Estamos ante algo que simplemente cambiará el streaming y la tv en general, como lo es la primera serie/película interactiva (o por lo menos primera en un formato comercial). Algo que no podía venir de nadie más que de la mente creativa de Charlie Brooker y su serie Black Mirror. Sin embargo no voy a adentrarme en los aciertos o no de este novedoso formato televisivo, ya que del mismo se ha hablado bastante en anteriores criticas, sino del propósito que le dan en Bandersnatch al mismo.

En otras manos, esta narración interactiva posiblemente se hubiera quedado en un elemento decorativo o didáctico. No lo es en el caso de la serie de Netflix, pues a la vez que hace unos de los ejercicios más ingeniosos de metaficción, el recurso sirve para dejarnos una metáfora espeluznante (acorde con la filosofía de la serie), sobre el empleo de las tecnologías.

Aunado al que somos nuevamente testigo de esos temas que tanto inquietan a Brooker; desde la tecnofobia, las realidades alternas, el libre albedrío y el determinismo hasta abarcar temas concernientes a las drogas y las enfermedades mentales, en un trabajo con reminiscencias a autores como Philip K Dick y Aldous Huxley.

Cinta del director francés Pascal Laugier, mismo que hace un par de año nos trajo una de las películas más brutales que he visto como es Martyrs. En esta nueva producción Laugier no repara tampoco en brutalidad, y vuelve a jugar con ciertos elemento que por momento recuerdan a su anteriormente mencionada obra de culto.

Ghostland es una cinta que a simple vista pudiera parecer la típica de “Home invasions”, pero va un poco mas allá, y el director francés se va paseando por varios subgéneros que van desde el de Casas encantadas hasta el horror psicológico con reminiscencias en el cine de David Lynch, pero de una manera más convencional y no tan críptico a los trabajos del director de Montana, amen de contar con unos interesante giros de guion lo que hace que te interese a un más la historia.

El diseño de producción también es otro elemento a subrayar, creando ambientes lúgubres e inquietantes, algo parecido a lo que hace James Wan en The Conjuring y Insidious, buscando que el espacio sea también un elemento de terror. De lo mejor que he visto del género en el 2018, muy recomendable.

Corea se ha caracterizado en las ultimas décadas en ser (o por lo menos para este servidor) unos de los mayores referentes del thriller en el cine internacional. Autores como Park Chan-wook, Kim Jee-woon, Bong Joon-ho o Na Hong-jin por solo citar algunos, no solo han alcanzado el éxito en su país de origen, sino que han trascendido, volviéndose referentes dentro del género en el cine contemporáneo.

Por tal motivo, cada propuesta del género surgida de ese país capta inmediatamente mi atención. Sin embargo en la cinta que nos compete, más que deber a los autores anteriormente mencionados, apuesta más por el cine de acción ochentero de Hong Kong, con algunos elementos de videojuegos, o otros cargados de melodramas que rayan el nivel de los culebrones latinoamericanos. Así como suena; un batiburrillo de cosas que a nivel de guion hace aguas por todo lados, con excesos de plot points que resultan tramposos y a conveniencias.

El resultado es una cinta narrativamente caótica (más allá de sus escenas de acción vertiginosas que por momento también se hacen mareantes) y fallida en sus pretensiones. Más hay que reconocer que a nivel técnico hay un trabajo si se quiere interesante, con el uso GoPro en imposibles escenas de acción y el contrastante empleo del cross-cut para conectar narrativamente varias escenas.

En resumen, una cinta que se puede apreciar por su apartado técnico visual, pero que a nivel argumental y dramático deja que desear.

The Room es una cinta que en particular me causo mucha suspicacia, porque me recordó a esos proyectos amateur que uno realizaba (los que hemos tenido la chance de haber estudiado carreras relacionadas con lo audiovisual) de joven, donde ponía actuar a esos amigos o vecinos que no sabían nada de actuación, y que a nivel de producción todo resultaba muy precario pues uno trabajaba con los elementos a manos. Cuyo resultado no siempre eran los más logrados.

Ahora la diferencia de The Room a esos proyectos amateur de cualquier aficionado, es que esta cinta tuvo un presupuesto de 6 millones de dólares y se estuvo exhibiendo en salas comerciales de cine, una locura total. Todo ello en parte porque su realizador Tommy Wiseau era tan ingenuo que llego a creer que había realizado un producto destacable, con el que incluso podía competir en los Oscars

La película a la postre se volvió un fenómeno de culto, sobretodo en USA donde publico suele acudir a las funciones, disfrazo de los actores o incluso lanzar cucharas a la pantalla (haciendo referencia a una de las tantas cosas surrealista de la cinta, como el que los portaretratos tengan solo imágenes de cucharas). Pero que, si no estás emergido en esa experiencia colectiva que representa ver esta cinta, esta última solo genera tedio.

Por otra parte esta The Disaster Artist, una cinta con un presupuesto de 10 millones de dólares (4 más que The Room pero la diferencia pero la diferencia es del cielo a la tierra en el apartado técnico) Dirigida y protagonizada por James Franco. Cinta que básicamente se centra en la producción de The Room, pero sobretodo en la relación de Wiseau y Greg Sestero, y es esto último es con lo que más me quedo de la cinta, pues deja un bonito mensaje sobre la amistad y sobre luchar para conseguir los sueños. Cinta muy simpática y recomendable

La religión y la fe vinieron a ser la respuesta inmediata a la gran interrogante de la existencia humana. Creencias que desde sus inicios han estado determinadas por aspectos empíricos, culturales, geográficos, étnicos. Lo que explica que en un oriente extremo se profese cultos como el budismo, shintoismo, etc., en occidente lo propio con el cristianismo, el animismo en culturas aborígenes desde América, pasando por África hasta llegar a Oceanía, solo por citar a groso modo algunas.

Me permito esta introducción porque en cierta manera viene a ser una interpretación sobre la tesis de la que, a la fecha es la última cinta del director norteamericano Martin Scorsese, adaptación a su vez del libro homónimo del escritor japones Shusaku Endo, como es el caso de Silence (2016). Es que si algo viene a enfatizar Scorsese en esta cinta es ese choque, no entre dos culturas o religiones, sino de dos nociones distintas de la existencia.

A nivel técnico Scorsese vuelve a demostrar porque hoy por hoy es uno de los grandes maestros del cine, acompañado por la fotografía del mexicano Rodrigo Prieto, nos ofrece imágenes de un simbolismo soberbio; desde un plano cenital con los protagonistas al inicio emprendiendo su travesía — alentándonos del descenso de estos hacía el auténtico Averno — hasta la escena del Inquisidor con su comitiva atravesando la bruma, como si de un ejército de las tinieblas se tratase.

Pero lo que más resalta es el uso de la Banda Sonora, o la ausencia de ésta, recurriendo solo a sonidos ambientales que terminan acentuando la sensación de vacuidad, apelando con ello elementos de metaficción; al asociar ese mutismo extradiegético que reina a lo largo de la cinta con la ausencia de respuestas que buscan los protagonistas, lo que se extrapola a la misma inexistencia de un dios. Lo cual nos lleva aun más interrogantes; como las ya planteadas por Fiódor Dostoyevski: ¿Se justifica el sufrimiento terrenal por una hipotética recompensa metafísica?

"Sólo para locos" o "No para cualquiera" rezan los carteles del Teatro Mágico en la novela El Lobo Estepario de Hermann Hesse, tal advertencia se me viene acotación a la hora de hablar de un autor tan críptico como lo es David Lynch. Es que no es fácil adentrarse en la obra de este autor, cuyos trabajos se acercan más a los movimientos de vanguardia y sus constante abstracción de la realidad que en el interés de mostrarla en su forma objetiva.

En ese sentido, quizás unos de los productos más asequibles de Lynch sea Twin Peaks (1990), serie con toques de intriga, elementos fantásticos y hasta de novela latinoamericana, en la cual, a través del macguffin posiblemente más famoso en la historia de la Tv, como lo es el asesinato de Laura Palmer, nos introducía a un imaginario conformado por realidades alternas, entes malignos, doppelganger, enanos bailarines y demás. Todo un envoltorio de realismo mágico para albergaba una premisa bastante simple como lo es la dicotomíca lucha entre fuerzas del bien y del mal. Tales elementos excéntricos terminaron provocando la cancelación de la serie -la cual en su arriesgada propuesta se presentaba como algo adelantada a su época- pero a la postre las misma supo hacerse con una gran cantidad de seguidores y ganarse el calificativo de serie de culto. De ahí que el anuncio de David Lynch en traer después de 25 años su mítica obra creará un autentico hype en el público.

El resultado es Twin Peaks: The Return (2017), un trabajo donde se han ahorrado los componente melodramáticos y culebreros, así como parcialmente los policíacos y de intriga que caracterizaban las 2 temporadas previas, en pro de un trabajo de mucha más autoría, pues asistimos a un auténtico popurrí Lynchneano, transitando por los elementos que han inquietado al autor a lo largo de su trayectoria; desde lo onírico-surrealistas hasta lo naif, desde el clasicismo hasta lo experimental, desde lo satírico hasta lo más esperpéntico.

Twin Peaks: The Return es un compilado de lo mejor pero también lo peor del director nacido en Montana, a su vez resulta una de las propuestas más ambiciosas del 2017, tanto en su magnitud como en su propuesta, fruto de unos de los autores más transgresores que nos ha dejado el cine norteamericano en las últimas décadas.
spoiler:

Si hay un tema que definitivamente atrae al director norteamericano David Fincher, son los asesinos en series. En 1997 nos trajo Se7en, film que revoluciono el género policíaco e influencio una gran cantidad de trabajo posteriores ya no solo en cine, si no también en la Tv y en la literatura. 10 años después nos traería Zodiac, cinta donde se alejaba de la impactante truculencia de Se7en en favor de thriller más realista, con tono casi documental, pero de un tempo narrativo tan envolvente que recordaba los mejores trabajos de Hitchcock. En el 2011 sería el turno del remake de la cinta sueca The Girl with the Dragon Tattoo, una producción de gran factura técnica, donde recuperaba los elementos dramáticos de Se7en.

En su último descenso al turbio mundo de los serial killers, Fincher a optado por ir a un punto de partida real, no de los asesinos, sino de la Unidad de Ciencia del Comportamiento del FBI, encargada en la creación de una serie de perfiles psicológicos de criminales. Con esa premisa nos llega Mindhunter (2017), basada en el libro homónimo de John E. Douglas -del que también se inspiraría escritores como Thomas Harris para la creación de su mítico personaje Hannibal Lecter-, en el cual narra como un equipo de agentes del mencionado cuerpo policíaco norteamericano, se adentraron en una serie de entrevistar a asesinos convictos para establecer patrones de conducta.

En esta adaptación Fincher surge como productor ejecutivo, así como director en 4 de los 10 episodios que conforman la primera temporada. En ella se apuesta más por un tono de realismo que recuerda a Zodiac, ya que el gran aliciente de Mindhunter es su análisis sobre el mal, no desde el ¿cómo? -mostrando imágenes explicita de violencia- sino desde el ¿por qué? -adentrándose en las oscuras mentes de los psicópatas- bajo la inquietante premisa de que cada uno de los asesinos mostrados y sus terroríficos actos están basados en hechos reales.

De obligado visionado para los amantes de Fincher y del thriller policíaco

Lamentablemente nos encontramos en una situación donde todo ese legado de la saga original está en peligro como consecuencia de las productoras (Primero Lucas con sus episodios I, II y III y ahora Disney) y su afán de seguir poniendo a parir la gallina de huevos de oro, con cintas que se quedan más en el mechandising que en un enriquecedor aporte a lo que Star Wars representa

Demás está decir que la cinta es un reboot del Imperio Contraataca (Así como episodio VII lo fue del IV), con la misma estructura narrativa, aunque esto no me molesto tanto porque desde los trailers sabía iba de esto.

Dentro de lo rescatable está el aspecto visual, hay escenas impactantes, en especial las de acción. Una en partícula que me dejo con la boca abierta fue la nave kamikaze a la velocidad de la luz, muy brutal. Pero salvo eso es una cinta irregular y entiendo perfectamente el cabreo de los fans.

Porque todo ese apartado visual queda muy afectado a causa de un desafortunado guion el cual voy a escudriñar sus muchas fallas en la zona de spoiler.

Si hay una historia de esas que merecen ser contadas es sin duda la vida del Dr. William Marston, psicólogo y teórico de Harvard, quien ayudó a crear el detector de mentiras, desarrollo el modelo teórico DISC y creador del famoso personaje de cómic Wonder Women. Pero el aspecto más polémico en la vida Marston fue haber mantenido una relación poligámica junto a su esposa y una joven alumna, hecho que no paso desapercibido y sin consecuencias en la conservadora sociedad Norteamérica de primera mitad del siglo XX.

Y es precisamente en ese triángulo amoroso entre los personajes principales donde enfoca la lente de su cámara la directora Angela Robinson, ofreciendo un relato cuyo eje argumental será el desafío de estos a los convencionalismos en defensa de su libertad sexual, teniendo como resultado una historia que se vende como Biopic pero que en su estructura resulta un drama románico bastante al usos en su Introducción, nudo y desenlace. Solo con una particular variante, de ser tres y no dos los personajes que están en pugna por consumar su relación.

Otro aspecto que resaltar en la cinta es la sexualidad, elemento que nos indican fueren clave para Marston en la creación del personaje de Wonder Women, pues Marston identificaba su modelo teórico DISC (por sus siglas en inglés: Dominación, inducción, sumisión y obediencia) en prácticas de sadomasoquismo como el Bondage y esto lo patentaba en su personaje de cómic, algo que a postre terminaría ganándole la censura. Mas, el tratamiento que hace del mismo Angela Robinson en la película, si bien no está excepto de lo explicito, logra alejarse del porno soft gratuito de cintas como 50 sombras de Grey, al justificar la carga sexual como un elemento clave en el entendimiento de los personajes, sus motivos y sus decisiones.

Mención especial para el buen trabajo de los actores, en especial de Rebecca Hall (quien recordamos en cintas como The Town o The Prestige) a la cual ya se le aprecia un gran nivel actoral, acompañada de unos muy correctos Luke Evans (Fast & Furious 7, la saga de El Hobbit) y la hermosa Bella Heathcote (The Neon Demon). Amén de un muy evocador diseño de producción y fotografía, aunado a las decisiones técnicas de montaje que incluye la directora como el Cross-cutting con el cual logra narrar de forma sincronizada diferentes tiempos de la historia, otorgándole gran dinamismo a la narrativa.

En resumen, una cinta bien ejecutada pero que no se aparta muchos en el desarrollo de otros dramas románticos que hayamos visto antes. Y en partícula echo de menos no nos ofrezca más detalle de las motivaciones de Marston en el desarrollo del cómic de Wonder Women (queda como un agujero de guion el acercamiento del mismo al mundo de los cómics) o su detector de mentiras, aspecto que se obvian en pro de resaltar más los elementos de romances (y sadomasoquismo) en la historia.

Aun con sus detalles, esta sí es en mi opinión la reunión de un crew que le hace justicia a los personajes de DC luego de las desafortunadas Batman v. Superman: Dawn of Justice y Suicide Squad.

La clave la encontramos en el desarrollo de una historia más orgánica a diferencia de la forzada e incongruente Suicide Squad, y un planteamiento más sencillo alejado de las fallidas pretensiones de Batman v. Superman: Dawn of Justice.

Entre los elementos más disfrutables están los personajes que ya vienen con un desarrollo previo, caso Wonder Woman, caso Superman. Personajes que se ganan ya definitivamente la empatía del público y son capaces de emocionar al espectador en ciertas escenas (como en el reencuentro de Superman con Lois Lane y Martha).

Así como también la introducción de los nuevos personajes como Cyborg, el cual cuenta con un buen desarrollo y que se justifica al ser el miembro más recién de la Liga y por ende el menos conocido del público no familiarizado con el cómic, o un Aquaman a.k.a. “Khal drogo” el cual se le echa de menos más desarrollo pero que deja el Hype lo suficientemente alto como para esperar su película en individual a cargo del gran James Wan.

Entre lo negativo, la cinta se reciente en los apartados técnicos fruto de una postproducción accidentada a causa de la salida de Zack Snyder y la entrada de Joss Whedon. El resultado son detalles como un CGI poco acabado (pésima caracterización de Steppenwolf,) o un montaje que por momento se siente atropellado.

En los aspectos ambivalente se puede mencionar la carga de comicidad, la cual si bien aligera el visionado de una trama absurda (tan característica del género de Superhéroe), hay momento en el que tantos chistes fáciles y gags sobran.

En resumen, una cinta que, sin ser perfecta acomoda el terreno y da suficiente esperanza (o Hype) para las próximas producciones del DCU.

En su libro "Esculpir el Tiempo", Andréi Tarkovsky planteaba la tesis del cine como un arte puro per se, y no supeditado a las demás artes en él. Y que, como la exploración de la imagen es lo que define a la pintura, el sonido a la música, el argumento a la literatura y la puesta en escena al teatro, el cine debe transcender a estos recursos artísticos para dar hincapié en lo que para él era la esencia del cine, cómo es la facultad de condensar imágenes en trazos finitos de tiempo sometido a un montaje con la finalidad de comunicar o trasmitir emociones.

Estas teorías planteadas por Tarkovsky dieron como resultado un cine si bien muy poético, a la vez denso y difícil al alejarse tan radicalmente de los convencionalismos, un cine que al ser de una propuesta tan en bruto fermenta en la llamada crítica y aulas que se abocan al estudio del séptimo arte, pero no en las masas.

Sin embargo, de vez en cuando aparece un cineasta capaz de tomar toda la filosofía Tarkovskyana y hacerlas converger con las narrativas al uso del cine más mainstream, dando como resultado auténticas joyas dirigidas no sólo a un públicos especializados sino para grades audiencias. Entre esos se me vienen a la mente autores como Terrence Malick (Días del cielo, La delgada línea roja) y sobre todo más recién Denis Villeneuve, autor de la tan esperada secuela del clásico y film de culto Blade Runer (1982), Blade Runer 2049.

Sobre esta, si hay algo que defina a Blade Runer 2049 es su apabullante composición plástica, gracias a la sublime fotografía de Roger Deakins, el hiperrealismo del diseño de producción Dennis Gassner, la ambiental BSO a cargo de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, y sobretodo la melancólica, contemplativa y elegante narrativa Villeneuve, dando como resultado uno de los mayores logros artísticos y técnicos que hayamos visto en los últimos años.

Otro aspecto a destacar son sus interpretaciones, Ryan Gosling actúa, lo acabo de descubrir con esta cinta. Ford haciendo ahora sí, honor a uno de sus papeles icónicos (no como en Episodio 7 o Indiana Jones 4) o Leto haciendo de falso dios. Las mujeres están igual de impresionantes; Robin Wright es una de las mejores actrices de cine y Tv actuales (la frecuento en House of Cards y siempre tiene un nivel altísimo), Sylvia Hoeks ofreciendo uno de los mejores antagonistas del cine recién, pero el show se lo roba la cubana Ana de Armas, que se transforma literalmente en el alma de la cinta. En resumen, interpretaciones que impregnan de mucho humanismo a esta cinta aun cuando la mayoría están interpretando robots, pero que ese es precisamente el conflicto que plantea.

Continuo en spoiler...

Las “Leyes de la Gestalt” fueron identificadas por un grupo de psicólogos en Alemania a principios del siglo XX. Los mismos señalaron que el cerebro humano organiza los elementos percibidos en configuraciones (gestalts) recurriendo a ciertos principios. Lo percibido deja de ser un conjunto de elementos abstractos o inconexos para tornarse un todo coherente, es decir: objetos, personas, escenas, palabras, oraciones, etc.

Otro teórico como lo fue Kohler, W. (1947) aseguraba que algunas percepciones se “resisten” a las leyes, por ejemplo, el humo, la bruma, la oscuridad, etc. En donde no existen bordes, aristas, figuras, fondos y contraste, por lo tanto, estos estímulos no pueden organizarse como configuraciones familiares más o menos estables. Esto provoca sensación de malestar, temor, o rechazo, ya que, en otras palabras, la mente está condicionada a buscar coherencia en todo.

Pero ¿Que tienen que ver tales teorías con esta critica?
Pues quizás ellas permitan entender (y haciendo honor a la Gestalt) por qué las masas sienten cierto rechazo hacia los llamados cine de autor, arte o experimental, y por qué las grandes productoras cinematográficas cada vez optan más por producciones convencionales y fáciles de digerir en pro de garantizar la rentabilidad de sus productos, pues a fin de cuenta el cine no es más que un negocio.

Todo esto viene acotación por la más reciente película del director norteamericano Darren Aronofsky; mother!. Cinta que desde su exhibición en el Festival de Venecia no ha parado de generar ruido tanto de crítica como del público, por precisamente desafiar los convencionalismos, la narrativa al uso y tomarse muchas licencias creativas al momento de mostrar sus planteamientos.

Pero ¿de que va mother!?
mother! es un sin fin de referencias a autores como Buñuel (Ángel exterminador), Polanski (Rosemary’s Baby), Lynch (Eraserhead), Haneke (Funny Games), Bergman (Hour of the Wolf) y pare de contar. mother! es cine expresionista ya que Aronofsky es un autor que constantemente deforma las realidades para subrayar la perturbación psicológica de sus personajes. mother! es una brillante fotografía a cargo de Matthew Libatique, el cual logra crear una atmósfera realmente asfixiante. mother! también es una impresionante interpretación a cargo de Jennifer Lawrence.

Volviendo a la Gestalt ¿Cuál es el !$%#”& significado de la película?
mother! puede que sea una pretenciosa metáfora bíblica, puede también signifique los efectos de la fama y del fanatismo, o algo más jalado por los pelo como es la representación de la perdida de intimidad en tiempos de redes social. Así mil y una lectura más, pero en mi caso en partícula, mother! significa una muy interesante experiencia cinematográfica, pues la magia del cine muchas veces radica en sentir, vivir y experimentar más que entender, por mucho que nuestra mente se empeñe en buscar las 5 patas del gato.

Dicen que la emoción más fuerte que pueden llegar a sentir los humanos no es el amor, sino el miedo. Tal hipótesis quizás no suene tan descabellada si tomamos en cuenta que el miedo no es más que la manifestación del resguardo por la integridad y en ello está patente el instinto más primitivo de un ser vivo como es la supervivencia.

Sin embargo, así como nos repele, cuando tan fuerte emoción se nos manifiesta desde la salvaguarda resulta poderosamente atractiva, y la mente humana en su enorme imaginativa ha sabido encontrar en el miedo un recurso para el entretenimiento por medio de la ficción, en el llamado género de Terror.

Los antecedentes modernos del Terror lo podemos encontrar en la novelas góticas de escritores como Mary Shelley y Bram Stoker, hasta llegar a la síntesis entre la novela gótica y otro género que cobro mucha popularidad a principio del siglo XX como es la Ciencia Ficción. Son autores que a la fecha continúan vendiendo miles de libros y adaptándose a diferentes formatos, al dejarnos historias que siguen cautivando nuestra imaginación y sobre todo nuestro miedo. Ya en la actualidad, si existe un autor que sin duda es el referente del Terror contemporáneo, ese es sin duda Stephen King.

Stephen King es autor de una extensa bibliografía, muchas de las cuales se han convertido en éxitos de ventas, haciendo del escritor norteamericano uno de los más leídos a nivel mundial. Tal éxito no ha sido pasado por alto en la industria del cine, que ha encontrado en las obras de King extensa materia prima para numerosas producciones que van desde celebradas joyas del cine de autor como The Shining de Stanley Kubrick (1980), hasta producciones fallidas como la recién The Dark Tower de Nikolaj Arcel (2017). O la que nos compete en esta critica: It (2017)

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Mucho instituto, muchas hormonas, mucho acné puberto, pero muy poco de la esencia del personaje. A eso se resume la adaptación que hace Jon Watts sobre uno de los personajes más populares de los comics y posiblemente el más importante de la editorial Marvel.

Y es que el principal problema del Spider-Man de Watts, es que más que hacer una película sobre un adolescente Peter Parker, ha realizado una película comercial para adolescentes al uso, con todos sus clichés y personajes estereotipados clavados, con un Peter que sólo tiene por motivación la aceptación, ya sea con los Avengers o al ligar con la chica de turno, pero donde el "con un gran poder, una gran responsabilidad" brilla totalmente por su ausencia.

El resultado es una cinta que desdibuja mucho al personaje, quitando ese aspecto moral que le hace tan atractivo, convirtiéndole por el contrario en un superhéroe genérico (si en vez de tratar del hombre araña la película, tratará sobre el hombre rana, poco o nada se sentiría el cambio), esto se hace más patente cuando vemos que otro elemento característico del personaje como es “el sentido arácnido” ha sido sustituido por un super traje plagado de gadgets como si en vez de Spider-Man, estuviéramos hablando de un Iron-Man con Leggings.

A nivel técnico, posiblemente estemos ante unas de las cintas de Marvel con las peores escenas de acción filmadas; sólo se perciben saltos de cámaras, polvo y en ningún momento nos enteramos de lo que está ocurriendo. Sin embargo y pese a todo lo señalado, no se puede negar que tiene el sello palomitero Marvel, lo cual significa que, pese a ser un producto cuestionable no deja de ser entretenido.

Lo otro a su favor es el buen desarrollo del villano (lo cual ha sido uno de los mayores lunares del MCU) ya que entendemos sus motivaciones e incluso llegamos a empatizar con el mismo, gracias en parte al buen trabajo de Michael Keaton.

En el caso de Tom Holland; se le nota el compromiso, y aun cuando existen aspectos negativos, la recriminaciones más que al actor van hacia los guionistas y el directo, quienes le han hecho interpretar ese Spider-Man tan torpe y libidinoso que vemos en pantalla.

En resumen, una cinta con la cual se puede pasar el rato (siempre que se dejen pasar por alto las muchas libertades que se toma la cinta sobre el personaje) pero que está lejos de las mejores producciones del MCU y mucho más de las mejores adaptaciones del arácnido en la pantalla grande. Sobre esto último tampoco es mucho decir, ya que en particular considero el personaje sigue a la espera de su adaptación cinematográfica definitiva.

Un producto comercial que se limita a contar de manera pobre los que otras producciones han logrado hacer con mayor calidad.

¿Que tiene de novedoso?; que la protagonizan Emojis y la patrocina Candy Crush, Dropbox, Spotify entre otras apps. Sobre esto último, si algo caracteriza a Emoji: La película, es su falta de sutileza, falta de sutileza en el empleo del product placement, faltas de sutileza al piratear de forma obscena otras producciones animadas como Inside out o The Lego Movie (ni el flequillo azul de la sidekick del protagonista se salvó del plagio), falta de sutileza en subestimar la inteligencia ya no sólo del público adulto, si no del infantil, pero sobre todo falta de sutileza en su frivolidad que sólo busca aprovecharse de la enajenación o atontamiento que suelen padecen algunos pequeños (y también mayores) ante los dispositivos móviles, y así incentivar el consumo de las marcas que se alimentan de esta tecnología.

Es que, si se tuviera que resumir en palabras lo que significa esta cinta, seria pereza creativa para un spot comercial de hora y media, y si existe un emoji que la represente sería el emoji de caca pero con un parcho pirata y con mucho parches con los logos de las marcas que aparecen en la cinta. Y poco más, ni pena vale extenderse en un análisis o critica exhaustiva.

Un popurrí de todos esos elementos que menciono en el título resulta esta adaptación de la novela gráfica de Antony Johnston a cargo de David Leitch, director que junto a Chad Stahelski habían resurgido en John Wick (2014) ese género fuertemente influenciado por el thriller de acción hongkonés, en cuyo principales exponente encontramos a John Woo.

David Leitch en su segunda película (la primera ya de forma individual) decide alejarse de la estructura simple (pero auto consiente) de John Wick (2014), cuyo atractivo principal caían es sus coreografiadas escenas de acción o “Gun fu”, y decide realizar una obra mucho más barroca, donde incorpora elemento del cine de espionaje e intriga en una estética más estilizada.

Sin embargo, resulta cuando menos fallido el querer jugar con todos estos elementos, partiendo de un guion que se hace demasiado evidente y predecible como para alcanzar el buen cine de intriga, una estética que recuerda más a spots publicitarios que a cintas como 007 o la saga Bourne, un notorio horror vacui que hace a los personajes decir gran cantidad de diálogos expositivos o lo que es peor, el uso desacertado y aturdidor de la música, ni hablar del nada sutil empleo del product placement (cada vez que Charlize Theron pide un Stoli o James McAvoy sale con una botella de Jack Daniels lo único que falta es el product shot al final de la escena para indicar que se esta viendo un comercial y no una película).

En fin que resulta una cinta fallida porque peca de pretenciosa, algo que carecía John Wick (2014) y lo cual resultaba precisamente su mayor virtud.

A su favor puedo argumental el logrado diseño de producción con esa ambientación de Berlín a finales de los ochenta, la sobresaliente interpretación de Charlize Theron, algunas logradas secuencias de acción (como ese plano secuencia que resulta el clímax de la cinta), las referencias a Tarkovsky y poco más.

Si hay algo que parece obsesionar a Christopher Nolan es el manejo del tiempo en sus películas, en Memento lo manipulaba a través de una narración no lineal, en Inception dilatándolo en las diferentes capas de los sueños que planteaba la narración y en Interstellar era el planteamiento de los viajes en el tiempo

En Dunkirk vuelve a jugar con este recurso por medios de 3 historias contadas de forma simultánea pero donde el tiempo transcurre de forma independiente en cada una (en los soldados de la playa la narración es de una semana, para los marineros es de un día y para los pilotos es de apenas una hora) el chiste de usar este recurso en una cinta bélica es que refleja de forma genial la relatividad del tiempo (mientra para los rescatistas el tiempo es más breve, para los que esperan ser rescatados este resulta una eternidad

Por otro lado, Dunkirk más que ser una cinta bélica es una cinta de supervivencia, más que ver batallas épicas a lo Salvar al soldado Ryan, veremos es a un grupo de soldado que buscan sobrevivir y en ese sentido la película realmente transmite la angustia de estos soldados

A nivel técnico es un espectáculo, un montaje con constantes cross-cutting, la banda sonora de Hans Zimmer como siempre una genialidad, y la fotografía de Hoyte Van Hoytema en 70mm es impresionante, aunque la fotografía me resulto muy estilizada para efectos del cine bélico, en cual funciona mejor los colores opacos y grisáceos estilo El Pianista o Salvar al soldado Ryan, ya que dan mayor sensación de devastación (o por lo menos eso decía mi profesor de cine)

Todo bien hasta ahí, pero hay un detalle que hace que esta película por lo menos para mí se quede a medias, como lo es el desarrollo de los personajes. Nolan no profundiza en los mismos, no te dicen quienes son, cuáles son sus motivaciones, sentimiento o x, y cuando una película no hace eso no logra que empatices con los mismos, y te da igual si los mismo sobreviven o mueren, incluso peor, la historia te aburre porque no tienes un vinculo emotivo con los personajes y por ende con las situaciones

En fin, una cinta bélica interesante, que muestra el conflicto desde otro enfoque, que sólo le faltó un poco de profundidad para ser una joya del género, pero no llega a eso. Los fans de Nolan y el cine bélico seguro les encantara, los que no, no creo la disfruten tanto

Siempre he considerado que existen dos formas básicas de afrontar la experiencia cinematográfica; por una parte está la experiencia pasiva donde los espectadores son testigo de una narrativa cuya sucesión de actos tienen la finalidad de mantener el interés y la expectación, en este punto la clave considero radica en buenas y sobretodo originales historias. Por el otro esta la experiencia que busca crear algún tipo de reacción o transmitir emociones, para fines prácticos de esta última, la “forma” se convierte en el aspecto más relevante ya que la intención será crear un vínculo casi sensorial con la audiencia.

Everything, Everything es el segundo largometraje de la directora canadiense Stella Meghie. Adaptación de la novela homónima de la autora Nicola Yoon. A simple vista encontramos una drama romántico teenage cuya formula no dista mucho de películas del mismo genero que hallamos vistos recién, como el caso de Bajo la misma estrella (2014) o Yo, él y Raquel (2015), donde la fatalidad representada en una enfermedad es el recurso que sirve de conflicto, a la vez que une pero también interpone a los protagonistas. Y que vamos, tal formula no es novedosa, y los antecedentes de esa formula "amor y tragedia" la podemos encontrar desde obras como Romeo y Julieta de Shakespeare hasta legar a los clásicos del teatro griegos

El mérito de la directora Stella Meghie en Everything, Everything es que escapa a la narrativa al uso de los dramas románticos juveniles actuales, dejando el elemento fatídico antes mencionado como un mero macguffin, enfocando el lente de la cámara en las emociones, sensaciones y sentimientos que va experimentando la joven pareja protagónica a lo largo de la trama (buena química la de los actores Amandla Stenberg y Nick Robinson), a la vez que sale airosa de caer en recursos narrativos cursis y clichés en el proceso.

Todo bien hasta lo anteriormente dicho, sin embargo, mi problema con la cinta es que no pertenezco al target al cual va dirigido, por tanto, se me hace difícil conectar con la misma, haciendo que gire la mirada a los aspecto donde más fallas tiene como lo es el guión con todos sus actos y giros argumentales, los cuales resultan genérico e insulso, y ya no a nivel del Cine si no de un telefilm.

En resumen, una cinta que es más forma que fondo, que irradia ternura pero que su efecto pasa rápido cuando notas que su trasfondo resulta muy endeble. Pero si eres el terget, la experiencia te resultara más interesante que las cintas promedios del género en los últimos años.

Esta cinta viene a ser la salvadora del universo extendido de DC después de las fallidas BvS y Suicide Squad. La ubicaría como unas de las mejores películas de WB-DC sólo después de la trilogía TDK de Nolan y al mismo nivel de las Batman de Burton. Pero también es la mejor película sobre un personaje femenino de cómic en ser llevado a la gran pantalla a la fecha (los antecedentes son las olvidables Catwoman y Elektra).

Tampoco estoy descubriendo el agua tibia. Ya antes del estreno la crítica se había hecho de halagos con la cinta. ¿Pero por qué tanto Hype? ¿Que tiene la obra de Patty Jenkins que no tuvieron las de Snyder y la de David Ayer?

Considero hay que remontarse a los origines del cómic y lo que representa. Wonder Woman vino a reivindicar el empoderamiento femenino en una época donde las mujeres enfrentaban bastantes limitaciones sociales, ahí entonces que la introducción del personaje tuviera un impacto muy positivo.

Esa filosofía está bastante presente en esta cinta, el discurso feministra (no feminazis) que se lee entre líneas es de los más logrados en lo que a tratamiento cinematográfico se refiere, sobre todo porque la cinta no sermonea, muestra (La secuencia de Wonder Woman en las trincheras, amén de ser la mejor parte de la película, es de una simbología que eriza la piel como pocas películas lo hacen).

Otro aspecto que hace buena esta cinta, es que no va tanto sobre el superhéroes todo poderosos acabando con x cantidad de villanos encontrado en el camino, si no sobre el humano detrás de la capa, y si bien es cierto que Diana no es humana, sus valores, sentimientos y emociones si lo son. La directora subraya esos aspectos por encima de los demás y atina, dando a la cinta un toque que ni el consolidado universo cinematográfico de Marvel ha conseguido; humanizar al superhéroes. En tal sentido Gal Gadot es un acierto como interprete, que más allá de su intimidante belleza, transmite mucho carisma, así como aportar cierto toque ingenuo que hace al personaje entrañable.

En resumen se puede decir el gran mérito de la cinta recae sobre la realizadora Patty Jenkins, que no sólo ha sabido abordar toda la filosofía y simbología intrínseca del personaje, si no que le ha dotado con cierta sensibilidad, que en otras manos difícilmente hubieran conseguido. Jenkins también se perfila como la primera directora en alcanzar la cifra de los mil millones de $ en taquilla, un merecido reconocimiento que reafirmaría el que no solo pueden haber buenas cintas sobre superheroínas, si también rentables mujeres cineastas

En los aspectos negativos, el exceso de CGI resta verosimilitud, esto se llega a su paroxismo en la escena final, la cual dicho también resulta genérica y no dista de las bastante ya vistas en el genero. Los villanos tampoco son el fuerte, al igual que en las cintas de Disney-Marvel, tienen nulo desarrollo y apenas te acuerdas de ellos.

Existen también ciertas incongruencias narrativas, como el que ciertos personajes están en un lugar y por arte de magia aparecen en otro, el que se logren colar en un aeropuerto lleno de soldados enemigos como si nada y demás lunares que casi arruinar la película pero salvada por ser más los elementos positivos.

En conclusión, una cinta entretenida, emocionante y que hace justicia al cómic y a DC. Muy recomendable.

Para empezar, vale decir que esta cinta es una versión con esteroides de la primera, en el sentido que toman todos esos elementos que gustaron en la 1 y lo multiplican; ¿Te gusto Bebé Groot, la música retro, los chistes y situaciones absurdas?, bueno aquí vas a tener todo eso pero hasta la saciedad. James Gunn y Disney apuestan por lo seguro, no arriesgan mucho y se van con un producto que parece más fanservice que otra cosa.

Esto último se reafirma cuando ves que la cinta no aporta mucho al canon del universo cinematográfico de Marvel. Recordemos que la primera servía para presentar no sólo a los personajes, sino también unas de las Gemas del Infinito, leitmotiv de la GRAN apuesta de Marvel como será Avengers: Infinity War. En ese sentido la cinta resulta algo gratuita.

Otro elemento que en particular me saca de la cinta es el chroma key. Cuando voy al cine unas de las cosas que más me disfruto es ser cómplice con la película, eso de creerme real lo que narra aun cuando sé no son más que un grupo de gente actuando y toda la parafernalia que hay detrás, pero imagino de eso va la magia del cine, de generar empatía al punto de hacerte creer algo que sabes es falso. Últimamente esa empatía o complicidad con él cine me está costando por el uso excesivo del chroma, donde todo resulta tan artificial. Guardianes de la galaxia Vol. 2 no es que hagan un uso excesivo del chroma, es que 100% de la película es chroma, no hay un sólo set real.

Lo realmente malo de esto es saber este tipo de cintas no envejecerán bien, porque el CGI siempre va evolucionar y eso hará que dentro de un par de años esta película se vea anticuada. Basta ver el CGI de las películas de los 90 en la actualidad para notar lo risible que resulta, lo mismo seguro ocurrirá con este tipo de película en un par de décadas, por el simple hecho de que Disney está pensando sólo en llenarse los bolsillos en la hoy, no en crear productos que perduren bien en el tiempo Ahora dentro de los aspectos positivos, la película en un 80% de su metraje va a la deriva, carece de hilo argumental o conflicto, sólo es una sucesión de chistes, música retro y escenas de acción full CGI, pero el final tiene un twist que en partícula me parece salva la cinta de la catástrofe: ver spoiler

En definitiva una película irregular, carente de hilo argumental y endebles motivaciones para los personajes (un villano que resultan malo porque si y quiere destruir el universo porque le dio comezón en el trasero) pero que tiene un subtexto interesante, que es una sucesión de escenas de acción y chistes que por un momento te pueden divertir y por otro empalagar, en resumen, una cinta que se tambalea en la fina línea entre ser una mala película y una buena.