distintas formas. Aquí no. Me reí con estos personajes, pero no los quise, no me sedujeron, no me preocupaba lo que les pasara. Ese es uno de los principales handicaps de Sombras tenebrosas.
Eso sí, los fans de Burton volverán a relamerse con la ambientación y la factura visual del film. Los actores, por su parte, cumplen bien con su papel y se divierten; Johnny Depp tiene más que interiorizados este tipo de papeles, Chloe Moretz vuelve a reivindicarse como joven estrella a tener en cuenta, Helena Bonham Carter tiene un papel intrascendente, Michelle Pfeiffer y Jonny Lee Miller correctos, Jackie Earle Haley tiene sus momentos y Eva Green está pasadísima de rosca (hay que reconocer que su personaje invita a ello).
No es la mejor obra de Burton, pero Sombras tenebrosas es divertida y desenfadada. Tiene algunos gags chocantes, la historia está contada con buen ritmo, aunque en algún momento desbarre. No es el mejor Burton, pero tampoco lo pretende. Es un divertimento hecho con buen gusto y muy atractivo visualmente.

De nuevo, Gus Van Sant vuelve a explorar el mundo adolescente, esta vez con una historia de amor entre dos jóvenes atraídos por todo lo relacionado con la muerte. Entre funerales y paseos por cementerios, esta atípica pareja desarrollará un profundo vínculo que, sin embargo, está condenado a ser breve.
En el primer tramo, Van Sant despliega todo un arsenal de originalidad y esboza un retrato bastante interesante de los dos protagonistas. Ante todo, quiere que tengamos claro que son dos personas muy especiales, y que sus destinos se cruzan en un momento especial de sus vidas. Como digo, esta primera mitad enamora. Pero la segunda mitad repele. Parece que a Van Sant, de repente, se le agotan las ideas, se cansa de golpe, y tiene que recurrir a topicazos y clichés del más puro cine comercial. Llega a ser sonrojante en algún momento el batacazo narrativo de nuestro director. Cierto es que al final la historia puede emocionarte, pero percibo que Van Sant no ha sido honesto y que me ha forzado mucho para arrancarme esa emoción. La prueba está en que no dura, no te conmueve durante un buen rato y no te invita a la reflexión.
Respeto mucho a Van Sant como director, pero si por algo se caracteriza su filmografía es por su irregularidad. En Restless, Van Sant demuestra su talento solo al principio, para luego deslizar su historia por toboganes muy trillados. No estamos ante una obra maestra, aunque no podemos despreciar sus virtudes, como su originalidad para retratar la personalidad de los personajes o la magnífica interpretación de Mia Wasikowska.

Chronicle es un golpe de originalidad y talento tan estupendo como inesperado. La película de Josh Trank parte del más absoluto realismo (acentuado por la filmación cámara en mano) para contar lo que en el fondo es una historia de superhéroes, en este caso tres adolescentes normales, con sus problemas, sus miedos y sus ilusiones. La cuestión que la historia plantea es cómo asimilarías que de golpe eres la persona más poderosa del mundo, que puedes hacer cualquier cosa, pero, por supuesto, no puedes contarlo ni mostrarlo porque nadie te creería. El eterno dilema del superhéroe, contado desde una perspectiva menos grandilocuente, desde una perspectiva más dramática y realista.
Inevitablemente, Chronicle parece tener como referente estético más inmediato a Monstruoso. Lo que hizo Monstruoso con el subgénero de los monstruos es lo que quiere hacer Chronicle con los superhéroes: desautomatizarlo, arrancarle los tópicos para mirarlo desde otra óptica, tanto en el fondo como en la forma. El resultado es muy interesante: una película directa y muy entretenida, sin necesidad de caer en lugares comunes. Tal vez el final sea algo desmadrado, pero es creíble. Los personajes evolucionan de forma natural y su problemática no es nada artificiosa. En la parte técnica, los efectos están muy conseguidos y no rompen con el realismo de la cinta.
Chronicle es una de esas pequeñas joyas que merecen ser descubiertas. Su sencillez y la inteligencia de su guion, sin rastro de pretenciosidad, la hacen aún más grande. Muy recomendable.

Esta va a ser una crítica de un lector de la novela de Kazuo Ishiguro en que está basada la película. Es más, leí la novela y a la semana escasa vi la película. Por tanto estableceré algunas comparaciones, pero sin ser demasiado prolijo. Vamos allá.
En primer lugar, he de decir que tiene mucho mérito atreverse a adaptar Nunca me abandones. Por muchas razones: es una novela con unos personajes muy complejos psicológicamente, no podríamos encuadrarla en un género determinado ni de coña y su argumento necesita mucha sensibilidad y mucho cuidado a la hora de ser adaptado si no se quiere caer en el ridículo. La novela es absolutamente maravillosa, pero adaptarla bien al cine es bastante difícil.
Pues bien, Mark Romanek tras la cámara y Alex Garland en el guion han conseguido que el gran público pueda apreciar la riqueza de la novela y su extraño planteamiento. De verdad, es muy difícil, pero lo han hecho. Evidentemente, no se puede captar en hora y media la complejidad de la novela, pero sí han narrado muy bien su trama y han capturado la esencia de los personajes sin caer en la superficialidad. Mi aplauso más sincero para los dos.
Y por supuesto, el trío protagonista está magnífico. Keira Knightley cumple, Carey Mulligan vuelve a enamorarme y Andrew Garfield quizá sea quien más sorprenda al espectador. Su personaje, bastante extraño, va ganando capas y al final es quien más emociona a la audiencia. Los tres están magníficos y desprenden una química increíble.
Nunca me abandones es una magnífica adaptación de una magnífica novela. Recomiendo tanto la novela como la película. Ambas te cautivan totalmente, a pesar de su aparente frialdad. No puedo olvidar la historia tan triste y tan hermosa de Tommy, Kathy y Ruth.

El debut de los hermanos Pastor en Hollywood fue esta historia post apocalíptica que intenta reinventar este subgénero del terror, muy de moda últimamente. Siento decir que técnicamente es buena, pero es una película que no muestra garra en ningún momento, que no llega a las entrañas, que no muestra pasión a la hora de narrar. Parece que los directores están demasiado pendientes de filmar correctamente, y se olvidan de que una película de terror no tiene por qué ser correcta, e incluso muchas veces encuentra su alma en la incorrección.
Infectados nos cuenta una buena historia (a pesar de su previsibilidad), pero, desgraciadamente, sus personajes no le acompañan. Son puro cartón piedra. Como espectador, nunca me importó lo que les pudiera pasar. Cuando vi las cartas que jugaban los hermanos Pastor, seguí viendo la película porque el género me gusta y esperaba algún alarde de originalidad. No llegó nunca lo que yo esperaba, pero la película terminó antes de hacerse pesada; sus escasos 80 minutos son llevaderos, aunque inanes. Termina la película e inmediatamente se olvida. No deja nada para el recuerdo.

Esta comedia intenta hablarnos, de manera desenfadada, de la experiencia del embarazo y de la paternidad. Lo hace con historias cruzadas, con pequeñas historias de personajes muy distintos que ilustran diversas actitudes y comportamientos en relación con el tema. Aunque el resultado es simpático y medianamente agradable, ya se sabe: el que mucho abarca, poco aprieta, y eso es lo que le pasa a Qué esperar cuando estás esperando, que no puede ser redonda porque todas sus historias no están al mismo nivel.
Sinceramente, me la esperaba peor. Me esperaba un bodrio sensiblero con tufillo a conservadurismo. No es así. La película es bastante relajada, apuesta claramente por el humor antes que por la moralina y nos deja disfrutar de unos actores que no están sublimes, pero que nos descubren su lado más divertido, sobre todo las mujeres.
Aunque la película parece más orientada a un público femenino, los hombres pueden echar algunas risas con ella, por qué no. No es la mejor comedia del año, ni mucho menos, pero al menos no resulta estomagante, como el 90% de ellas.

La tesis de Habitación 237, sostenida por las cinco voces de críticos de cine que participan en ella, es que El Resplandor es más que simple cinta de terror. Además de una gran película de un cineasta genial, El Resplandor, basada en la novela de Stephen King, parece esconder mensajes y guiños ocultos que se pueden interpretar como claves dentro de la producción artística del director inglés.
Ante todo, Habitación 237 es un documental divertido, tanto por su desmenuzamiento bastante serio de la película en sí, como la exposición de algunas teorías cercanas a la paranoia o, como mínimo, a la más pura sobreinterpretación. Cada espectador será libre de juzgar lo que se expone en el documental, que, eso sí, no quiere imponer opinión alguna. Quien sea fan de Kubrick o solo de la película, disfrutará como un enano.

Rian Johnson debutó hace unos años con Brick, una mezcla de géneros bastante particular que resulta impactante y desconcertante a partes iguales. Al frente de ella puso a un desconocido Joseph Gordon-Levitt, un actor que con el paso del tiempo ha sabido labrarse un camino donde la profundidad y la inteligencia de sus papeles no está reñida con la comercialidad.
Brick es una propuesta bastante sorprendente, sobre todo por su extraña manera de ambientar la acción. El escenario de esta atípica historia de gangsters es un instituto, pero no sus aulas, sino sus alrededores, donde parece desplegarse toda la fauna sórdida de una ciudad gris e inhóspita. Allí, nuestro protagonista sigue el rastro de su novia desaparecida, y se verá envuelto en todos los tejemanejes de una siniestra banda de contrabandistas.
El esquema seguido por Rian Johnson es el del cine negro, pero sus imágenes evidencian la influencia de muchos otros géneros. Brick puede verse como un compendio de cine popular, con ribetes "cool", que hacen que el argumento cobre variadas dimensiones; puede que Brick no sea un prodigio narrativo, pero Johnson demuestra que sabe filmar películas estéticamente novedosas y muy interesantes en sus hallazgos visuales, además de estar muy dotado para caminar por la cuerda floja del homenaje y la parodia sin caerse, sin perderse en los posibles recovecos de la narración.
Llevaba mucho tiempo queriendo ver Brick, y mucho más después de ver Looper. Rian Johnson es un director muy inteligente, que está haciendo un cine que me recuerda mucho a los comienzos de Christopher Nolan. Ojalá Johnson crezca tanto como él, y siga ofreciéndonos estas historias tan ingeniosas, de estilo tan inconfundible, en las que se respira un conocimiento profundo y fresco del arte cinematográfico.

Las películas de Guy Ritchie son rápidas, con muchos giros y tramas alocadas. Son historias tensadas al máximo, llevadas al límite. Pero Revolver ya es demasiado; con ella, Ritchie quiere ir más allá de sus historias de gangsters, y en su afán por romper sus propios límites vuelve loco no solo a sus personajes, sino a todo espectador que se atreva a seguir la trama.
Revolver comienza bien, con un primer cuarto de hora que me da lo que espero de una película de Guy Ritchie. Pero tarda poco en torcerse, y empieza a coger un camino lleno de medias tintas, de subtramas mediocres y de misterios de la mente, que no hacen más que embarullar la historia y hacer desertar a sus devotos. Revolver agota, te mete en el cuerpo la sensación de que no va a ningún lado, y lo triste es que la esperas y la esperas, a ver si Ritchie la levanta, pero eso nunca llega a pasar; al contrario, cada minuto que pasa es más letal que el anterior. Resumiendo: no hay por dónde cogerla. Yo tuve que desistir, por mucho que me pesara.
Revolver tiene un par de escenas bastante bien resueltas, de las que quedan para el recuerdo, pero son como una leve brisa en el desierto. Una pena, porque Guy Ritchie siempre ha demostrado ingenio para urdir sus películas, pero aquí ha pinchado en hueso. Es más, parece (en serio) que aquí se le fue la cabeza totalmente.

Sácame del paraíso es el enésimo intento por mi parte de encontrar un grato divertimento para pasar hora y media, y el enésimo chasco. Esta comedia parece que va a encontrar un filón en el tema ciudad/campo y en una parodia del mundo hippie, pero es sorprendente la poca imaginación que tiene y la nula capacidad para crear un gag en condiciones más allá de los chistes de sal gorda y las situaciones burdas.
También es el enésimo truño de Jennifer Aniston, muy acomodada en estas tonterías, junto a un Paul Rudd pésimo. Creo que esta pareja ya aburre. Pero es que el resto no está mejor. Justin Theroux hace lo que puede, Malin Akerman se dedica a lucir cuerpo y el papel de Alan Alda creo que le degrada como actor. No pido maravillas en este tipo de películas, solo que me hagan reír. Sácame del paraíso está a años luz de conseguirlo. A la basura con ella.

Si Roland Joffé no hubiera sido el realizador de esta película, no pasaría de bodrio manipulador y sectario. Pero con un buen director al frente, este panfleto pro-Opus al menos tiene algún detalle salvable y una historia entretenida, a pesar de que la manipulación y la hagiografía siguen estando presentes. Tal vez, tratando de quien trata esta película, esperaba encontrarme algo repugnantemente parcial, y al final solo me encontré una película parcial.
Si algo se puede salvar de Encontrarás dragones es precisamente la historia que engarza con la de Escrivá de Balaguer, no la del propio Escrivá, que no pasa del más puro y apasionado panegírico. La otra historia retrata con destellos de buen cine la vida cotidiana durante la guerra civil, a pesar de su parcialidad. Pero más allá de eso, la película de Joffé no tiene mucho más; su estructura parece interesante al principio, pero conforme avanza la película parece innecesaria, porque embrolla la trama. Sus personajes no pasan del cartón piedra. A cambio, sí tenemos una bella y cuidada ambientación de la España dividida en dos.
Encontrarás dragones está llena de manipulación (al fin y al cabo la paga quien la paga), pero al menos tiene buen gusto en la puesta en escena y puede que durante buena parte de la trama el espectador tenga interés en conocer el devenir de sus personajes. El final decepciona y aburre un poco, pero es que si hay una voluntad deliberada de esconder ciertas partes de la historia real, pues... En fin, ni la recomiendo ni la dejo de recomendar. Es una película simplemente correcta, que se deja ver, pero que ni hace pensar ni te conmueve. No llega ni a la razón ni al corazón.

Una de mis fobias declaradas es David Trueba. Creo que su infame Bienvenido a casa me marcó profundamente, y sus apariciones y entrevistas en televisión tampoco contribuyen a tener una mejor percepción de él (recuerdo que en una entrevista dijo: "Spielberg ha hecho mucho daño al cine"). El caso es que mi desconfianza hacia su cine es total, pero Madrid, 1987 es un primer paso para que seamos amigos.
Entonces, ¿por qué quise ver Madrid, 1987? No por David Trueba, está claro, pero sí por el inmenso José Sacristán y la sensual María Valverde, una pareja bastante atípica que funciona a las mil maravillas. En segundo lugar, me llamó mucho la atención el argumento y el planteamiento casi teatral de la historia. Y por último, me interesó mucho la época que quiere retratar, en plena Transición, ahora que se cuestiona tanto su legado. Todos estos componentes fueron los que me animaron a encerrarme en el baño con esta maravillosa pareja de actores.
Aunque en algún momento los diálogos puedan resultar pretenciosos o artificiosos, reconozco a David Trueba su maestría a la hora de retratar a los personajes y el abanico de temas que quiere tratar. La extensa conversación de Sacristán y Valverde es un choque generacional en toda regla, duro, tenso, pero también hermoso. Trueba firma un buen guion con el que los actores pueden entregarse al 100%. Bravo.

Animal kingdom es una pequeña película que viene a ofrecer una nueva perspectiva de un género corroído por los tópicos. La película de David Michôd es la historia de una familia donde todos sus miembros trafican con drogas, de manera más o menos organizada, como algo completamente normal. Su rutina se va a ver interrumpida cuando la policía decida ir a saco a por ellos. En el medio de todo esto, nuestro protagonista, un adolescente que se ve abocado a introducirse de lleno en este turbio mundo.
Esta película australiana siempre adopta un enfoque realista, donde todas las acciones y reacciones de los personajes tienen un motivo y unas consecuencias. Aquí no hay glamour, no hay una visión mítica del gangster. Todo está contado desde la suciedad, desde las cloacas, a ras de tierra. No busquemos grandes escenas para adornarnos las retinas aquí, no las encontraremos. Sí vamos a encontrar unos personajes complejos, bien delineados y una atmósfera violenta, tensa hasta extremos insoportables, aunque eso no se plasme explíticamente en la pantalla; el espectador lo va a notar, lo va a sentir en sus carnes.
Esta película es todo virtud. Buena dirección, unos actores excepcionales y una factura visual atractiva a pesar de la aridez intencionada. Tal vez el ritmo flaquea en algún momento, pero la historia remonta sin problemas y sin necesidad de echar mano de giros de timón baratos. Quien sea amante del género gangster y quiera sorprenderse con un enfoque completamente diferente, no debe perderse Animal Kingdom.

Basada en la polémica novela de Lionel Shriver, Tenemos que hablar de Kevin plantea una pregunta muy delicada: ¿y si tu hijo tuviera un trastorno psicológico y su único deseo es hacer daño? ¿Y si tu hijo naciera con el único propósito de hacer daño a su madre? Difícil pregunta que puede ser respondida de manera tópica, o como lo hace esta película.
Lo curioso de Tenemos que hablar de Kevin es que no está enfocada desde el trastorno del hijo, sino del de la madre. El primer cuarto de hora de la película es una serie de imágenes inconexas que nos sumergen en la mente deprimida de la madre; este primer tramo de la película es un rompecabezas cuyas piezas tendrán sentido conforme avance la película. Hay que tener paciencia en este primer tramo, porque nunca hacemos tierra ni sabemos bien de qué se nos está hablando, pero puedo asegurar que la recompensa posterior merece la pena. Cuando la historia va encajando, entendemos el profundo dolor de una madre y el espeluznante comportamiento de un hijo manipulador, violento e insensible.
No estamos ante un drama al uso. Lynne Ramsay huye constantemente de cualquier tópico, desde la estructura hasta el retrato psicológico de los personajes. A veces puede resultar desconcertante e incluso un poco retorcido el planteamiento, pero termina siendo de una extraña y estremecedora eficacia. Además, contar con Tilda Swinton siempre es garantía de éxito.
Aunque tal vez sea un poco fría, Tenemos que hablar de Kevin aborda una realidad dolorosa e incluso tabú. Lanza muchos interrogantes y deja espacios para un debate intenso. Su planteamiento es muy interesante y no deja indiferente. Puede que no emocione, pero seguro que impacta. Ante todo, es una película diferente, difícil de etiquetar.

No puedo decir que Contraband sea una maravilla, pero al menos asegura un buen rato. Es directa, rodada con nervio y con una trama con giros y escenas de acción bien solventados, como requiere una buena película de este género. Quebraderos de cabeza, ninguno. Contraband sabe bien lo que es, y no aspira a más.
En el elenco tenemos a Mark Wahlberg, profesional de este tipo de películas, a una Kate Beckinsale florero y a un Giovanni Ribisi que quiere interpretar a un malo curioso pero el guion no le deja. Los secundarios, discretos y funcionales, como un buen árbitro de fútbol.
Todo esto por decir algo, ya que en Contraband no buscaba grandes interpretaciones. Lo que yo quería era un rato de evasión, y lo encontré. Eso no hay que menospreciarlo. Contraband es un entretenimiento bien realizado, que se ve con agrado, aunque, como también es previsible, no deja rastro en nuestra memoria al día siguiente de verla.

La delicadeza, adaptación cinematográfica de la novela de David Foenkinos dirigida por el propio David Foenkinos, es una película agradable, inofensiva, que desarrolla distintos aspectos del amor (archiconocidos) desde una perspectiva no demasiado novedosa, pero sin duda cautivadora.
Desde el dolor por la pérdida del ser querido hasta el reencuentro con el sentimiento amoroso de la mano de la persona menos esperada, La delicadeza se deja ver, a pesar de los tópicos a la francesa y cierta pretenciosidad en su estética, sobre todo en el primer tramo. La película sobrevive y ofrece sus mejores momentos gracias a una encantadora Audrey Tautou, que sufre, sonríe, se enamora, llora y se enfada como nadie. Su magnetismo es enorme, y aquí se ve contrastado de manera genial por un partenaire curiosísimo, un personaje gris en el que la protagonista encuentra una extraña felicidad, una nueva manera de vivir la vida. Un personaje que nos cautiva por su inocencia y bondad a prueba de bombas.
No es la película del año, pero La delicadeza pasó mi filtro gracias a que no es empalagosa y a que la pareja protagonista funciona a las mil maravillas. Si se tiene un poco de paciencia con ella al principio, La delicadeza empieza a tocar tierra y se va ganando al espectador poco a poco. Quien quiera una buena dosis de optimismo, no debe perdérsela.

Recuperada no hace mucho, Fear and desire es un largometraje de una hora de duración que cuenta la historia de un pequeño grupo de soldados atrapados entre las líneas enemigas. En ella podemos vislumbrar algunos destellos del genio de Kubrick, pero en conjunto no es una película estimable.
En Fear and desire encontramos algunos temas que serán recurrentes en su obra: la violencia, el conflicto bélico, la locura, el sexo, etc., todo ello dentro de una historia alegórica sobre el bien y el mal. Fear and desire, como decía, contiene destellos, pero es una muestra de lo mucho que aún tenía que pulirse Kubrick; es un ejercicio de estilo con imágenes sorprendentes, con situaciones curiosas, pero que adolece de cierta pretenciosidad, que no desarrolla bien los personajes y que precipita el final un poco. Además, algunos encuadres son bastante toscos, cuando no directamente torpes.
Fear and desire es una experiencia para coleccionistas, para quien quiera apreciar los comienzos de un director genial y único. Como historia, e incluso como planteamiento estético, su alcance e interés es limitado.