En la época estival es un hecho que la calidad de las películas baja bastante. Ya se sabe, el calor aprieta y no apetece mucho “darle al coco” por lo cual yo recomiendo las pelis de miedo. Si están bien hechas, cosa que también es difícil todo hay que decirlo, tienes asegurada dos horas de tensión, gritos, sustos y una importante descarga de adrenalina que te hace salir del cine bastante relajada.

“The crazies” es un remake, como se dice ahora, de la película del mismo título que en 1973 dirigió George A. Romero. No he visto la original, por lo que mi opinión se basa única y exclusivamente en esta nueva versión dirigida por Breck Eisner.

Un tranquilo y bucólico pueblo americano, de esos donde todo el mundo se conoce, donde todo resulta previsible y mantener un secreto es una tarea prácticamente imposible, ve alterada su rutina durante el acontecimiento deportivo del año: Aparece un vecino cuyo comportamiento nadie entiende y a partir de ahí se rompe la calma y se suceden vertiginosos acontecimientos que lo trastocan todo.

La historia no es demasiado original. Además los aficionados al cine de terror ya sabemos cuando toca susto, pero ahí reside precisamente el mérito de la película: Pese a saber donde toca ¡te asustas!. De hecho hay algunas escenas que te ponen los pelos de punta (no voy a decir cuales para no daros pistas).

Yo grite, cerré los ojos, me reí y salí del cine diciendo: “Anda, pues no es tan mala como esperaba.

No he visto la adaptación de Albert Lewin por tanto no puedo comparar ambas versiones pero si he hecho lo que creo que, en este caso, se debería hacer primero que es leer la novela. Oscar Wilde fue acusado de “indecencia grave” por prácticas homosexuales y condenado a dos años de cárcel en el Reino Unido, lugar que, tras cumplir la condena, abandonó para siempre asqueado de la sociedad de su época.

Teniendo en mente este dato, la historia en principio puede confundir. Si te quedas en la superficie parece una crítica feroz a la filosofía hedonista: Vivir por y para el placer, por muy atractivo que resulte, tiene un coste elevado.

Un análisis más a fondo deja claro el verdadero mensaje de la novela: Lo que plantea es que existen una serie de normas y convencionalismos sociales que hay que respetar y quien no lo hace debe atenerse a las consecuencias. Será condenado al rechazo de su clase, al ostracismo más brutal.

El pecado de Dorian Grey no es abandonarse a una espiral de drogas, sexo y violencia, algo que los demás miembros de la clase alta practican igualmente, su pecado es decir en voz alta lo que debe permanecer oculto. Las apariencias deben respetarse, es un código no escrito, pero Dorian se permite pronunciar en voz alta que vendería su alma al diablo a cambio de la eterna juventud. Algo que todos ansían pero ninguno reconoce.

Los diálogos puede que no sean muy brillantes, pero desde mi punto de vista no es lo más importante ya que se trata de una historia muy visual. Las sucesivas imágenes de sexo, orgías, sangre, suciedad, etc., recrean perfectamente como el alma noble del joven se va volviendo negra y sucia y lo hacen sin necesidad de palabras.

Al actor principal no lo conozco, pero Colin Flirh, actor que hasta ahora no contaba precisamente con mis respetos, realiza una interpretación soberbia del cicerone que se encarga de corromper al joven puro que tanto envidia.

La película me ha gustado bastante y recomiendo que la vean y, sobre todo, que lean la novela.

Con las películas de Martin Scorsese me suele pasar algo curioso: Aunque la película me guste me suele dejar un poso de aburrimiento. No se como explicarlo. Aunque la mayoría de sus películas son largas es como si les faltara metraje para rematarlas. Cuenta buenas historias pero su forma de narrarlas es tediosa y le cuesta captar la atención.

“Shutter island” produce en el espectador dos reacciones totalmente opuestas: O te dejas llevar, obviando las pistas que te susurran todo el tiempo: “Éste está chalado y todo es una fantasía”, o (gracias al recurso fácil del cine americano de achacar a supuestas conspiraciones del gobierno todo lo malo que existe sobre la tierra) no te ves capaz de hacerlo y pierdes el interés desde las primeras escenas.

En este caso yo me metí en la historia y me entretuvo. Tampoco era muy difícil ya que los actores hacen un papel excelente (sobre todo Ben Kingsley por el que siento total admiración) y los escenarios resultan tan macabros y claustrofóbicos que ayudan mucho a lograrlo.

No obstante…. Ya me pasó con “Gangs of New York”, ”Casino o “El aviador”. Siempre termino comparándolo con Coppola, no sé por qué, y siempre sale perdiendo.

Aún siendo una película floja, que lo es, tiene cosas bastante buenas. Fresnadillo logra dar vida a los terrores nocturnos infantiles de una manera inquietante y perturbadora, por lo que consigue que la historia, mitad cuento mitad leyenda urbana, te atrape y asuste un poco.

Creo que el fallo se produce a la hora de llevar esos miedos al terreno de los adultos, ya que lo hace de manera atropellada y confusa. Así la historia, que empieza con fuerza visual y una narrativa que engancha, pierde fuelle y se desinfla hacia el final, al intentar explicar la realidad con un argumento que no llega a cuajar del todo.

Buena fotografía. Destaca el trabajo interpretativo de Clive Owen y Pilar López de Ayala.

Después de leer las casi dos páginas que Carlos Boyero escribió sobre esta película en “El País” del domingo 18 de septiembre, en vez de hacer caso a mi ángel malo que me aconsejaba ver cualquier otra, decidí hacer caso al ángel bueno y darle una oportunidad. ¡Tal vez tantos elogios tengan un buen fundamento!.

Pero nada más empezar la película me sentí presa del “SINDROME LE-LE” (Síndrome del Letargo Legañoso) al que denomino así porque cuando lo padeces no llegas a dormirte del todo pero da tiempo a que en tus ojos comiencen a formarse legañas. Un sopor plano del que solo despertaba cuando Coronado (¡no quita la cara de cabreado el tío en toda la película!) hacia uso, bueno más bien abuso, de su enorme pistolón, muy al estilo de “Harry el Sucio” pero sin su gracia y sus frases demoledoras.

Si un borracho, muy muy borracho, después de echarle de un bar a las tantas de la mañana va dando bandazos de un lado al otro de la calle, con la visión borrosa y con un más que evidente temblor de manos, recala en un perdido club de alterne, perdido en un polígono industrial vacio a esas horas, para exigir que le atiendan pese a estar cerrado, lo más probable es que reciba una tunda de campeonato y termine tirado, molido a palos o medio muerto, en cualquier cuneta. Aquí, como el borracho en cuestión es poli, de repente tiene todos sus sentidos alerta, es él quien reparte estopa y, no contento con ello, mata a todo bicho viviente, menos a uno que se escapa, sin ningún motivo aparente.

Suponemos, porque Urbizu no lo cuenta, que Santos Trinidad (haciendo honor a su nombre que habla de “tres en uno”) arrastra una vida muy perra que le ha llevado a ser el policía que es: Un cabrón sin escrúpulos ni conciencia, que se pasa las ordenes del Comisario por el forro y que desaparece cuando se “le pega la gana”. Remueve cielo y tierra para encontrar al fulano que se le escapó (“mecaguen”) y en su particular cruzada resulta que desentraña una trama terrorista, lo que casi lo exime de sus culpas.

Vale que Coronado en su papel de poli “hijoputa” asusta un poco. Admito que en algunos momentos Urbizu logra recrear ese ambiente cruento y hostil propio de los bajos fondos. Pero es que si no te crees el principio te da igual el conjunto. La jueza pija desentona que no veas, y en cuanto a Juanjo Artero cada vez que aparece te preguntas donde está su compañero de la serie de TV “El Comisario” (ese que salía siempre con unos pantalones rojos de cuadros).

Entiendo que en España, donde no es habitual que se haga cine negro, esta película sorprenda e incluso pueda gustar. Pero de ahí a encumbrarla como ha hecho buena parte de la crítica hay un abismo.

En el mismo fin de semana he visto “Brooklyn's Finest”, película de Antoine Fuqua que trata sobre la misma temática. En el duelo pierde “No habrá paz para los malvados”.

Terrence Malick plantea la existencia humana como resultado de una elección entre la religión (con sus dogmas de fe y sus dictados que no buscan agradar sino poner a prueba porque escapan a toda comprensión humana) y la evolución natural (que supone admitir que estamos en el mundo por puro azar, que no trascenderemos, aceptar la insoportable levedad del ser).

En un acto de contrición, los personajes entablan un dialogo sordo con Dios y consigo mismos, resultado de su incapacidad para expresar a los demás, ni con palabras ni con gestos, sus sentimientos. Así cohabitan en el mismo hogar, sin rozarse, el dolor de estar vivo y sentirte muerto; la ira que te empuja a desear la muerte de otros; el sufrimiento intolerable por la muerte real no deseada. Diferentes formas de enfrentarte a la pérdida: Pérdida de la confianza, del amor, de la inocencia y, por último, de un ser querido.

Malick es capaz de transmitir un tropel de sentimientos solo a base de miradas: Miradas fijas, vacías, extraviadas, soñadoras, que reflejan desconsuelo, desanimo, anhelo de ser aceptado, odio… Primeros planos que junto a la música, parte importantísima de la película, te hablan sin necesidad de palabras.

No es una película fácil. No es lineal en el tiempo y en la primera parte su explicación del “Big bang” (un caleidoscopio de luz, formas, ríos de lava, nebulosas), la gran explosión que dio origen al universo, para intentar entender el final de la existencia, aturde, confunde y también, es cierto, aburre un poco porque el director se regocija demasiado en ello.

Al igual que en la maravillosa “La delgada línea roja”, Malick intenta discernir el significado de la vida y de la muerte desde un punto de vista místico que aspira a ser universal, seas creyente o no.

Brad Pitt, excelente en su papel de padre tiránico y duro. Excelente Jessica Chastain, esa actriz pelirroja, frágil y etérea, como madre sumisa y a la vez nexo de unión familiar. Sean Penn es solo una sombra en el conjunto… ¡pero qué sombra!.

Una mezcla de música, imágenes, colores, silencios y palabras entrecortadas que, aunque de manera muy poética, te hacen ver lo dura que es la soledad. Sentí mucha tristeza.

Mujeres hedonistas de todo el mundo, nuestra eterna búsqueda del goce ha terminado. Daniel Craig encarna el placer adulto para disfrutar con los cinco sentidos: Con la vista porque no hay mayor deleite que verlo caminar: ¡Que elegancia, que porte, que sensualidad!. Con el gusto, porque no dejas de relamerte cada vez que ofrecen un buen plano de su magnífico culo (y ofrecen bastantes). Con el tacto porque no te resulta difícil imaginarte entre esos brazos fuertes y poderosos…¡ay!. Con el oído porque el doblaje que le han puesto, una voz ronca y parco en palabras, te hace suspirar toooooodo el rato. Y con el olfato, porque aunque no percibes su aroma, te hueles que sea el que sea te dará igual porque el conjunto es irrepetible. ¡Como coge el pitillo, como agarra el vaso acodado en la barra del bar!. ¡Gracias al responsable de esos primeros planos de su rostro curtido, que parece cincelado en roca, y de esos ojos azules fríos como el acero!.

Tras demostrar mi admiración por el susodicho, quiero decir que todo intento de analizar esta película buscando homenajes, referencias o similitudes con otras de cualquiera de los géneros que aúna, es una pérdida de tiempo porque, tanto si existen como si no, resulta irrelevante. Se trata simplemente de un puro divertimento. Un espectáculo para recrearte y no pensar (algo que a veces se echa en falta). ¡Yo me lo pase genial.

No importa si la historia es un poco absurda. Tienes una del Oeste, perfectamente ambientada con su salón, forajidos, indios, un sheriff pardillo, el amo del pueblo y un duro con su corazoncito. A eso le sumas una de ciencia ficción, con muy buenos efectos especiales (destaca el espectacular brazalete) pero en la cantidad justa para no cargarse la historia. Con esos ingredientes Jon Favreau obtiene una mezcla que te intriga, te hace sonreir y sobre todo te entretiene. Este director no sé que hace pero con sus pelis (“Ironman” e “Ironman 2”) logra que me divierta mucho en el cine. Tal vez no sean grandes películas pero son muy muy entretenidas.

Harrison Ford, muy acertado en su papel, y Craig forman un tándem perfecto: Dos adversarios fuertes que acaban trabajando codo con codo, cada uno en su estilo. La que desentona en el conjunto es la escuálida Olivia Wilde porque cuesta un poco creer que con ese físico pueda hacer algunas de las cosas que hace. Del resto de los actores me quedo con David O´hara (Henry Howard, en “Los Tudor”), del que no queda ni un cachito…. ¡con lo bien que me cae!.

Esta película va de que “Los Goonies", varios años después pero más gritones aún si cabe, en vez de buscar un tesoro pirata están rodando una película de zombis y en su camino se cruza ”E.T.”. El extraterrestre, más crecidito y con peor genio (debe ser familiar de primer grado de “Predator” porque su parecido le delata), sigue queriendo volver a su casa pero se lo impide un grupo de militares muy muy malos, a los que les importa un pimiento ocasionar “La guerra de los mundos” (en la que por cierto aparecía la adorable Dakota Fanning que en esta cede el testigo a su hermana pequeña Elle) con tal de salirse con la suya. La zona está infectada (¡como en “Monsters”!) pero en vez de advertir a los habitantes del peligro que corren, y para evitar que el pobre bicho escape, consiguen evacuarlos con mentiras.

A partir de aquí el universo de Steven Spielberg se difumina y surge (ya sabemos que viaja en el tiempo y de una dimensión a otra) el de J.J. Abrams, quien parece que aún no ha podido escapar de la isla de “Lost”, por lo que recupera el famoso campo magnético, remedio universal para cualquier misterio o problema. Eso sí, en “Súper 8” el único humo negro que aparece es el de los trenes tras el choque y, en principio, no tiene poderes, aunque todo se andará. ¡Que pena que no aparezca Josh Holloway (Sawyer) saliendo del agua sin camiseta como en el anuncio de “Cool Water”.

Lo único que merece la pena de este batiburrillo repetitivo y nada original, es la película de zombis que los chicos terminan porque me trae reminiscencias de Tarantino. ¡Seguro que sus comienzos fueron algo parecido!.

Si omito el hecho de que con esta película sufrí un "dejà vu" (¿acaso no es la misma historia que contaba Phillip Noyce en “Silver”, traducida como “Acosada” en España, protagonizada por la entonces taquillera Sharon Stone?), debo decir que resulta apenas entretenida, pero que esto en la época estival, en la que el listón del buen cine cae en picado, ya es mucho.

Tampoco hay que olvidar que Hilary Swank es muy buena actriz y que la química con Jeffrey Dean Morgan funciona, como ya demostraron en “P.S. I Love You”, película de 2007 dirigida por Richard LaGravenese.

Ni aterroriza ni asusta, como no sea por la aparición de Sir Christopher Frank Carandini Lee (para mí el mejor Drácula de todos los tiempos) por aquello de que “el que tuvo retuvo”.

Es bastante previsible en todo.

En el “Mito de la Caverna”, Platón sitúa al hombre en un entorno cerrado, que representa el conformismo y la ignorancia, en el cual nos hayamos todos pues damos por reales cosas que no hemos comprobado ni experimentado. El interior de la caverna representa el mundo que percibimos mediante los sentidos y del que solo podemos obtener opiniones y no verdades absolutas. El mundo de las ideas, el verdadero, solo se alcanza mediante el uso de la razón. La salida de la caverna supone el acceso a un nivel superior de conocimiento. Platón establece una dualidad del mundo basado en la ignorancia y el conocimiento en la cual debemos saber elegir el camino adecuado.

Andréu vive en su mundo infantil, protegido por sus padres que lo mantienen “a oscuras” contándole una realidad que solo se sustenta en sus palabras y en la férrea credibilidad que el niño les otorga. Tras la brutal muerte de Dionis y su hijo, en una escena inicial apabullante y sobrecogedora, los acontecimientos se precipitan y el orden establecido comienza a resquebrajarse. La huida apresurada del padre, por miedo a posibles represalias franquistas, y el traslado de Andréu a casa de su abuela le ponen en el camino hacia el entendimiento.

A través de todos y cada uno de los personajes va encajando las piezas y cuando (pese a las resistencias de los adultos, a su empeño en esconder la autentica verdad) consigue completar el puzzle en su cabeza se produce una explosión en su interior que acaba para siempre con su inocencia: El niño madura de golpe.

Al caérsele la venda de los ojos comprende que su padre, quien durante años le ha inculcado que nada importa en la vida salvo los ideales, lo único por lo que merece la pena morir, hace tiempo que se vendió y al hacerlo, acabó con su integridad, con su legitimidad para inculcarle valores y con su derecho a dirigirle en la vida. La figura de la madre, sabedora de todo lo ocurrido, encubridora del delito, y que sobrevive al marido, sufre en sus carnes el rechazo del niño que, desbordado por tanta violencia, se convierte en el peor juez de sus progenitores abominando de ella cuando va a visitarlo a su nuevo colegio, negando conocerla de la manera más cruel posible. Ha elegido su camino.

Todos los personajes, rezuman dolor y rabia, pero si alguno retrata a la perfección la violencia soterrada que impregna esa sociedad rural de postguerra, donde todos se conocen, es la niña de las trenzas que, levantando poco más de un palmo del suelo, es capaz de escupirle a la cara a la prima de Andréu que su tía es una guarra, con unas palabras procaces y biliosas aprendidas, por oídas, en conversaciones de mayores.

Escalofriante resulta esa sociedad donde existe tanto odio, que toda una vida no bastaría para saldar las cuentas pendientes. “Pa negre” es un viaje, enmarcado en el peor escenario posible de la historia de España, desde la inocencia interrumpida hacia la madurez precoz y no buscada.

¿Y si Butch Cassidy y su colega Sundance Kid no murieron tiroteados en Bolivia (todos recordamos la escena final de "Dos hombres y un destino") sino que escaparon y vivieron allí escondidos?. A partir de esta hipótesis Mateo Gil nos presenta una del Oeste, pero fuera del Oeste, que recrea maravillosamente la vida del bandido romántico por excelencia que tanto juego ha dado en el cine.

Con Bolivia tomo telón de fondo nos introduce en sus paisajes, de una belleza agreste, agresiva y extraordinaria, a través de una fotografía de gran belleza, que confieren a la historia un halo casi épico y soñador. El ahora conocido como Blackthorn, otrora compañero inseparable de Sundance, se siente mayor y extraño en la tierra que le ha acogido durante años y decide volver a su país. Pero en su camino se cruza un ingeniero español (“como se te ocurre fiarte de un español”) que le hace rememorar la camaradería, la amistad, la lealtad por encima de todo. La película cuenta con buenos diálogos y la complicidad entre Noriega y Sam Shepard consigue hacerla divertida y muy creíble. Está en la línea de los buenos “western” de Clint Eastwood.

No recordaba quien era Mateo Gil, pero si recuerdo perfectamente “Nadie conoce a nadie” una película de intriga rodada en Sevilla que me sorprendió mucho en su día y en la que también contó con Eduardo Noriega.

Como está rodada en inglés espero que “Blackthorn” triunfe tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, porque es BUEN CINE, con mayúsculas, y prueba irrefutable de que en España contamos con muy buenos profesionales. ¡Os la recomiendo sin duda! (además en esta ocasión creo que he coincidido con Boyero).

El grave accidente de uno de ellos es el punto de partida de esta película coral en la que un grupo de amiguetes deciden irse juntos de vacaciones, como es habitual, eludiendo así enfrentarse al dolor y la posibilidad de la muerte. Guillaume Canet en un ejercicio de maestría, inteligencia y sensibilidad, nos ofrece una historia que transita por la senda de la comedia, bordeando todo el tiempo la tragedia para finalmente zambullirse en ella.

“Algo ha cambiado en mi vida, que ha paralizado mi alma”, con la letra de esta canción que interpreta uno de los actores a la guitarra, todos los personajes realizan una autocrítica de su vida y se estremecen por lo que hay en ella que no les gusta y que ocultan a los demás.

Es una película 10: Buena historia, buenas interpretaciones, buena fotografía y una impresionante banda sonora tan excepcionalmente elegida que es una parte tan importante de la película como los propios actores, porque nada como la voz de Janis Joplin puede dotar de mayor intensidad interpretativa a una escena y nada como “My way”, cantada a ritmo de salsa, puede ilustrar mejor el llanto por la muerte y la celebración de la vida.

Te ríes, lloras y vuelves a reir. Si te gustó “Los amigos de Peter” de Kenneth Branagh y “Beautiful Girls” de Ted Demme, te encantará.

Siguiendo con mi tendencia natural a tragarme todas las pelis sobre el diablo, no podía dejar de ver esta para ver si, dado que es “el último” exorcismo, me desengaño definitivamente. Pero no ha sido el caso, ya que me he encontrado con una historia que pese a hablar nuevamente de la posesión demoníaca de una pobre chica (las poseídas siguen siendo mujeres) es bastante interesante al estar rodada a modo de documental y con un atractivo planteamiento al tratarse de un predicador que decide desenmascarar las mentiras que subyacen en la practica religiosa del exorcismo.

Pese a que utiliza argumentos ya contados en otras películas, supuestos homenajes, cuenta con escenas que resultan estremecedoras, incluso aterradoras, lo que mantiene despierto el interés y la tensión…

Un final de vértigo. Recomendable para pasar un buen rato o malo dependiendo de cuanto consiga asustarte.

Un ejemplo más de cómo destrozar un cómic y hacerlo tan insoportable que con solo escuchar la palabra “súper héroe” salgas corriendo del cine y no pares hasta encontrarte a salvo en el salón de tu casa.

Otro guaperas rubio machacando al personal (aunque sea australiano encaja perfectamente con el prototipo de machito americano) no solo con su enorme martillo, sino con su insoportable actuación. Un nuevo subproducto pensado para el CINE 3D. Mucha nebulosa, paseos por el espacio y precipicios con el único objetivo de marearte y así, con un poco de suerte, no eres consciente de lo mala que es la peli.

No sabía que el director era Kenneth Branagh y al enterarme me he dado cuenta de que probablemente ese es uno de los motivos por el que la película me resultó tan aburrida. Un actor-director shakesperiano, habitualmente serio y trascendental, contando la historia sobre un Dios nórdico… creo que se ha encontrado bastante perdido con el asunto y ha intentado dotarla de un aire épico, cosa que no ha logrado.

Desde mi punto de vista son pocas las adaptaciones al cine de súper héroes que han aprobado con nota. Me quedo con Spiderman (todas bastante aceptables), Ironman (aunque la segunda fue peor que la primera Robert Downey Junior hace muy creíble el personaje) y de todas las versiones del hombre murciélago el Batman de Christopher Nolan interpretado por Christian Bale. En damas ninguna como Cat Woman, en la que por físico me quedo con Michelle Pfeiffer y por aptitud con Halle Berry.

Cuando partes de diversas adicciones, tu novia te acaba de dejar y te persigue une editora que te ha pagado por un libro que ni has empezado, cualquier ayuda, venga de donde venga, se agradece aunque la mano te la tienda alguien que no te inspira demasiada confianza. Si aceptarla supone únicamente tomarte una aparentemente inofensiva, transparente y delicada pastillita, casi como una gominola, las dudas se reducen a la mínima expresión. A partir de ahí explosión mental, percepción al cubo y un desarrollo de capacidades desconocidas llevadas al extremo.

Si además a esa personalidad, inicialmente derrotada, la envuelve el físico de Bradley Cooper, que al principio aparece afeado físicamente para ir tuneándolo poco a poco hasta alcanzar el esplendor físico que lo caracteriza, pues la cosa pinta bien.

“Sin límites” es una película bastante solida que cuenta con Robert de Niro como secundario de lujo de este actor guapo, no hay duda, pero que aún tiene mucho que demostrar.

Tiene ratos aburridos, pero el director consigue resolverla de manera sensata y creíble haciendo que, al final, te lleves la sensación de que es una buena historia.

Recomiendo verla “con límites” si el resto de las opciones son dudosas. La moraleja que nos vende es que por mucho que avance la ciencia siempre irá por detrás del hombre ya que, al fin y al cabo, es a él a quien debe su nacimiento. ¡Nos encanta ser los más listos!.

“Una de romanos” para mi siempre es una buena opción. Admiro su cultura, su estética, su arquitectura, sus códigos, su fortaleza… Un peplum (http://es.wikipedia.org/wiki/Peplum) sin muchas pretensiones, por lo que resulta bastante entretenido y casi gratificante en este mercado saturado de productos 3D y efectos especiales (aunque tenga alguno que no digo yo que no).

Narra la historia de un centurión romano que, tras ser licenciado con honores del ejercito por una lesión, decide buscar más allá del conocido como “Muro de Adriano”, el águila de la novena legión, comandada por su padre, y cuya perdida trajo la deshonra a su familia.

Esta película “de hombres” despertó mi lado masculino, que haberlo haylo. Es un canto al honor por encima de todo. Ensalza la camaradería masculina, la confianza total en el otro. Es un viaje hacia la empatía, un aprendizaje, un conocimiento de las diferencias entre culturas y las semejanzas entre los hombres, vengan de donde vengan.

Los paisajes son espectaculares, la música muy acertada y bien utilizada. Destacaría, en una de las escenas iniciales, la batalla entre los romanos y los bárbaros para rescatar algunos prisioneros, ¡espectacular!.

Aunque no se pueda catalogar como una gran película yo recomiendo verla.

Cuando Orson Welles aterrorizó a Estados Unidos gracias a su obra radiofónica “The War of the Worlds”, provocando que la gente que escuchaba la emisora abandonara sus casas creyendo que se trataba de una autentica invasión extraterrestre, seguro que no imaginó lo que iba a provocar entonces y mucho menos que en años posteriores se seguirían haciendo películas basadas en su historia intentando causar el mismo efecto en el espectador cosa que ninguna, ni siquiera contando con la tecnología actual, ha logrado (la imaginación es un arma muy potente).

La versión que en 2005 dirigió Steven Spielberg, protagonizada por Tom Cruise y Dakota Fanning, narrada en la versión original por Morgan Freeman, sin aportar nada nuevo resultaba entretenida pero poco más.

Ahora, Jonathan Liebesman vuelve a desempolvar el guión, a falta de ideas originales, y nos presenta “Invasión a la tierra” en la que hasta el título es incorrecto (¿no debería ser “La invasión de la tierra”?). Lo que comienza como una supuesta lluvia de meteoritos se convierte en una colonización alienígena de las más importantes ciudades del mundo, hasta que Los Ángeles queda como el único reducto de resistencia humana ante el ataque.

A partir de aquí “americanada al canto”: El reducido grupo de marines machotes, machos alfa por excelencia, se enfrentan con todo el armamento del mundo mundial a las hordas extrarrestres. Apenas hay palabras porque no hacen falta, ¿para qué?. Se trata de cargarse a los bichos, maquinas o lo que sean cuanto antes y los soldados americanos, perfectamente entrenados, no pierden el tiempo hablando, vamos es que ni descansan, ni comen, ni van al baño.

Los diálogos se reducen a: “Señor, si señor”, tatatatatatatá (ruido atronador, ensordecedor, insoportable de ametralladoras y otras armas). “Marines, ¿retirada?. Y un cuerno señor”, tatatatatatatá. “Descansen marines, nos han salvado la vida”. Mirada acuosa al frente, reflejando el orgullo por la patria, mientras suena la música…

Que digo yo que a lo mejor los aliens dejan Los Ángeles para el final porque lo que realmente querían con tanto barullo solo era dejar sus huellas en el paseo de la fama.

Cuando has sido educada en la creencia de que existe el infierno las películas de posesiones demoníacas ejercen una especial atracción a la par que miedo. Si a esto le añades que en el cine la mayoría de las poseídas son mujeres (será por aquello de que somos las hijas de Eva y, por tanto, genéticamente predispuestas a pecar) y que quienes las poseen son demonios hombres (¿tendrá esto algún componente sexual?) pues claro la cosa asusta aún más.

Una buena aficionada al género de terror no podía dejar pasar la oportunidad de ver esta película (sobre todo porque la protagoniza Anthony Hopkins, cuyos ojos como el Dr. Hannibal Lecter aún nos hacen temblar) pero debo decir que es francamente decepcionante. Desde el principio resulta insulsa. Cuando, tras una sesión de exorcismo, el “aún-no-cura” pregunta al “cura senior”: “¿Ya está?”, éste le contesta: “¿Que esperabas, giros de cabeza y puré de verduras?”, en una clara alusión, no exenta de burla, a una de las escenas más famosas de “El exorcista”, te sorprendes mucho porque esta película, pretenciosa por el hecho de estar basada supuestamente en hechos reales, acaba utilizando los mismos trucos y efectos especiales que la citada: Hay contorsiones imposibles de la poseída, voces terroríficas, lenguas extrañas, fuerza inhumana… Vamos más de lo mismo pero mucho peor contado.

Lo más llamativo de mi sesión fue el hecho de que en mi misma fila había tres curas (por lo menos vestían de negro y llevaban alzacuellos, aunque tambien podrían ser frikis de este género) que no debieron asustarse mucho porque se pusieron ciegos a palomitas.

En vez de ésta recomiendo ver “La posesión de Emma Evans”, una magnifica película española, de los productores de “REC”, dirigida por Miguel Carballo, con actores ingleses. ¡En nuestro país cada vez se hace mejor cine de terror!. Igualmente me resultó aterradora e impactante “El exorcismo de Emily Rose” que, al igual que “El rito”, está basada en hechos reales.

Solo espero que, por aquello de aplicar los Planes de Igualdad y tal, la próxima historia que vea de este genero sea, por ejemplo, “La posesión de Pepito Pérez”, que digo yo que si los demonios son todos hombres también puede que haya alguno homosexual ¿no?.

Si en España se hiciera una película sobre las tribulaciones de un pobre niño rico, de profesión Rey, que tiene que ir al Logopeda para poder pronunciar un discurso (que ni siquiera ha escrito él) de corrido no hubiera ido a verla ni el Tato. Pero como la hacen los ingleses sobre un rey, para mi desconocido hasta que fui a ver esta película, los americanos que, parece ser, añoran tener una monarquía propia (recuérdese el premio a Helen Mirren por su papel en “The Queen”), hincan la rodilla en tierra y rinden pleitesía a esta historia “coronándola” con el máximo galardón cinematográfico: EL OSCAR.

Una historia tediosa desde las primeras escenas en la que, no lo discuto, Colin Firth representa bien el papel de estirado e irritante Rey tartamudo, pero que ni de lejos llega a la calidad interpretativa del resto de los actores nominados sobre todo por la complejidad de sus papeles y que en este caso no da para más. Lo más emocionante de la historia es cuando en sus clases, a petición del profesor, consigue gritar:” Mierda, caca, culo, cabrón” sin trabarse.

Para los de la Academia de Hollywood representar un papel de minusválido físico o psíquico, o aparecer en pantalla irreconocible por el maquillaje es prácticamente garantía de Oscar, algo que nunca he entendido y mucho menos compartido.

En esta película destaca Helena Bonham Carter siempre perfecta en papeles de época. En cuanto a Geoffrey Rush cada vez que hablaba me despertaba de mi letargo esperando ver a Jack Sparrow y la Perla Negra.

Viendo el éxito de este tipo de películas, tan banales, creo que en España nuestros directores deberían explotar más este filón porque aquí hemos tenido Reyes de todas las clases y colores, a saber: Tuvimos al “Deseado”, “El Hechizado”, “La Loca”, “El Hermoso”, “El Sabio”…

Visto lo visto, os anuncio que el próximo año el Oscar a la mejor actriz ya lo tiene asegurado Meryl Streep que está rodando una película sobre Margaret Thatcher y cuyo parecido con “La Dama de Hierro” está muy conseguido.

Si el nominado hubiese sido Jonathan Rhys-Meyers por su papel de Enrique VIII, el Rey inglés que más juego ha dado, en la magnífica serie “Los Tudor”, si habría estado de acuerdo… (je, je).

Darren Aronofsky rebusca en la trastienda de un espectáculo para mostrarnos lo que queda cuando se apagan las luces y baja el telón y, al igual que en “El luchador” (título de mi crítica: “Yo también fui aficionada al wrestling”), vuelve a conseguir una magnífica película.

Enmarcada en el género de terror, pues no hay mayores miedos que los que nacen de tu mente porque nunca puedes huir de ellos (“el sueño de la razón produce monstruos”), cuenta el infierno en el que vive una bailarina a la que los reproches y la presión materna, asfixiantes, la competitividad a la que se enfrenta cada día en su trabajo y la presión a la que se somete ella misma por su afán de perfeccionismo llevan al borde de la locura.

Conocer de cerca los efectos que la anorexia produce, no solo en quien la padece sino en quienes están alrededor, hace la película más creíble, más cercana y más dolorosa. Por eso no estoy de acuerdo con la opinión de muchos críticos sobre el final de la película, al que tildan de exagerado, esperpéntico y cosas similares.

Natalie Portman tiene un talento inversamente proporcional a su estatura. De una belleza angelical y una elegancia innata (¡impresionante el vestido blanco de Rodarte!) es capaz de mostrar una tierna fragilidad que toca a todo el que la conoce y, a la vez, demostrar una sensualidad que se transforma en una fuerte atracción sexual con el feo, pero enormemente atractivo, Vincent Cassel. ¡Me alegro de que por fin se vaya a premiar su fantástica carrera con un Oscar que, nadie lo duda, le pertenece!.

La maravillosa música de “El lago de los cisnes”, de Chaikovski, envuelve toda la historia y acompaña la impresionante transformación del cisne blanco en el negro, la liberación de todas las ataduras de Nina hasta alcanzar la soñada perfección. ¡Una historia de una belleza terrorífica!.