Me ha desconcertado esta película. Tiene un punto de partida muy jugoso: el protagonista deja embarazada a una compañera de trabajo, mientras busca tener un hijo con su pareja oficial. Todos sus actores - en especial Julieta Zylberberg - hacen un trabajo espléndido, delicado, emocional y lleno de matices. Y a pesar de que es una película pausada y que hay escenas en las que literalmente no pasa nada relevante, tampoco es tediosa.

Todo apuntaba a una de esas películas hermosas y sutiles sobre los pequeños dramas íntimos de cada cual. Lo frustrante es que con todos esos buenos elementos, es como si faltase algo. Da la sensación de que la historia se queda a medio hacer. Apunta a varios posibles caminos narrativos, pero no se introduce del todo en ninguno de ellos, ni queda claro la relevancia de alguna subtrama en la historia (la de la jefa temible, o la de los propios protagonistas). Es difícil llegar a alguna conclusión sobre lo que se contempla sin hacer un sobreesfuerzo de imaginación que ya no pertenece a ninguna sugerencia de su guion.

Una lástima porque realmente podría ser una muy buena película y te deja el sabor un poco decepcionante de una comida muy bien preparada, pero a la que alguien se le olvidó echar suficiente sal.

La tragedia de los Andes es una de las historias más increíbles de supervivencia que almacenamos en nuestra memoria colectiva.

Muchos la conocimos por primera vez en un cine, allá por los 90, gracias a la "¡Viven!" de Frank Marshall: una adaptación del libro homónimo que estaba bastante bien y que contaba con algunas escenas verdaderamente duras e impactantes. Hubiera podido quedarse como una versión definitiva muy potable, hasta que llegó "La sociedad de la nieve". Que replica las virtudes de la película noventera e incorpora unas cuantas más de su propia cosecha, convirtiéndola en una reformulación más grande, más larga, más emocionante y aún más dramática que su predecesora.

No sé si todos los detalles que se reflejan en pantalla son verdad. Dudo mucho que se pueda replicar con exactitud todo lo que vivieron estos muchachos, dado que además los propios supervivientes habrán hecho su propia reelaboración de lo que experimentaron. Pero es incuestionable la honestidad que rezuma. El periplo de este grupo realmente cala en el corazón; da la sensación de que su conjunto de jóvenes actores canibalizó, de alguna manera, el espíritu de aquellos fantasmas de la nieve, tal es la sensación de compañerismo, amistad y solidaridad que transmiten a lo largo de toda la historia. Es gracias a ellos y a un guion que alterna sabiamente diversos climas narrativos, que la impresión que nos queda al final sea inspiradora, aunque no esquive en absoluto el dolor y el desgarro.

¿Se pueden poner objeciones? Hay comentarios que se quejan de la duración, pero a mí tampoco me resultó excesiva. Lo larga que te resulte una película es algo muy relativo: si te entretiene, difícilmente te parecerá excesiva, más bien todo lo contrario. A mí no me aburrió y aprecio, además, que se introduzcan algo más que escenas "survival". Me conecta con los personajes no sólo que hagan avíos para sobrevivir, sino que se sienten a recibir el calor del sol, que fumen cigarrillos, que compartan rimas o que charlen entre ellos. El ser humano tiene la virtud de crear cotidianeidad incluso en las situaciones más inimaginables y esto también es parte del viaje, de la vivencia.

También hay reparos por la falta de especificidad psicológica de los personajes. Es claro que el mayor desarrollo corresponde a dos de ellos (Numa y Nando) y los demás están un poco desdibujados, de hecho a veces, es fácil confundirlos. Por otro lado, me parece complicadísimo que se trace una semblanza compleja de tantas personas/personajes. Entonces, la película tendría que ser mucho más larga y ahí sí que tendríamos más motivos para quejarnos.

"La sociedad de la nieve" no es la clase de proyecto que revolucionará nada, ni determinará una nueva manera de hacer cine. Pertenece a un orden distinto de películas: la clase de grandes obras populares que invitan al público a darse un baño de masas en los cines, a vibrar al unísono, disfrutando de una de las más sociedades más plenas y viscerales que pueden establecer las pantallas con el público: la sociedad de la empatía. Si no otra cosa, la película de Bayona es el perfecto enlace visual que nos conecta emocionalmente con las vivencias de otras personas. Su espíritu, sin duda, trasciende a su carne.

Tengo un recuerdo de infancia de una caja de juegos de mesa. Creo que era de Falomir. Tenía dibujado en un lateral un cartelito que me hacía mucha gracia, porque decía que era "para niños de 8 a 88 años". Debía ser una broma, pensaba yo al intentar imaginarme a una persona de 88 años como un niño. Qué poco sabía yo.

Por supuesto, "La canción del mar" es una de esas historias para niños de 8 a 88 años.

El espectador infantil encontrará un embrujador cuento lleno de mística irlandesa, críos aventureros e imágenes de arrebatadora belleza, mientras que el espectador adulto descubrirá exactamente lo mismo y muy adentro - como si fuera una cajita secreta escondida dentro de otra cajita más vistosa- un relato melancólico y desgarrador sobre la pérdida, los estragos del duelo y el eterno misterio de cómo volver a empezar.

Tomm Moore se consolidaba como uno de los animadores más brillantes del cine europeo con esta pequeña obra maestra, un extraordinario viaje físico y alegórico que nos recuerda que - como diría Herman Hesse - somos seres humanos y "vivimos tan sólo de nuestros pobres, hermosos y magníficos sentimientos."

Sin duda, disfrutable y emotiva para todas las edades. Pero siempre que sean niños, que sigan siendo niños.

Delicia absoluta esta aventura de espada y brujería ambientada en el extenso universo "D&D". Si eres un espectador casual, te vas a encontrar con una película de fantasía muy disfrutable, pero si eres jugador de rol o echaste a perder tu adolescencia (y volverías a hacerlo) con el "Baldur's Gate" y derivados, simplemente delirarás de placer.

No es una gran obra maestra, quizás simplemente porque no necesite serlo: es perfecta en su género, en su estilo y en su entrega incondicional al público, al que no sólo brinda entretenimiento, sino la experiencia de una verdadera partida de rol de mesa transformada en película. Las risas, las pifias, las subidas de nivel, las aventuras locas buscando tesoros en castillos llenos de trampas y la increíble experiencia de caminar por otros mundos, junto a tus amigos, a través del puro poder de la imaginación compartida. Lo único que le falta son los dados de 20 caras y un par de pizzas.

La alquimia cinematográfica que ha hecho todo esto posible es tan misteriosa como un elixir de inmortalidad, pero cabe sospechar razonablemente que gran parte de la culpa es de un buen puñado de actores dispuestos a asumir la aventura con pleno carisma y entusiasmo y a las buenas artes de dos directores que saben de lo que hablan y sobre todo, saben cómo contárnoslo. Divertida, simpática y entrañable al 100%. Que hagan cincuenta más.

Indudablemente, es una película noir.

E indudablemente, es una película de Guillermo del Toro.

La mezcla entre ambos genera un híbrido poderosamente estético, que mezcla los ingredientes clásicos del género con un toque barroco y freak que hace de ella una criatura tan inclasificable como un engendro cirquense.

Desde su primer acto, donde te invita a ser partícipe de una peculiar feria itinerante regida por Willem Dafoe, te va envolviendo con una peculiar atmósfera en la que magia y misterio se alternan con las peores miserias humanas. Sólo es un anticipo de lo que está por llegar. Independientemente de lo que suceda después, toda la historia está impregnada de destino, de tragedia, de fatalidad. No sabemos qué les va a suceder a los personajes, pero tenemos la constante sensación de que están caminando por la cuerda floja.

La trama, si no es nada del otro mundo, es entretenida y está bien llevada por su estupendo reparto. Destacable el personaje de Cate Blanchett, una mujer fatal tan fatal que casi está pasada de rosca, pero hace de su exceso una delicia muy divertida. Si la primera parte de la película es la más lograda, en la segunda todo gana enteros en cuanto aparece cualquier escena con Blanchett. En cambio, no sucede lo mismo con Bradley Cooper. No es que lo haga mal: su interpretación es muy correcta. Es simplemente que le falta algo.

No obstante, me es difícil ponerle muchas pegas a este suntuoso banquete de placeres oscuros, como me suele costar ponerle pegas a la mayoría de las películas de Guillermo del Toro. Cada vez que estrena algo, es como la invitación a un mundo reconocible y muy propio, donde uno sabe más o menos lo que se va a encontrar y acude encantado precisamente por la misma razón. Es verdad que tiene cosas más fallidas y otras más logradas, pero yo colocaría los entretenidísimos 150 minutos de 'El callejón de las almas perdidas" en la segunda categoría.

El director ha conseguido, para mí, una cosa muy complicada: que vaya a un cine sin expectativas y sin pretensión alguna de análisis, sin hacer mucho más que venir a sentarme y a ser una espectadora muy feliz durante un buen rato. Con esta película, ha revalidado, una vez más, su singular capacidad de crear ese pequeño milagro.

A nuestro nombre, va asociada una identidad y a nuestra identidad, una vida, un alma, unos seres queridos, un lugar en el mundo. Cuando se habla de víctimas, es fácil despersonalizar. A menudo en la prensa vemos noticias terribles, pero no logramos removernos hasta que nos hablan de esas personas y de cómo se llamaban.

En "Maixabel", sus dos protagonistas buscan la intersección entre el perdón y el arrepentimiento, usando como santo y seña algo tan sencillo y devastador como un nombre: Jose Mari, marido de Maixabel. Padre de María. Abuelo al que Nerea no conocerá nunca. La película comienza con su asesinato, que se resuelve casi en un visto y no visto: a Bollaín no le interesa hablar de violencia, le interesa hablar de lo que pasa después.

Tanto "Maixabel" como "Patria", encuentran un terreno más fértil en hablar de esa Euskadi post-ETA que ya no está en conflicto, pero que todavía restaña las heridas que aún quedan tras décadas de enfrentamientos, miedo y odio. Bollaín escoge acertadamente un enfoque sencillo y empático, diseñando una historia que no conmueve a través del desgarro, sino por un sinfín de pequeños detalles diseminados con enorme delicadeza. Unos detalles que dibujan la ausencia de alguien que definitivamente, tenía un nombre.

No es, para mí, una obra maestra: tiene alguna escena meramente funcional y algún corte discutible. Pero rebosa humanidad y compasión, además de regalarnos dos interpretaciones colosales de Blanca Portillo y Luis Tosar y una respuesta a la pregunta que dejó tras de sí el final de la lucha armada: "¿Y ahora qué?"

"Maixabel" demuestra que ya pasó el tiempo de tomar partido, de buscar más culpables, de dividir y no vencer. También refleja la belleza y singularidad de la cultura euskalduna, ya liberada del prejuicio y el rechazo de antaño. Nos provoca a pensar que no sólo la víctima tenía un nombre: también lo tenía el verdugo. Al final de la película, ya no quedan más que una Maixabel y un Ibon, no dos contendientes, no sólo un asesino y una viuda, sino dos personas que ya no pueden remediar el pasado y que sólo en el encuentro, pueden hallar la clave para seguir adelante en un presente lleno de incertidumbre.

Curiosa la manera en que "The Witcher" está polarizando a crítica y espectadores ¿Cómo es posible que tantas personas vean cosas tan diametralmente opuestas en el mismo material? Cuando esto sucede, no dudéis que se trata de algo con una carga de expectativas tan grande, que no tiene más remedio que caer en los extremos.

¿Intentamos un término medio?

"The Witcher" es una clásica aventura de espada y brujería que a mí en lo particular me ha resultado tan entretenida que me he ventilado toda su primera temporada en 2 días.

A los mundos de fantasía les pido nada más que me inviten a sumergirme en ellos, que me hagan viajar con la imaginación a lugares distintos, maravillosos, llenos de magia y misterio. Al empezar a ver "The Witcher", se produjo el click, esa sensación de haber abierto la puerta para asomarme a un lugar donde es fácil querer perderse.

Cierto, hay un conglomerado de nombres, situaciones y follones políticos-hechiceriles-bélicos que resultan duros de pelar, por no hablar de unos saltos espaciales y temporales de los que te obligan a exprimirte un poco la neurona para recordar por dónde andaba la cosa, si en el siglo XXI en Villanueva de la Nariz Colorá o en los años 30 por Calatayud . Los efectos especiales son muy mejorables (premio al dragón más raro que jamás he visto) y el trabajo de dirección muy irregular. Hasta aquí las pegas que le encuentro. No son muchas, ni imperdonables, y casi todas son potencialmente corregibles en caso de que la serie prospere y el presupuesto aumente.

¿Cosas que me gustan? Es muy entretenida. El ritmo rara vez afloja. Las secuencias de acción son estupendas, sangrientas y satisfactorias. La historia se sigue con interés. Geralt es un héroe a la vieja usanza, preocupado por el bien y por el mal, lo cual resulta tan poco frecuente hoy día, que casi parece una novedad. Y la ambientación es suficientemente elaborada e interesante como para vivirla, respirarla y disfrutarla sin buscarle los tres pies al gato. En toda la temporada flota constamente la sensación de "lo que podría ser esta serie con una mejor dirección y más presupuesto". Bueno, no sabremos si esto ocurrirá. Hasta ahora, lo que ocurre es una serie de fantasía para las personas que amen la fantasía (y no todas ellas). Los que esperasen una nueva "Juego de Tronos", saldrán invariablemente decepcionados por la inevitable comparación. Los que disfruten de perderse en otros mundos, quizás encuentren el suyo aquí (o no).

En cualquier caso, "The Witcher" tiene suficientes cualidades para apuntar a algo interesante por sí misma, sin necesidad de medirse con ninguna otra y de momento, es más que suficiente. Que le echen más monedas al brujo.

Entretenida.

Es la palabra más redonda para definir estar película. Es un entretenimiento 100%. Con un estrellón en plenitud de facultades (Jennifer López), un ritmo tan vertiginoso como los escotazos de sus protagonistas, un cóctel muy bien balanceado de sexo, amistad entre chicas, humor y algo de crítica social y...ya.

Puede que en otras manos la historia diera más de sí, pero en las de Lorene Scafaria, lo que da es lo que da, una dramatización bastante superficial de una noticia que en su momento hizo cierto ruido allá por los States (y de la que aquí ni nos enteramos). Las pocas reflexiones con las que se trata de dar enjundia a la historia, son más bien de mercadillo, y sin duda los mejores momentos pertenecen por derecho propio a las actrices y el buen rollo que transmiten entre ellas. Jennifer López, como reina de la función, está pletórica en un papel a medida: lo borda, pero no se sale ni un milímetro de su zona de confort. Alguna escena muy puntual recuerda al humor desfasado de El lobo de Wall Street. La primera mitad es perfecta en su estilo. La segunda decae y se vuelve reiterativa e insulsa. En conjunto, es una película que ofrece un buen rato, pero no deja apenas huella.

Del "yo te quiero" al "¿por qué diantres te quise?". Este es el recorrido habitual de una relación de pareja que llega a su final. En "Historia de un matrimonio", el camino seguido es el contrario. Charlie y Nicole (o más bien Nicole) saben que no se quieren, pero el único camino para aprender a desquererse, de alguna manera, pasa por recordar lo que eran cuando aún se querían.

El divorcio es un campo de batalla repleto de deudas emocionales nunca saldadas. Así lo muestra, a ratos muy certeramente, esta película de Noah Baumbach. Está Nicole, esa mujer que buscó el amor para estar en la vida, y no la vida para estar en el amor. Está Charlie, que vive en su propio mundo, tan ajeno a las necesidades emocionales de su pareja como la luna del sol. Dos personajes creíbles cuya desintegración como pareja se retrata a través de un proceso legal que les deja literalmente desnudos de rabia y a colmillo sacao, sumidos en las ruinas de una vida aparentemente funcional que de repente ha resultado que no funcionaba tanto.

Me parece, "Historia de un matrimonio", una película muy real en lo que retrata. Con una ex pareja cien por cien natural como la vida misma, algunos momentos brillantes, detalles preciosos (la escena final) y un retrato certero de las neuras y dilemas contemporáneos en cuestión de relaciones sentimentales. Pero es cierto que en tramos intermedios se me hace casi demasiado real. Y no en un sentido emocional o doloroso que me haga estar allí y vibrar con las vivencias de sus personajes, sino en un sentido en el que me desinfla el desfile de planas cotidianidades de los protagonistas o sus escenas más o menos familiares. Esto hace que una película que podría haber sido intensa y modélica en su contenida hora y media de metraje, parece acabar durando el doble.

Quizás lo más valioso, para mí, no es tanto el desarrollo de la historia en sí, sino el camino al que apunta. Es una película sobre el amor, no el amor de pareja en concreto, sino ese amor como una fuerza tan maravillosa que hace que un "¿por qué diantres te quise?" se pueda convertir en un "gracias por habernos querido".

Que es lo que de verdad le da sentido a cualquier historia de un matrimonio.

"Joker" viene fuerte porque es un pedazo de película y porque nos regala algo que nos gusta mucho a los aficionados al cine: un fenómeno. Un fenómeno para disfrutar de un largo recorrido de emocionantes expectativas: un fenómeno para formar parte de él; un fenómeno para adorar, o para odiar. Algo que nos hace no sólo sentarnos con ganas en la butaca del cine, sino hacer algo tan insólito a día de hoy como...ir al cine.

Desde el inicio de su existencia, la película de "Joker" apuntaba a ser una rareza. La elección de un actor tan poco mainstream como Joaquin Phoenix, su coalición con un director tan mainstream como Todd Phillips, una supuesta película de superhéroes con un trailer tan desolador como el de una de Ken Loach, y sobre todo, la manera en que se desmarcaba de todo lo producido por DC hasta entonces. El estreno, la locura: gana el León de Oro en Venecia (un festival para el que una película como "Joker" es como un tiburón en una piscina) y recibe lo mejor que se le puede regalar a una historia como ésta: críticas entusiastas y montones de controversia. Que hablen de ella, aunque sea mal.

Un fenómeno es tan interesante por lo que es como por todo el tsunami que arrastra a su alrededor. Que ocurra un acontecimiento cinematográfico de este calibre siempre es una buena noticia. Significa que el cine sigue vivo.

"Joker" es, en esencia, una película muy sórdida, muy bien rodada, con un Joaquin Phoenix como la tragicómica marioneta de un destino tan caprichoso como las bromas de un payaso. La historia se las arregla para hablar del misterio del origen de este personaje, sin necesidad de despojarle de su misterio, con lo cual consigue un doble objetivo: que empaticemos con este cruel villano, pero sin acabar de identificarse con él. Además de que no tiene desperdicio en una sola de sus escenas, contiene una de esas secuencias extraordinarias que por sí solas justifican toda la existencia de la película.

El "Joker" despierta polémica. Porque está formulada desde un cierto realismo y nos invita a creérnosla lo suficiente como para cuestionar qué clase de oscura complacencia nos despierta una historia en la que el débil se harta de su debilidad de la manera más cruda y peligrosa que pueda imaginarse. En una versión políticamente correcta de "Joker", Joaquin Phoenix renacería de los abusos y contratiempos que padece, como el ave que lleva su nombre y se metería a cursillos de autoestima y talleres de chakras, donde descubriría cómo sanar a su niño psicópata interior. Sin duda esta versión sería mucho más intachable, pero mucho menos excitante.

"Joker" es una película que gustará a muchísimos cinéfilos; también gustará a muchos espectadores; y sin duda, de una manera tan extraña y oscura como su mismo personaje, entusiasmará (en secreto) a todos aquellos que desearían ver, por unos instantes, como se puede llegar a empoderar una persona verdaderamente cabreada con el mundo. Un mundo en el que se espera que las víctimas bajen la cabeza y que los raros, los tarados, los enfermos, los diferentes, sean silenciados.

¿Y no os parece un fenómeno que podamos hablar de estas cosas ante una película de supervillanos?

Me gusta la propuesta de Raúl Arévalo, su ambientación, su estilo áspero, su puesta en escena, su aprovechamiento de lo rural y de lo urbano. Me gusta que haya aunado todo esto a una muestra más que digna del subgénero "justas venganzas". Subgénero que me encanta y al que siempre estoy tentada de darle más nota de la que seguramente merece. Pero si hay un tipo de historia que necesite más un final tenso, largo, redondo, es una de venganzas. Y es el peor fallo de 'Tarde para la ira'. Que ese final tenso, largo, redondo, ocurre mucho antes del verdadero final, y el verdadero final es una cosilla diluida que te deja más mustio que el peluquín de Donald Trump.

Sumémosle la eterna y torturante falta de vocalización de los actores españoles, que aquí es especialmente sangrante y un tramo inicial confuso (aunque eso también se debe a no entender casi nada de lo que dicen los protagonistas), y tenemos un filme lleno de sangre y carne, pero un tanto falto de estructura ósea. Aun así, cabe esperar cosas interesantes del Arévalo director en un futuro, si es que el paupérrimo estado del cine español se lo permite.

'Batman v.Superman' de entrada, no apetece demasiado. Por un lado tenemos a Zack Snyder, esa especie de Leni Riefenstahl en versión anabolizada, manowaresca y con un serio fetiche por los abdominales y la cámara lenta; y a su vez creador del plúmbeo anuncio de Seguros Ocaso que fue 'Man of Steel'. Por si eso ya no fuera suficientemente alarmante, resulta que los dos personajes principales del asunto que nos concierne y que van a chupar cámara de lo lindo, son Henry Cavill y Ben Affleck: soso por soso y el mundo acabará muermo, que diría un señor indio que yo me sé.

Todo esto durante dos horas y pico suena a terror y desolación y no precisamente en el buen sentido de la palabra.

Pero vamos, que voy a verla. Y no sé si será cosa de tener las expectativas tan enormemente bajas, que me ha entretenido bastante y me he encontrado con unas cuantas escenas á la Snyder, que no están nada mal (a ver, sigue siendo el amigo Zack de siempre, pero con la barra de horterismo al mínimo, la Wonder Woman lo peta en el poco rato que sale y el tono atormentado, chungo y traumático estilo Nolan no molesta demasiado.

Por poner pegas, la muerte de los padres de Batman está más vista que el culo de Ewan McGregor. Un poco de por favor ¿en serio era necesario poner OTRA VEZ lo de la perlas de la señora Batman?

Las tortas, que es lo que aquí venimos a ver y que además, son canela fina, tardan bastante en verse, aunque no decepcionan.

El villano, ratos parece un señor super inquietante que da mal rollo (y eso está OK) y a ratos parece un niño de cinco años al que le han quitado una piruleta y está a punto de echarse a llorar y a dar pataditas de rabia en el suelo. Y eso hace que se quite el mal rollo y de paso, el respeto.

Lois Lane: aunque infinitamente menos irritante que la mítica Margot Kidder en la primera y viejuna 'Superman', sigue siendo un personaje insoportable, hasta el punto que ni una actriz como Amy Adams que mola mucho en todo, menos aquí, puede hacer nada para solucionarlo.

La trama judicial: tan prescindible como absurda.

Henry Cavill y Ben Affleck: yo pensaba que Henry era la cosa más alucinantemente inexpresiva de la historia del cine. Pero ahí está el amigo Ben, dándolo todo para disputar su sitio en el podio de la sosez. Por supuesto gana y hace que Henry parezca expresivo, y Lex Luthor, más histriónico que Falete. Con asombro miro comentarios de otras gentes que han visto la película hablando del mejor Batman jamás visto y me pregunto si hemos ido a ver la misma película. Ok, Batman mola, el traje mola, los cachivaches molan, su guion mola, pero no, señores. Ben Affleck no mola.

¿Quién es Jessica Jones? Jessica es una detective privada que emplea sus días en pillar a maridos y mujeres infieles y sus noches, en beberse hasta el agua de los floreros. En primera instancia, Jessica parece la semblanza de una típica chica dura y su bordería, sus comentarios irónicos, el sórdido universo que la rodea y un misterioso pasado confirman el arquetipo; sin embargo, Jessica, además, es una mujer herida, traumatizada y que vive absolutamente muerta de miedo. Y ademas, Jessica es una superheroína. Con poderes y todo.

Pero curiosamente, salvando esta particularidad, la serie no se centra realmente en los héroes y sus poderes. Lo más llamativo de Jessica Jones es su enfoque casi intimista, que se preocupa más por los meandros psicológicos de sus personajes que por sus capacidades para levantar coches o dominar mentes.

Por supuesto, hay un villano, un villano bastante particular que además ostenta uno de los poderes más siniestros que se hayan visto en una historia de superhéroes. Espléndidamente interpretado por David Tennant, su relación enfermiza con la protagonista, sostiene el interés de la serie incluso cuando ésta pasa por serios baches narrativos y algunas vueltas y revueltas algo absurdas. Que la verdad es que no importan tampoco tanto porque para entonces, la peculiar atmósfera noir de la historia y su punto de misterio ya te tienen ganada.

Quizás quienes esperen algo en la línea de Daredevil o de otras historias de Marvel, saldrán algo decepcionados, porque 'Jessica Jones' no busca ese tipo de historia, ni aspira a la épica, su apuesta se centra sobre todo en sus personajes, sus dilemas, sus conflictos internos, sus heridas y sobre todo, en el mayor superpoder que tienen: su voluntad de acero.

“Puedes pegarme. Puedes tirarme al suelo, incluso escupirme y mearme. Pero, por favor, no me aburras.". Es la frase clave que faltaría en el nutrido repertorio de despropósitos verbales del sádico profesor de música que coprotagoniza esta estupenda 'Whiplash'. Pero esta frase pertenece a Clint Eastwood.

Damien Chazelle, antiguo batería de jazz y bien familiarizado con esto de los callos, los dedos sangrantes y los sudorosos ensayos musicales, dirige con precisión de metrónomo una película de música cuya progresión no difiere tanto de otras películas de música. El caballo ganador de 'Whiplash' es tomar este modelo cuasi estándar de cine de superación personal y revestirlo con la estructura de acero templado del cine de regimientos con sargentos cabrones y reclutas patosos. Convertir la carrera de un músico en una guerra en la que casi todo vale, pero sin ser guerra y sin que todo valga. Así pues, todos nos quedamos con la misma pregunta, ¿crear un genio justifica maltratar, insultar, humillar y posiblemente traumar de por vida a un chaval adolescente?. Mi opinión: de ninguna manera.

He visto otras críticas que acusan a la película de no ser fiel al jazz o no reflejar el estilo musical con el verismo que corresponde. Parece que algunos vamos a ver una película y otros se confundieron y entraron a ver un concierto. "Whiplash" no es una película de jazz. Hay estupendos documentales que reflejan con gran realismo esta forma de música, e incluso el mismo Clint Eastwood nos regaló 'Bird', que a mí me parece un rollo, pero que verdaderamente se sumerge, respira y transpira jazz.

"Whiplash" no es ningún rollo: es una película endiabladamente bien medida sobre la obsesión y el perfeccionismo, sobre ser grande a costa de lo que sea y de quien sea y que habla de músicos, como igualmente podría haber hablado de escritores, patinadores artísticos, jinetes hípicos o bailarines clásicos. Y lo que hace, lo hace de maravilla con dos actores entregadísimos (en especial, el joven Miles Teller), un duelo de egos de los que hacen época y una historia que no por previsible, resulta menos interesante.

Si hubiera una versión musical de El sargente de hierro, sería algo así como "Whiplash": con instrumentos en lugar de literas, con baquetas en lugar de uniformes y con conciertos en lugar de tiroteos. Pero exactamente, con la misma cantidad de sangre, sudor y lágrimas. Gran película. Aunque no vaya de jazz.

El mayor encanto de La vida de Adèle, es que es muy auténtica. Esa cría despeinada devorando espaguettis, que se antoja tan mona, tan voraz, tan cercana, se nos hace colega, amiga y hermana con sus dos horas y pico de existencia en pantalla y está tan viva en su periplo cinematográficao que cuando la cosa se acaba, los títulos de crédito se antojan como un elemento extraño procedente de otra película. No de ésta, que ha sido por un breve tiempo, una puerta abierta a otra vida.

De lo que habla Adéle, la mayoría de la gente comprenderá, otros lo habrán olvidado y unos pocos más allá se fijarán en si las escenas de sexo o yo que sé qué cosa, y se perderán las hermosas pinceladas que proporcionan tanta verdad a esta historia de chica-encuentra-a chica y se pierde a sí misma en el proceso.

Adèle camina a la nada, cargando a cuestas con ese enigma intangible y doloroso de la incompletud de la existencia humana, sumergiéndose de lleno en el amor ajeno para acabar dándose cuenta de que 1+1 al final siempre acaba siendo 1.

Por ello, por la maravilla que es Exarchopoulos, por sus mocos, sus espaguettis, su tristeza, su caminar sin rumbo, una quisiera saber qué ocurre con Adèle después del azul.

Pero me temo que esto quedará perdido en los eternos misterios de los finales abiertos.

Mejores o peores, las películas de Peter Jackson en torno a los mundos de Tolkien guardan tanta regularidad en cuanto al tono, a la estética, los diálogos y las personalidades de sus protagonistas, que regresar a ellas es como ir a visitar la casa de un viejo amigo (hobbit). En ocasiones, hemos pasado veladas memorables y en otras, bastante olvidables. Pero "El hobbit: la batalla de los cinco ejércitos" no es ni una cosa, ni la otra. Es una velada simplemente agradable y -eso sí- descaradamente entretenida.

El principal problema de la velada es que el acontecimiento más épico de la trilogía -en relación con el dragón Smaug - sucede al principio. Nos encontramos abruptamente con una película que parece empezar por el final. Luego viene una animada zarabanda de ejércitos diversos, monstruos molones, frases lapidarias y fases del videojuego que no está nada mal, pero no basta para que dejemos de echar de menos al bichosaurio más molón de la historia de la fantasía épica, con permiso de Desdentao (que es más bien un peluche).

Las buenas noticias es que esta tercera y última parte mejora sustancialmente la segunda. Recupera en cierta medida la esencia de la trilogía inicial, con esa particular mezcla de exaltación aventurera y eterna nostalgia del hogar. También ofrece golosinas para todos los fans. Aparte de la batalla en cuestión, hay un delicioso momento All Stars donde vemos a los magos top de la saga en pleno uso de sus poderes mágicos. También tenemos a Legolas luciendo habilidades, una estupenda cabalgata de enanos en carneritos de guerra, unos orcos genialmente repugnantes y un Thranduil imponente, lejos ya de la julandrona en bata de "La desolación de Smaug".

A cambio, toca pagar algún que otro peaje, como la cansina e innecesaria historia de amor interespecies, tramos de batalla reiterativos, algún secundario graciosete que viene sobrando y el soso héroe Bardo y su irrevelante familia. Corramos un tupido velo sobre los deus ex machina y los notorios saltos del montaje, que supongo cobrarán más sentido cuando saquen la extendida.

No nos vamos a poner pejigueros que con todo, la película se pasa volando y e incluso tiene sus escenas más o menos emocionantes, más el plus de recorrer de nuevo la mágica geografía de la Tierra Media.

Así pues, espero con fruición noticias de una próxima adaptación del Silmarillion. Si siguen la misma política que con El hobbit, me esperan entretenidas (y muy épicas) navidades para, por lo menos, los próximos cincuenta años.

Entre lo inquietante y lo plano, se mueve esta "Take Shelter", la clase de película en la que se deriva de la escena potente al inciso cotidiano más anodino y cuyo mayor mérito es el de conseguir suscitar esa cierta ansiedad anticipatoria que te mantiene despierto hasta el final, a pesar de los altibajos constantes en cuanto a su ritmo.

Algunas veces te atrapa, otras veces tienes que comprobar el mando del dvd para ver si no la habrás puesto en pausa sin querer. Se trata de una de estas películas en las que los personajes hacen profundas pausas antes de hablar y, para más inri, tardan al menos tres veces más de lo normal en hacer algo tan sencillo como entrar en una casa o, no sé, respirar.

Una querría entrar a la pantalla como la chica de "La rosa púrpura de El Cairo", pero no para mantener un romance con el desquiciadillo protagonista, sino para sacudir a todos esos pasmarotes que viven más despacio que la vida misma.

Como el entorno de la película y los secundarios carecen de cualquier tipo de interés, la cosa se centra en los respectivos talentos de Shannon y Chastain, que no es que estén mal, pero que tampoco ejercen tal histórico recital interpretativo como para compensar las otras carencias que rebosa el filme.

Tras un supuesto crescendo dramático que más que un crescendo parece un yo-yó, viene el ansiado final: la faena es que ahí es cuando ya empieza la película a ser en verdad interesante. Lo malo es que es el final y no el principio.

Soy una enamorada del cine desde muy pequeña. No puedo hablar con propiedad de tecnicismos, ni elaborar profundas interpretaciones del significado de muchas películas. La verdad es que no tengo mucha idea y confieso sin ambages que no me importa demasiado. En realidad, sólo me aficioné al cine por la misma razón por la cual leía compulsivamente o escuchaba todo tipo de música: no por su calidad, su profundidad o por su prestigio, sino simplemente porque me transportaban a mundos imaginarios, que era y sigue siendo algo que me hace muy feliz.

Este amor no ha disminuido con los años, aunque ha ido siendo más matizado por un poco - que no excesivo - criterio. En fin, que si me dan unos vikingos, unos dragones, un poco de humor, amor, lágrimas, peleas épicas, banda sonora impresionante y belleza visual arrebatadora ya estoy vendida.

"Cómo entrenar a tu dragón 2", además de brindar 102 minutos de puro placer, es un estupendo test para comprobar si aún sigue viviendo tu niño interior. Si la ves, y en lo más recóndito de tu ser no brota el súbito deseo de adoptar, criar y montar a lomos de un dragón -aunque sea el Dragon Khan- no hay duda: tu niño ha fenecido. Dale un buen funeral vikingo.

No podría decir exactamente qué es lo que engancha de Breaking Bad, cómo no podría explicar las razones por las que quiero a una persona.

Empecé a verla con pocas ganas - la historia no me atraía absolutamente nada - y la única razón por la que seguí adelante después de unos tres primeros capítulos que no me engancharon, fue la buenísima prensa que la acompañaba y las múltiples y entusiastas recomendaciones de amigos, enemigos y allegados varios.

Si lo pienso en realidad, no me engancha el ritmo, algo irregular de la serie (tiene capítulos que entran directamente en el terreno de lo coñazo), ni las cargantes escenas de cenas familiares, ni la ambientación de suburbio americano nada apetecible, ni el mundillo de mafia con pantuflas que rodea al protagonista.

Sin embargo, si no lo analizo racionalmente y me limito a describir lo que siento al despedirme, hace una semana, del último capítulo, sólo puedo decir una cosa: más metanfetamina, por favor.

El matrimonio como thriller. Esta fue la singular propuesta de la escritora Gillian Flynn en su curioso (y recomendabilísimo) best-seller "Perdida". Ambigua, calculada, con mucho mar de fondo, era una historia para las expertas manos de David Fincher, más que encantado de bregar con asuntos turbios y atmósferas hostiles. Tan hostiles, como el amor.

El director ha logrado tres notables hazañas.

- Realizar una película de 2 horas y media en la que ni un sólo minuto es innecesario.

- Conseguir que Ben Affleck parezca estar actuando.

- Mezclar con perfecta armonía: la sátira, el melodrama y el thriller.

El punto de partida es es el quinto aniversario de boda de una pareja ideal. Amy, la mujer, desaparece (hasta aquí puedo contar).

Lo demás, sin desvelar más detalles, reúne diálogos llenos de ironía, un personaje memorable -la Amy protagonista -, un afiladísimo juego de espejos donde imagen y realidad se fusionan y se confunden...y el perfecto empaque de un director cuyo estilo es la perfecta traducción visual de un análisis forense.

Es complicado desvelar más detalles sin incurrir en spoilers: "Perdida" es una película de constantes giros, trueques y retruécanos que conviene disfrutar lo más virgen posible.

¿Un consejo? No leáis ninguna sinopsis, evitar en toda la medida de lo posible cualquier información. Cuanto menos sepáis, más disfrutaréis.

Si has visto ya la película, la verdadera sinopsis está abajo.