Bueno. Ya lo he hecho. Me he tragado otra película enterita de este señor. Y lo siento pero me reafirmo: ¡es insorportable!

Paris, para todos los que tenemos la suerte de conocerla, es una ciudad maravillosa. Mi primera impresión, cuando baje del avión, fue mala. El cielo era gris y plomizo, ¿por qué se la conoce como la ciudad de la luz? Pero se trata de un solo instante de duda ya que enseguida que comienzas a circular por sus calles y adentrarte en el corazón de la ciudad ésta te engancha, te seduce, te enamora. París es arte, es moda es historia, es movimiento y cambio, es pasado y futuro.

París no necesita la visión de un americano neurótico cuyo conocimiento de la ciudad, por lo que se refleja en la película, parece limitarse estrictamente a lo que otro americano, no se si tan neurótico como éste pero bastante pasado de alcohol, habitualmente, mostró de ella a través de sus libros. En “Paris era una fiesta”, Hemingway y sus andanzas con Gertrude Stein, Fitzgerald y su mujer, Zelda, Picasso, algunos impresionistas, aquí y allá y Dalí, cuyo histrionismo, cultivado y explotado hasta la saciedad, siempre dan juego en pantalla, basa Allen el argumento de su película.

Lo de que a las 12 de la noche, cual cenicienta de hablar entrecortado y atropellado (¡Owen Wilson transmutado en Wody Allen!), te recoja un coche y te traslade ora de la “Belle Epoque” ora a los “felices años 20”, no es nada novedoso. Marty McFly ya dijo todo lo que había que decir sobre este tema y punto. ¿Dónde está la originalidad?

En mi opinión, la película evidencia un conocimiento de Paris y su historia equivalente a “un océano de sabiduría con un dedo de profundidad”. Una sarta de tópicos sobre personas y personajes cuyo legado fue muy superior a lo que aquí se refleja. Si, ya sé que no pretende ser un tratado de historia, pero creo que si estos diálogos le hacen gracia a alguien será a los americanos porque a los europeos poquito, poquito.

Al igual que le ocurrió con Barcelona, no consigue despertar el deseo por conocer París. Reproduce hasta la saciedad le Tour Eiffel (apagada, encendida, de frente, de lado) y pasa de puntillas por lugares emblemáticos como la maravillosa Cathédrale Notre-Dame (claro que para conocer ésta habría que leer “Notre-Dame de París” y, jolín, es un libro con muchas páginas).

No recomiendo esta película pero si:

Visitar el Musée d´Orsay, por la magnifica colección pictórica que alberga y por el magnifico edificio que la guarda.

“Los miserables”, de Víctor Hugo, una obra que, pese a estar escrita en 1862, sorprende por su vigencia y por su profundo conocimiento del alma humana, del bien y del mal y del sentido de la justicia.

“Tender is the night” de Scott Fitzgerald.

Y para rascar un poco en la imagen tan superficial que todos tenemos de Dalí, nada mejor que “La vida desaforada de Salvador Dalí”, de Ian Gibson, quien ha demostrado, de múltiples maneras, su profundo amor por España, sus paisajes y su cultura.

No vi esta película en su día porque no soporto al “genio” Woody Allen. Me irrita con su sola presencia y, sobre todo, con ese doblaje balbuceante que les ponen a los personajes que interpreta. Tampoco me hacen gracia sus “geniales” diálogos. Solo me he salido de una sala de cine en tres ocasiones: con “La noche de los muertos vivientes” (aún no había aceptado a los zombies en mi vida y me daban mucho asco), con una película argentina, de cuyo nombre no quiero acordarme, sobre un tío que iba al psicoanalista y con “La rosa púrpura del Cairo”.

Pero he de confesar que “Macht Point” me ha dejado con la boca abierta. Incluso admito que he llegado a pensar que quien la había escrito y dirigido había sido Son-Yi y que Woody solo había puesto su firma (no sería la primera vez en la que un hombre se lleva el mérito de la obra de su pareja, por ejemplo, sobre algunas de las obras de Rodin siempre ha planeado la duda de si su verdadera autora no fue Camille Claudell). Pero como no me considero de natural rencorosa, estoy dispuesta a aceptar que el señor bajito del clarinete ha conseguido una película redonda: buenas interpretaciones, una música espectacular y una historia que engancha de principio a fin.

Planteando la premisa de que la suerte es muy importante en la vida y de que nuestros logros o errores se deben en numerosas ocasiones al puro azar que, inconstante, nos lleva por este o aquel camino, el director neoyorquino va desgranando un relato cuya imagen inicial, una pelota de tenis que al tocar la red puede caer en un lado u en otro de la pista, resume la historia, aunque solo lo entiendes al final.

Jonathan Rhys Meyers realiza una soberbia interpretación. El comedido y encantador jugador de tenis, soñador, bohemio, entra en contacto con la clase alta sin que, en un principio, parezca envidiar nada de lo que ésta posee. Su sencillez, naturalidad y falta de ambición conquistan a los ricos tanto como a él lo va conquistando la buena vida. Y así, sin apenas ser consciente de cómo ni cuando, se ve inmerso en una relación con la dulce heredera que lo arrastra y acaba transformándolo en algo que detesta.

En medio de ese proceso de cambio conoce a la sexual Scarlett y no puede evitar sentirse atrapado por el deseo. Una relación intensa y perturbadora de la cual, cuando se trueca en una amenaza para su nueva y acomodada existencia, empieza a dudar e intenta abandonar, cosa que ella, exigente, le impide.

Así llegamos a un final desesperado para el protagonista e inesperado para los espectadores. Una solución drástica en la que la suerte vuelve a jugar un importante papel, y que, pese a su empeño, acaba trastocando su vida.

La escena final, un primer plano de Rhys Meyers en cuyos ojos puede leerse la culpabilidad por los actos cometidos y la angustia vital por la persona en la cual se ha convertido (mientras suenan las notas tristes de “Una furtiva lagrima”, perteneciente a “L'elisir d'amore”, de Donizetti), es de una tristeza sublime.

¡Venga ya! ¿Pero en serio un espejo mágico, medianamente profesional y que cumpla las normas ISO, puede declarar impertérrito, sin fragmentarse en mil pedazos por tamaña trola, que Kristen Stewart es más guapa que Charlize Theron? ¿Alguien puede creerse que esta diminuta mujer de pelo grasiento y paletos de ratona pueda hacer ni tan siquiera sombra a la esplendorosa, hermosa, sensual e impresionante rubia sudafricana? ¡Pero si ha sido chica Martini! Y a cambio ¿cuál es el mayor logro de Kristen Stewart? Enamorar al vampiro más insulso y poco atractivo de toda la historia del cine (incluso Nosferatu, interpretado por Klaus Kinski resultaba arrebatador comparado con Robert Pattinson).

Si obviamos lo de la pobre Blanca REZANDO UN PADRENUESTRO ¿¿¿???? encerrada en la torre, y lo de que viste y arenga a las masas cual Juana de Arco blandita, ¿qué tenemos? Pues poquita cosa: lo del ejército de cristal oscuro recuerda sospechosamente a los ejércitos de Sauron y el bosque habitado por trolls, hadas, maripositas y colorines una mezcla entre “Avatar” y “La Historia Interminable” (aunque tiene más de esta última porque es una película tan tediosa que, verdaderamente, la historia se te hace interminableeeeeee).

A destacar que Blanca, ahí donde la ves, no es tan mojigata como aparenta porque no se despierta con el beso que le da el soso hijo del Duque, pero, sin embargo, cuando quien la besa es el cazador no veas cómo se espabila (aunque claro, que te de un beso el mismísimo Thor tiene que ser como inyectarte un Red Bull en vena ¡No quiero ni pensar que hubiera pasado si le llega a enseñar “su martillo”!).

En fin, para conciliar el sueño, como dirían Sabina y Chavela: “Que no te duerman con cuentos de hadas (por lo menos con uno tan malo como éste).

Para la ética discursiva el rasgo característico de los seres humanos es la racionalidad manifestada objetivamente en el lenguaje. En la acción comunicativa la racionalidad viene dada por la capacidad de entendimiento entre sujetos capaces de lenguaje y acción mediante actos de habla cuyo trasfondo es un mundo de creencias e intereses no explícitos comúnmente aceptados por las comunidades de comunicación. El uso arbitrario del lenguaje es, precisamente, lo primero que te llama la atención en esta película.

Giorgos Lanthimos nos muestra, de manera sorprendente y no exenta de un humor mordaz, como unos padres, que se niegan a que sus hijos reciban ninguna clase de influencia del exterior, manipulan su vida mediante la manipulación del lenguaje. Cambiando a su antojo el significado de las palabras, consiguen aislar más aún a sus hijos mermando su capacidad de comunicación con otros seres humanos. El resultado son unas escenas hilarantes que, al mismo tiempo, te producen estupor y cierta claustrofobia por lo que implican.

Al eliminar de la vida de los adolescentes la influencia de los otros dos grandes agentes de socialización, la escuela y el grupo de pares, queda en manos de la familia, tercer agente, la educación de los menores. Así esos padres irresponsables, decididos a ser la única referencia de comportamiento y fuente de información para sus descendientes, montan un sistema de normas y valores que los adolescentes no pueden cuestionarse porque carecen de referencias para comparar. Los padres deciden la diversión, la comida, el castigo…

La labor de control y aislamiento alcanza su máxima expresión en el código férreo que el padre inventa y que supone una condición sine qua non para poder abandonar el domicilio familiar. Y aquí, demostrando un extraordinario conocimiento del comportamiento humano y de los dilemas a los que nos enfrentamos a lo largo de nuestra existencia, Lanthimos nos muestra como lo que somos, no solo es fruto del proceso de socialización al que nos vemos sometidos nada más nacer, sino que es un compendio de éste, de las características personales de cada uno, aquellas que conforman nuestro carácter, y de nuestra experiencia vital.

Así, cuando la hija mayor, cuya curiosidad y ansia de saber no pueden domeñar los padres ni onsus mentiras ni con sus golpes, decide que ha llegado el momento de conocer mundo, de salir, lejos de infringir el código establecido por el padre lo cumple a rajatabla, aunque ello suponga lesionarse físicamente de manera brutal.

La película es tan original, tan sorprendente, tan divertida a la par que trágica, que aunque al principio ejerces como un espectador neutro porque no acabas de entender lo que estás viendo en pantalla, terminas totalmente rendido y entregado al buen hacer de este excelente director griego.

Creo que ya vale. Seguir manteniendo este triunvirato (Tim Burton, su mujer y Johnny Depp) le está haciendo un flaco favor a los tres. Tienes la sensación de que cuente lo que cuente la película ya lo has visto antes.

Uno cosa es tener un universo propio y muy particular y otra reproducirlo una y otra vez (“Charlie y la fábrica de chocolate”, “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”, “Alicia en el País de las Maravillas”, “La novia cadáver”).

Siempre he considerado a Johnny Depp un magnifico actor, pero últimamente entre su papel de Jack Sparrow y los que interpreta para Tim Burton se está convirtiendo en un conjunto de maquillaje, muecas y aspavientos exagerados que hacen peligrar su credibilidad como actor. Incluso empiezo a dudar de que fuera capaz de llevar el peso de una película solo a fuerza de silencios y miradas.

“Sombras tenebrosas” encuadrada en el género de comedia/terror/fantástico, creo que, en realidad, no encaja en ninguno de ellos ya que reírte no te ríes absolutamente nada (es más, los diálogos resultan casi patéticos), miedo no sientes (como no sea que te asuste el hecho de haberte dejado engañar, otra vez, por la publicidad que te ha inducido a elegir esta película) y de fantástico podríamos calificar el hecho de que estos tres elementos no se den cuenta aún de que ha llegado el momento de separarse y abrirse a nuevos horizontes, por su bien y por el de todos los espectadores.

Si tuviera que destacar algo de esta película seria el hecho de que haya recuperado a Michelle Pfeiffer, a quien hacía mucho tiempo que no veía en el cine, y la actuación de Eva Green, cuyo papel de bruja piruja resulta sexy y refrescante.

Sevilla, unos años antes de la Expo 92. Convertir una ciudad cualquiera en un escaparate mundial exige obras mastodónticas, inversiones millonarias, sacrificio y el esfuerzo coordinado de muchas personas y colectivos: el trabajo de unos brillará en la superficie y embellecerá la ciudad; el de otros se hunde en las profundidades y es mejor que nunca salga a la luz. De eso va esta película… ¡y qué película!

El Grupo 7 lo forman: Mateo, un policía regordete, putero y chusco, “tipical spanish”; Miguel alto y rubio con aspecto de señorito andaluz; Ángel, el más joven, tan simpático como ambicioso, que observa en silencio a su compañero Rafael, solitario, violento, cruel, desengañado (y tan igualico tan igualico a Chuck Norris que yo creo que es un homenaje encubierto del director a este “actor”, como lo demuestra el hecho de que habla poco pero golpea mucho y bien).

Los cuatro persiguen a yonkis y traficantes sin descanso, sin escrúpulos y sin piedad, utilizando todos los medios a su alcance para lograr éxitos que lancen sus carreras sin desdeñar, de paso, mediante la corrupción y los métodos más salvajes, ingresos extras que les permitan mejorar sus sueldos de mierda.

Intimidación, tortura y trafico encubierto, componen el día a día de los “violentos de Mario” que cuentan con el apoyo de sus superiores, que miran para otro lado, siempre que la basura no los salpique y los medios de comunicación no se hagan eco de su “correcta” actuación policial. “Lavar&marcar” ese es su trabajo: lavar la cara a la ciudad mientras marcan territorio y la "face" de todo aquel que se cruza en su camino.

Con un ritmo vertiginoso la película te mantiene en permanente alerta, con una sensación desagradable en el estomago por el salvajismo de algunas escenas, a la vez que no puedas evitar esbozar alguna que otra sonrisa ante las ocurrencias de estos policías tan bizarros.

Alberto Rodríguez hace que al papel del “más hijoputa” opten, por turnos, los policías y los traficantes, que la línea entre los buenos y los malos se torne borrosa y que acabes dudando de quien es quien. Logra, de manera magistral, mostrarnos que en la vida nos encontramos a menudo con encrucijadas que nos exigen elegir y que cada elección tendrá consecuencias. Cuando los defensores del orden y la ley se pasan ésta por el forro, su particular justicia les es devuelta de una manera brutal, sí, pero que el director hace que casi llegues a entender y compartir (ya me lo dirán cuando vean la escena de la emboscada a los policías, ¡es una de las mejores que he visto en una película, la perfecta representación de la Ley del Talión!).

Después de esta película “No habrá paz para Urbizu”…. ¡Esto sí que es buen cine negro!

Creo que la primera vez que supe de esta serie fue a raíz de un premio que le dieron a Jessica Lange por su papel de "esposamadrevecinacabrona". La familia Harmon (Ben, Vivien y su hija Violet), tras sufrir ella un aborto y el tener una aventura amorosa, se traslada de Boston a Los Ángeles con el fin de recomponer sus vidas. Se mudan a una impresionante mansión ignorando que la misma se encuentra incluida en un tour turístico como “la casa de los crímenes”, y que, además, no están solos pues en la casa residen “otros habitantes” que no pagan hipoteca. La familia también carga con un buen equipaje de dudas, decepciones, miedos y rabia que la casa utilizará en su contra.

La casa cumple todos los requisitos que se le exigen: lúgubre fachada, muchas puertas y ventanas, impresionante escalera, buhardilla y por supuesto EL SOTANO. Además, cuenta con una variada fauna para animar la vida de sus dueños, a saber: hay una criada anexa a la casa que ellas ven chocha y tuerta y ellos como una regalada y una ofrecida que continuamente se les insinúa y muestra en todo su esplendor escenificando sus más oscuras fantasías. También contamos con un engendro que habita en el sótano, muy muy malo, que no deja títere con cabeza si te atreves a bajar. Tenemos a un señor “medio quemado” quien, al tener sus días contados por sufrir una enfermedad terminal, no le da por hacer nada bueno.

Por si fuera poco con lo de dentro, la casa produce un extraño influjo en toda clase de locos, criminales y alucinados que ansían entrar en ella para revivir los más terribles sucesos que en la misma se han producido a lo largo de su historia.

La serie cuenta con numerosas referencias, homenajes, o como queramos llamarlo, a películas clásicas de terror. Por ejemplo, hay dos niños gemelos (las dos gemelas más famosas de la historia del cine son las de “El resplandor”), los capítulos 3 y 4 se llaman “Halloween” (título de la película de 1978, dirigida por John Carpenter, que hizo famosos los gritos de Jamie Lee Curtis, hija de Janet Leigh, cuyos gritos a su vez, no lo olvidemos, inmortalizó Hitchcock en “Psicosis”). Otro de los capítulos, titulado “Allanamiento”, recuerda a la película “Funny Games” de Michael Haneke.

Resumiendo, sexo, monstruos, fantasmas, asesinos, sustos… todo lo que los aficionados al género de terror buscamos en una buena serie.

No ví la tan aclamada “Buried”. Motivos que me impelieron a no hacerlo: considero a Ryan Reynolds un pésimo actor, con una filmografía a sus espaldas francamente olvidable, y cuyo mayor logro, probablemente, haya sido “pescar” a Scarlett Johansson. Para alguien aquejada de claustrofobia pasar 93 minutos “encerrada” en un ataúd resulta una opción poco atractiva. Y por último, pero no menos importante, la historia me pareció una burda copia. Como seguidora de la magnifica serie “C.S.I. Las Vegas” he de decir que uno de los mejores capítulos fue el escrito y dirigido por Quentin Tarantino "Peligro Sepulcral" (“Grave Danger”, 2005), perteneciente a la quinta temporada. Nick Stone es drogado y secuestrado. Cuando despierta comprueba que está enterrado en un ataúd de cristal, con un móvil, una cámara que registra su situación (a cuyas imágenes accede el resto del equipo para que compartan su angustia) y oxigeno suficiente solo para unas cuantas horas. Cuando sus compañeros lo encuentran e intentan liberarlo descubren que el ataúd se asienta sobre unos explosivos que se activarán si levantan el peso del cuerpo…. ¡Fue magnifico, angustioso y muy inquietante!

Por tanto “Luces rojas”, primera película que veo de Rodrigo Cortés, me ha sorprendido gratamente. Por el tema me recuerda a la penosa “Más allá de la vida” de Clint Eastwood, y por el empeño en desenmascarar a falsos videntes o parapsicólogos a “El truco final” o “El Ilusionista”. Pero lo que de verdad me ha enganchado es la manera de narrar de este director. ¡Sus imágenes tienen mucha fuerza por sí solas! Una de las escenas más impactantes es la figura, imponente, de Robert de Niro, antes de bajar del avión, con su rostro surcado de arrugas y unos ojos que, pese a ir cubiertos con gafas negras, parecen mirarte directamente de una manera tan intensa que no puedes evitar amilanarte y que, como afirma Sigourney Weaver en otro momento de la película, te hagan dudar de la firmeza de tus creencias.

Recrea una atmosfera que bordea la línea entre la posibilidad de existencia de fenómenos paranormales y el desenmascaramiento de todo tipo de trucos (algo que no deja de tener su gracia porque te das cuenta de lo crédulos que somos) por parte de los escépticos y fríos científicos. Lo único verdaderamente sobrenatural es la capacidad humana para caer víctimas de desaprensivos dispuestos a jugar con la debilidad e indefensión de las personas que recurren a ellos buscando ayuda para sobrellevar sus vidas.

Las interpretaciones son excelentes y es de agradecer que, por una vez, la elección de los actores no siga criterios de juventud, delgadez y belleza. Destacar la música, igualmente fantástica, condimento imprescindible en esta historia de misterio y engaño.

Admito que tal vez el final defraude un poco pero es algo poco relevante dado que la película resulta entretenida por la historia, muy atrayente por la fotografía y verdaderamente adictiva por la capacidad narrativa de Cortés.

Nada mejor que refugiarte en el género de terror cuando te sientes afligida y un poco triste. No hablo de sangre y vísceras sino del miedo clásico, ese que te sumerge en una atmosfera oscura y tenebrosa y te envuelve poco a poco haciéndote que olvides cualquier preocupación. Así tu angustia real pasa a irreal y el hecho de poder gritar en el cine, amparada en la oscuridad de la sala y en la pertinencia de poder hacerlo por la historia, oculta tus verdaderos deseos de gritar por la pérdida de las personas queridas.

De una fotografía espectacular, que recrea a la perfección un ambiente lúgubre, aislado y dominado por el terror, la historia, pese a no sonar a nueva, sigue produciendo una angustia latente que se hace patente cada vez que una escena te anuncia un susto, que no por esperado deja de ser efectivo. Porque si, grité y lo hice varias veces además.

De una belleza sombría la casa que, si no consigue aterrorizarte por sí misma, lo logra por el hecho de que, al subir la marea, queda completamente aislada rodeada de agua. ¡No corras, si te escapas de los fantasmas te detendrá la marisma!

Daniel Radcliffe, empeñado en hacernos olvidar el mago que le dio fama y fortuna, realiza una buena interpretación, no exenta de matices. El resto de actores contribuyen a recrear esa sociedad de pueblo pequeño que detesta a los forasteros, dominada por creencias y supersticiones que los llevan a desconfiar de todo lo nuevo. ¡Y mira que es rencorosa la mujer de negro!

Es una entretenida película de terror.

Basada en un libro escrito en el S. XVII, intenta traspasar la cuestión puramente religiosa y, para hacerlo actual, se centra en la flaqueza humana frente a la tentación, sobre todo si antes no la has conocido, sufrido, disfrutado.

Una atmosfera oscura, interiores de un convento, para envolver los pensamientos turbios de los hombres y mujeres que se consagran a Dios aislándose del mundo, pero sin conseguir por ello aislarse del pecado.

Efectivamente no tiene ritmo, pero tampoco se le supone ni espera, hablamos de una vida dedicada a la contemplación y la fe.

La historia, la escenografía, los personajes, son de una belleza sobria e inquietante, pero sin duda lo mejor de toda la película es Vincent Cassel, piedra angular de la misma. Especializado, tal vez a su pesar, en personajes crueles, libertinos y retorcidos, aquí se enfrenta al difícil reto de personificar la pureza más radical para después ir deslizándose, poco a poco, por el deseo sexual cuyo descubrimiento acaba conduciéndolo al crimen, entregando con ello su alma al diablo.

No es una película para un público amplio, pero creo que es una opción interesante.

Cada vez es más raro que en pantalla no aparezca algún muerto: hay muertos accidentales, muertos por contagio, ristras de muertos (víctimas de ametralladoras, pistolas, bombas y tal) e incluso muertos que andan (aquí destacar la maravillosa serie “The walking dead” de la que soy forofa). Muertos por aquí, muertos por allá. Es una Parca lejana que no puede alcanzarnos, no nos asusta.

Pero cuando te enfrentas a un historia en la que se incardina muerte y familia nadie sale indemne, por eso son muchos los que sienten rechazo hacia estas películas que, pese a ser éxito de crítica, no suelen serlo de taquilla. No queremos sufrir. “The Savages”, de Tamara Jenkins, “In the Bedroom”, de Todd Field, “Monster's Ball”, de Marc Forster, son tres películas que me han impactado profundamente porque bucean en las aguas profundas y oscuras de las relaciones familiares. Desmontando mitos y falsas creencias muestran, descarnadamente, como a veces las mayores atrocidades se producen en el seno de la familia, esa institución que se supone te ha de proporcionar protección y consuelo. Son películas muy duras, muy intensas de las que sales aterrorizada.

En “Los descendientes”, primera película que veo de Alexander Payne, me ha sorprendido la extrema sensibilidad con que este director aborda el tema de la pérdida de un ser querido, algo muy difícil de conseguir ya que, a diferencia de las otras películas que he mencionado, se trata de una familia normal, si acaso un poco distanciada por el día a día que supone vivir. No hay malos ni buenos.

Plantea el fin de la vida sin pasarla por el tamiz de la religión, algo que yo agradezco. Cuando la medicina ya nada puede hacer por ti, poder decidir, vía testamento vital, que no quieres que tu corazón siga latiendo conectado a una máquina. Aceptar la decisión, sin juzgarla, prepararse, y preparar a amigos y familiares, para la despedida, siempre triste y difícil, pero digna.

Ensalza la pertenencia a una familia, la importancia de la herencia recibida y la posibilidad de permanencia en tus descendientes. La escena de los padres despidiéndose de su hija en el hospital es desgarradora..

Hermosos paisajes, bella fotografía, excelentes interpretaciones (incluido George Clooney que no es santo de mi devoción) y una música preciosa.

No sé como una película de coches y carreras ha podido emocionarme, pero lo ha hecho. No me gusta conducir, pero Ryan Gosling consigue que parezca algo romántico y hermoso.

No entiendo como una historia en la que unos mafiosos crueles y sin escrúpulos, empeñados en dejar a su paso un reguero de cadáveres sanguinolentos, puede resultar poética, pero lo es. ¡Pura poesía urbana! Es pausada e impetuosa, dulce y salvaje, tierna y muy dura. ¡Pocos pueden lograr una película así!

La relación, tan conmovedora, entre Ryan Gosling y Carey Mulligan, sus miradas, sus sonrisas, sus escasos diálogos, constituyen un remanso de paz en medio de la violencia que envuelve a todos los personajes. Verte reflejado en unos ojos que te miran con una dulzura hasta entonces desconocida te hace tener otra perspectiva sobre ti mismo.

El reparto, además de los dos actores principales, excepcional: Ron Perlman, el mafioso malo, y Albert Brooks el mafioso peor; Christina Hendricks, convertida en icono sexual gracias a su papel de Joan Holloway en la maravillosa serie “Mad Men”, en un papel corto pero intenso.

Me recordó a “Collateral”, de Michael Mann, por el aura de tristeza que envuelve a los personajes y que no los abandona hasta su muerte.

Hay escenas tan brutales y desgarradoras, como la de los dos personajes principales en el ascensor, que te encogen el corazón y te hacen removerte incomoda en tu butaca. Pero no se regodea en la pena, ni en el desencuentro, ni juega con falsos sentimentalismos. Al final cada uno sigue con su vida, en esa ciudad o en otra, aunque un poco más tristes y bastante más solos:

“Encontraré otra ciudad, mejor que esta.
Todos mis esfuerzos son una condena del destino;
y mi corazón está –como un cadáver– enterrado.
Cómo podría permanecer mi mente en esta tierra baldía.
A donde vuelvo los ojos, dondequiera que mire
veo las ruinas negras de mi vida aquí,
donde pasé tantos años destruyendo y malgastando”. (Constantin Cavafis)

No me gustó la banda sonora. A una historia como ésta solo puede acompañarla un blues.

Con una cuidada ambientación y un casoplón terrorífico (¡nunca dejarán de dar juego las pelis sobre casas con sorpresa!), Troy Nixey nos presenta la versión "hard" del ratoncito Pérez, solo que en vez de ser solo uno es una banda (más parecidos a los gremlins cuando se mojaban que a cualquier tipo de roedor) y que, en vez de contentarse con un diente infantil debajo de la almohada, prefieren al niño entero para ir desdentándolo a su capricho.

Pese a lo que pueda parecer, resulta entretenida y tiene algún que otro susto. Solo una advertencia: no vayan a verla con niños con dientes de leche (ja, ja, ja).

Soy admiradora de las hermanas Brönte. He leído “Jane Eyre”, de Charlotte, “Agnes Grey” y “La dama de Wildfell Hall”, de Anne, y sobre todo “Cumbres borrascosas”, de Emily, una obra maestra de la literatura universal, una de las novelas que siempre incluyo entre mis favoritas (junto con “Crimen y castigo” de Dostoievski”, “Cien años de soledad”, de García Márquez y “Los miserables”, de Víctor Hugo).

La historia de estas mujeres a quienes, por el hecho de serlo, les tocó vivir una época muy dura siempre me ha fascinado, por lo que también leí la biografía titulada “La vida de Charlotte Brönte” escrita en 1857 por Elizabeth Gaskell, amiga de la novelista. Criadas en Haworth, un pueblo de los páramos de Yorkshire, fueron educadas en el colegio de Clergy Daughters, en Cowan Bridge (colegio en el cual se inspiró Charlotte para describir el lóbrego e infame colegio Lowood que aparece en “Jane Eyre”), donde enfermaron de tuberculosis. Las dos hermanas mayores, Maria y Elizabeth, murieron en 1825, Emily en 1848, Anne en 1849. El 31 de marzo de 1855, Charlotte, estando embarazada, enfermó y murió de tuberculosis como sus hermanas. ¡Unas vidas tan cortas que maravillas nos legaron!.

Charlotte en “Jane Eyre” convirtió en heroína a una mujer poco agraciada físicamente, en apariencia adusta y seca, pero que, contra todo pronostico, se niega a verse a si misma como un ser gris e insustancial, con una vida triste. Muy al contrario, a lo largo de toda la novela queda palpable su ansía de vivir y experimentar, su amor por la vida, su conciencia clara de las limitaciones que como mujer tiene y su envidia de la condición masculina por ser dueña absoluta de su destino.

Ambientada en la época victoriana es una novela muy actual por su realismo, por su crítica de la situación subordinada de las mujeres y por su defensa de las cualidades del alma frente a las del cuerpo. Es una loa al verdadero amor al reconocimiento del alma gemela. Tiene una fuerza y una pasión que desborda cada palabra, cada página. Y esa esencia, tan difícil de transmitir, ha sabido captarla maravillosamente Cary Fukunaga en su película.

Es, con diferencia, la mejor adaptación que he visto de una novela de las hermanas Brönte (y he visto unas cuantas). Por poner un ejemplo, “Cumbres borrascosas” de Peter Kosmisnky, con Ralph Fiennes y Juliette Binoche, fue francamente decepcionante.

Realmente excepcionales las interpretaciones de Mia Wasikowska y de Michael Fassbender (cuya interpretación de Carl Jung en “Un método peligroso”, también me pareció fantástica). La perfecta ambientación y la música contribuyen a transmitir lo que Charlotte quería: La imaginación te hace libre, la pasión es arrolladora y no es privilegio exclusivo de nadie y la aventura de vivir es lo mejor que tenemos.

¡Recomiendo que vayan a verla, pero sobre todo, recomienda que lean las obras de las hermanas Brönte!.

Esta película tiene como trasfondo la relación personal y epistolar que Freud y Jung mantuvieron a lo largo de su vida, desde sus comienzos hasta la ruptura total de la misma debida a diferencias intelectuales irreconciliables. Ser capaces de seguir la historia sin que el hecho de no entender algunos de los diálogos (por resultar excesivamente técnicos para los no versados en el tema, que somos muchos) nos lleve por el camino del aburrimiento, exige intentar comprender el concepto clave: PSICOANÁLISIS.

El psicoanálisis, o estudio del alma, busca revelar el inconsciente de los individuos para encontrar en él la respuesta a sus traumas e inhibiciones. Precisamente es en el acotamiento del concepto INCONSCIENTE donde radican las diferencias entre Freud y Jung: Para el primero, el inconsciente existía gracias a la conciencia y únicamente contenía lo que ésta reprimía, es decir, solo restos o desechos de la actividad consciente, siempre relacionados con el sexo. Sin embargo Jung veía el inconsciente como una potente fuerza creativa, totalmente independiente y autónoma, con capacidad para expresarse y desarrollarse sin que las acciones conscientes la delimiten o condicionen. Defendía que el origen de muchos de los trastornos mentales estaba fuera del individuo, por lo que estudio las conexiones de los mismos con la religión, la sociología y la antropología.

David Cronenberg nos presenta una película en la que se aleja de la violencia física protagonista de sus dos anteriores filmes, “Una historia de violencia” y “Promesas del Este”, para, recurriendo una vez más a Viggo Mortensen, contarnos una historia a la que algunos acusan de mostrar escenas plagadas de una sexualidad brutal y enfermiza que, parece ser, resultan difícil de contemplar para las mentes pacatas que por desgracia tanto abundan.

La historia de Jung y Sabina, que tiene algo de “Síndrome de Estocolmo”, es la de una curación mental y una mutua admiración intelectual. Una terapia en la que médico y paciente se dejan arrastrar por el descubrimiento de una sexualidad sin ningún tipo de represión, algo que, al tiempo que los libera y los ayuda a conocerse mejor, acaba separándolos.

La película contrapone a la perfección la relación asexuada, pulcra y ordenada, tan burguesa, que mantiene con su esposa, con la relación desbordada, intensa y perturbadora que mantiene con Sabina. Tanto Keira Knightley como Michael Fassbender realizan una interpretación soberbia, y logran crear un clima de tensión sexual que traspasa la pantalla. No por breve menos intenso, destaca el papel de Vincent Cassel, impecable personificación del libertino.

Después de ver la película he indagado algo sobre los tres personajes principales y me entristeció saber que Sabina Spielrein, que se convirtió en una reputada psicoanalista, fue fusilada en 1941, junto a sus hijas y cientos de hebreos más, en su ciudad natal Rostov, por las fuerzas nazis que ocuparon la Rusia de Stalin.

Un director al que admiras, dos actores a los que respetas, dos actrices que se cuentan entre tus predilectas, críticas excelentes … la combinación pinta bien pese a que el trailer de la película no ha logrado engancharte del todo.

Así que te plantas en el espacioso salón de un apartamento neoyorquino para asistir al encuentro de dos parejas que, con motivo de arreglar civilizadamente una discusión entre críos, se reúnen para dialogar, razonar, discutir, gritar sobre el tema.

Poco a poco te ves envuelto en una verborrea permanente, imparable, irritante, que te hace removerte incomoda en tu butaca. Estamos ante una carencia absoluta de acción, probablemente buscada, y se suceden escenas estáticas que no compensa la fluidez de los diálogos ya que aunque disfrutamos de algunas frases ingeniosas, que te hacen apenas sonreir, no es la tónica general y las ganas de escapar no las produce tanto el estar atrapados todo el tiempo en una sola habitación, sino el hecho de que los protagonistas no se callan nunca. ¡Difícil llevar algunas obras de teatro al cine!.

Recurrir al alcohol para que unos y otros se canten las verdades, a las vomitonas, al maltrato animal o al sonido incesante del móvil como un personaje más de la historia, no ayuda mucho la verdad. Si a lo anterior le añadimos que la supuesta crítica de las relaciones de pareja me parece bastante somera a la par que tópica, te das cuenta que tampoco se podía hacer mucho más con esos ingredientes. No es el director, es la obra.

No es una película mala, pero yo apenas le doy un CINCO raspado.

Palabras premonitorias que "la guarra" de Rachel Weisz pronuncia dirigidas a Daniel Craig, anunciándole su futuro (¡ya me hubiera gustado a mi ser la que las hubiera pronunciado). Vuelven a caer críticas durísimas, habituales por otro lado cuando hablamos del género fantástico y de terror, sobre esta película exigiéndole más de lo que en realidad pretende que es no hacer pensar y que durante dos horas te olvides de todo lo que no sean tus palomitas.

No es una gran película, pero es entretenida y la química entre los dos actores desborda la pantalla.

La película narra, a través de palabras y miradas, las humillaciones que a diario se ven obligadas a soportar las sirvientas de color que trabajan para las grandes familias blancas del sur de EE.UU. Sin recurrir a la lágrima fácil, y no exenta de fina ironía, va desgranando el día a día de estas mujeres que bordean a diario la línea entre la sumisión absoluta y el orgullo inquebrantable.

Con el prendimiento de la llama que extendió la batalla por los derechos civiles de los negros en los años 60, como telón de fondo, cuenta, de manera divertida y muy emotiva, los mecanismos de defensa y lucha utilizados por estas mujeres que no pueden abandonar sus empleos pero que tampoco abandonan jamás su dignidad.

Viola Davis y Octavia Spencer representan de manera magistral las dos caras de una misma moneda: Son la imagen de la resistencia. Una desde sus silencios acusadores que no dejan indiferentes a nadie y la otra con su incontinencia verbal que le supone numerosos golpes que no la derrotan sino que la reafirman en su actitud beligerante.

¡Fantástica Jessica Chastain!. Tras su impresionante papel de mujer etérea, casi un ángel, en “El árbol de la vida” aquí se metamorfosea en una mujer terrenal y sensual que, con su inadaptación, remueve los cimientos de la comedida sociedad local, tan uniforme, llenándola de un aire fresco preludio de los cambios que se anuncian.

Esta película te hace recordar el respeto debido a cualquier tipo de trabajo y, sobre todo, a las personas que los realizan. ¡Me ha gustado mucho!

Desde el cartel promocional, la imagen cadavérica de Gwyneth Paltrow, cual Laura Palmer en “Twin Peaks”, te anuncia lo que te vas a encontrar. De una manera bastante aséptica, sin recurrir a golpes de efecto fáciles, esta película habla de VELOCIDAD y TIEMPO:

- La velocidad de propagación de cualquier enfermedad infecto-contagiosa.
- El tiempo que tardan las autoridades sanitarias en advertir que puede tratarse de
una posible pandemia y la velocidad de respuesta ante la misma.
- La rapidez con la que los desaprensivos avispados de turno se dan cuenta de las
posibilidades de negocio que brinda cualquier tragedia, sobre todo si es a escala mundial.
- La premura con la que las grandes compañías farmacéuticas ponen a la venta nuevos
medicamentos, como posibles curas, sin importar los precios desorbitados que puedan llegar
a alcanzar ni los posibles efectos secundarios que puedan producir.
- La presteza con la que los distintos gobiernos deciden quienes serán inmunizados y
quienes no.
- Y por último, pero no menos importante, la demostración empírica de que no hay
nada que se propague tan deprisa como el MIEDO.

Solo diré que cuando yo salí del cine no abrí la puerta con la mano sino que la empujé con el codo. ¡Ah! y también me reafirmó en mi intención de vacunarme contra la gripe pese a no estar incluída en lo que se considera personal de riesgo (aunque eso ya lo venía haciendo desde hace 3 años).

La verdad es que se te quitan las ganas de tocar nada y mucho menos a nadie, por eso no sé si es una película para recomendar, sobre todo a gente aprensiva e hipocondríaca.

Balagueró logra crear en esta película una atmosfera de indefensión absoluta. La inviolabilidad del domicilio, reconocida por la Constitución, aquí se ve quebrantada, pisoteada una y otra vez, por un portero que, ante su incapacidad para ser feliz, desea que nadie lo sea y trabaja duro para conseguirlo.

Los miedos infantiles, representados muchas veces por un monstruo que se esconde debajo de la cama, aterrorizan desde la pantalla a los espectadores que nos encogemos ante lo que se le viene encima a la pobre víctima. ¡Realmente te produce angustia!.

Luis Tosar tiene a su favor, además de ser uno de los mejores actores españoles como ya ha demostrado en “Te doy mis ojos” o “Celda 211”, unos ojos que domina hasta el extremo de hacer que lo transformen en un asesino sin escrúpulos o en la persona más dulce cuando deja asomar esa melancolía tan gallega. Magnífica Marta Etura como la imagen de la felicidad, la antítesis de Tosar, lo que le hace granjearse su odio eterno.

Por supuesto recomiendo verla, pero aviso, si has visto hace poco, como es mi caso, “La víctima perfecta” de Antti Jokinen, cuyo guión es prácticamente idéntico, “Mientras duermes” no te impactará.