"Una gran mujer", como se tituló en español. Es un drama impresionante visualmente, por su atmósfera, sus colores, la temperatura y la iluminación tan cuidados, que dibujan constantemente escenarios preciosos, fríos y cálidos, que se mueven a la par del desarrollo de los personajes. El verde y el vinotinto muy presentes. Además de eso y su estupenda fotografía, la película se ambienta en Leningrado (1945). Tras la Segunda Guerra Mundial la ciudad está en ruinas junto con el espíritu de sus ciudadanos. Entre ellas dos mujeres, Iya y Masha, que deberán cargar la fuerza para salir adelante con los hijos y reconstruir la ciudad. También es una película que habla sobre el amor no correspondido, la miseria y la desesperación cuando todo se ha perdido. Es demoledora y todos los elementos trasmiten muy bien el sentimiento de nostalgia y tristeza.

Una de las películas que más esperaba del 2019 y que afortunadamente pude ver en la corta edición del FICCI60, y una película de las que no se pueden perder. Ambientada en el Río de Janeiro de 1950, nos muestra el interior de una conservadora familia portuguesa, centrada en la relación de dos hermanas: Eurídice y Guida, quienes se ven obligada a luchar juntas e individualmente en un entorno opresivo y machista, que las aleja de sus propios deseos y aspiraciones. La relación de ambas es un refugio contra ese ambiente, hasta que la vida de ambas toma rutas aparentemente distintas y alejadas, lo que las lleva a seguir sus vidas de formas independientes pero unidas por el recuerdo y el amor: una vida invisible. Bello título que recoge mucho de la esencia del filme, que es muy original y huye constantemente de los tópicos en los que uno creería que pudo haber caído. Es una película bella, dura, dolorosa y luminosa al tiempo. Una joya. Ganó el premio a Mejor película en la sección Una cierta mirada de Cannes 2019.

Bueno finalmente vi la película más reciente de ese particular director de cine norteamericano. Lo respeto y me gustan varias de sus películas, en especial sus primeras, pero he tenido algunos problemas con sus últimas. Con "Da 5 Bloods" ya había anunciado que le tenía un poco de miedo a verla, pero ese miedo fue desapareciendo un poco al empezar a verla. Cuenta la historia de 4 excombatientes afroamericanos que regresar a Vietnam muchos años después en busca de los restos de uno de sus compañeros y de un tesoro escondido.

Desde el inicio la película tiene buen ritmo a pesar de su duración, pero en esta oportunidad la he disfrutado mucho en toda su primera parte y más de la mitad. Me gusta el planteamiento del guión y la caracterización de los personajes (el personaje de Delroy Lindo, un afroamericano pro Trump, simplemente colosal), el humor negro que siempre está en sus películas, acá está muy bien logrado y me reído en muchas partes. También no deja de tocar fibras muy sensibles y temas complejos dentro de todo este entramado y esta búsqueda grupal de un pasado lleno de dolor, sangre y traumas. Se encuentran con la hostilidad de algunas personas locales, y los prejuicios de siempre de parte y parte. También en esta ocasión no me molestan sus documentos de archivos entre el inicio y mitad de la película, además de los datos históricos donde expone el racismo en las mismas guerras. Sin dejar de mencionar la excelente fotografía, y la música de Terence Blanchard, que también añade la música del gran Marvin Gaye. Una muy buena dirección y reparto. En ocasiones también recuerda al cine o a una película especial de Tarantino, aunque ambos directores tienen sus puntos de convergencia en su estilo.


PERO vuelvo a tener un problema con su tramo final (tranquilos que no haré spoiler). Por donde empezar. El giro que toma al final me parece muy facilista, gratuito y predecible, y llegados a este punto ya la emoción que tuve a lo largo del filme fue bajando abruptamente. Y remata con nuevas imágenes de archivo o escenas contemporáneas y otras cosas que aunque me parecen interesantes e importantes me parecen que simplemente sobran en la película. No es necesario. Pero el director siempre quiere reafirmar con resaltador su mensaje. Quiere darle todo en la boca al espectador, retregarle o no dejarle nada a pesar ni a hilar, cayendo nuevamente en eso que siempre me molesta en varias de sus películas. Puedo entender por qué lo hace, él es un activista y siempre lo ha sido, pero creo que debe confiar más en su arte como medio de expresión y en el espectador capaz de asimilarlas. Eso es todo. Pero debo decir que en su mayor parte me gustó. Recomendada.

Bello documental realizado por el hijo del director, que se llama igual. Y es todo un deleite para los amantes del cine de ese gran director de cine ruso, el gran poeta del cine y uno de los cineastas o artistas que personalmente más idolatro. Un repaso a través de su voz por un material de archivo que vale oro, con grabaciones de su intimidad, detrás de escena de sus películas, repasando cada una de sus películas, su filosofía de vida y de trabajo, su mística y metafísica. Su hijo solo se encargó de organizar el material y darnos este estupendo regalo. Una maravilla.

Hace rato la tenía pendiente para ver pero hasta ahora le saqué tiempo porque sabía que era una película que requería un estado de ánimo especial. Hittman sorprendió hace unos años con esa buena película "Beach Rats", donde siguió explorando dramas de la juventud y de los adolescentes. La película se estrenó en los dos únicos festivales de cine que pudieron estrenarse este año Sundance (Premio Especial del Jurado) y Berlín (Gran Premio del Jurado), con premios en ambos. La película me ha gustado mucho. Como me lo imaginaba es un golpe en la cara. Cuenta la historia de una adolescente que vive en la zona rural de Pennsylvania, que se entera que está embarazada y al no poder realizar el aborto en su estado decide en compañía de su prima hacer el viaje a Nueva York para hacerlo. E inicia una travesía y una odisea llega de angustia, drama y dolor. Me recordó mucho a esa obra maestra del gran director rumano Cristian Mungiu (4 meses, 3 semanas, 2 días), que seguro inspiró a la directora, porque esa contaba otra odisea de dos amigas en el proceso de un aborto con varias semanas encima en Rumania.
La película es muy naturalista como lo fue su anterior película, casi documental, sin música pero con una precisión y delicadeza en los planos y su lenguaje visual, que te ves metido en ese espiral de tensión y emociones sin ninguna tregua. Me gusta también lo que no se dice pero se sugiere, ese lenguaje simbólico y la atención a los pequeños detalles y gestos que te dan información sobre el embarazo y sobre la vida de estas dos adolescentes que se enfrentan al ritmo de la ciudad en una búsqueda de la muerte y la vida al mismo tiempo. También muestra una bella relación de amistad y apoyo entre mujeres. Tengo que mencionar que el guión y la dirección de Hittman es excelente, apoyado por dos actuaciones estupendas de sus dos jóvenes actrices Sidney Flanigan y Talia Ryder. Es una joya sensible, delicada y a la vez dura y devastadora. De lo mejor que he visto en este accidentado 2020 en cuanto a estrenos de cine. Y el título es perfecto, porque cuando descubres su significado una luz aparece y alumbra un poco más la historia y su oscuridad.

Estreno rescatado del 2019 con post pendiente. El año pasado coleccionó nominaciones y menciones en la temporada de premios. Del siempre interesante director de Looper y algunas recientes de Star Wars. La película es un enorme homenaje a las historias de la gran Agatha Christie, una historia de intrigas y de un crimen por resolver. El de un famoso escritor de novelas de misterio que es encontrado muerto en su mansión.
Los sospechosos: toda una familia. Tiene un reparto de lujo y la historia está bien contada, tiene un buen guión con diálogos muy divertidos e ingeniosos, adaptado a problemas sociales actuales. Pero aunque me gusta y me entretiene, por momentos no deja de parecerme muy truculenta, como en efecto son y siempre han sido las películas de este género, pero sí creo que pierde un poco de fuerza en su resolución. Pero al final desvela también su intención más de comedia o quizás parodia involuntaria. Así que tengo emociones encontradas. Pero en general la disfruté. Y aunque tiene unos buenos actores en su reparto, no me parece que todos estén excelentes, hay películas con mejores repartos donde éstos brillan más que aquí. Lo digo porque la han estado mencionando en premios a mejor reparto por encima de otras mejores en ese apartado.

Vi esta película el año pasado cuando se estrenó en salas de cine de Colombia, y en esta época de cuarentena fue la película con la que abrieron en varios cines en Asia. Lo que me hizo recordar hacerle su respectivo post. Esta era la muy esperada película de Woody Allen que demoró más de un año en estrenarse luego de estar lista. Como es habitual en el director, de entregar una película cada año desde los 70, pero por distintas razones el año 2018 quedó desamparada su distribución. Pero afortunadamente en el 2019 se estrenó mundialmente, y ya Allen trabaja en su próxima película. Apenas empezar "Día de lluvia en Nueva York", empiezas a sonreír, al menos yo, porque reconoces lo que ves. El encuadre de Nueva York, del que Allen ha sido un cronista visual, la siempre luminosa fotografía del gran Vittorio Storaro y la música. Inmediatamente esos elementos te transportan al universo woodyliano. La sinopsis tampoco se separa mucho de sus temas y personajes recurrentes: una pareja de universitarios enamorados van a pasar el fin de semana en Nueva York. Ella va a entrevistar a un director de cine que pasa por una crisis creativa y él se reencuentra con una hermana de una ex que estuvo enamorada en el pasado de él. Y cada uno pasa un fin de semana distinto. Me pareció una de sus películas, que son simpáticas, divertidas y luminosas. Con un elenco joven: Timothée Chalamet, Elle Fanning (que recuerda a una de sus musas de antaño) y Selena Gomez, que hacen buenos trabajos y tienen buena química. Me pareció curioso que Allen dentro de la historia incluya de forma sutil el tema de la joven periodista que es seducida por un director, un guionista y un actor, aunque ella está muy en control de la situación. No sé si esto tuvo que ver con el retraso de su estreno. Pero lo maneja muy bien. La película se pasa en un suspiro, te saca algunas risas, te conmueve porque es una comedia romántica, pero también tiene unas cuantas reflexiones profundas y existenciales sobre los prejuicios contra la ambición, el progreso, y el sentido de la vida. Recomendada.

Una de las películas que más esperaba ver del 2019, porque el director chileno Pablo Larraín en los últimos años ha cosechado un manojo de películas notables todas (No, El Club, Neruda, Jackie), y ahora llega con "Ema", y deja completamente atónito a los espectadores. Al menos a mí, porque ha hecho algo completamente diferente a lo que había hecho hasta el momento. Quizás no distinto en cuanto a sus personajes, que siguen llenos de crudeza y humanidad, pero en cuanto al formato y al estilo, por momentos sentí ver algo de cineastas como Gaspar Noé, que hace 2 años nos regaló otro despliegue musical, de baile y energía con "Clímax". Larraín utiliza preciso el baile como hilo conductor y la música, pues la protagonista es una bailarina. Pero hay otro tema de fondo, y es la dolorosa perdida de un hijo adoptado por la incapacidad de cuidarlo. Y la incapacidad de concebir uno con su actual pareja, por lo que Ema adolorida se sumerge en el hedonismo y el placer, hasta que encuentro una forma de ponerle arreglo a todos sus dramas. Y recuperar de forma aumentada su familia.
Me gustó esta propuesta, porque fluye entre todos los elementos, que afloran y se van presentando sin dar muchas explicaciones sobre lo que está ocurriendo. El espectador debe seguir el hilo de los acontecimientos hasta que por sí mismo vaya desenrredando la trama. También creo que la película tiene distintas interpretaciones y juicios de acuerdo al punto de vista del cual se lea. ¿Un tratado hacia un nuevo tipo de familia? ¿La obra de una persona despiadada? Las dos cosas, quizás. Aunque yo me voy un poco por la primera parte, porque si hay algo que Ema se da cuenta es que vivimos en un mundo en crisis, donde todas las relaciones están en crisis de la forma en que funcionan. Y quizás, aunque no sea de la forma moralmente aceptable se pueda cambiar un poco las cosas para lograr un poco de armonía entre distintas partes. Entre 4 y entre más involucrados. ¿La familia es el origen del caos de la sociedad? Quizás también nos hable de eso. También del valor del cuerpo y del deseo. De la fuerza sexual y liberadora del reggaetón, de las nuevas generaciones y sus formas de amar y expresar, entre otros temas. Pero esta nueva película me hace seguir admirando y valorando a este cineasta chileno, quien también hizo parte de la escritura del guión, que está creando un cine evocador y a la vez de ruptura con algunos temas de siempre. Una pena haberla vista tarde, quizás pudo entrar al top del 2019.

"Le Jeune Ahmed" es la película más reciente de los grandes maestros belgas, los hermanos Dardenne, quienes ganaron el premio a Mejor Director en Cannes 2019. La película sigue fiel a su estilo hiperrealista, a ese neorrealismo belga y cine social que tan bien han ejecutado en su cine para retratar historias reales, minimalistas, pero profundas y poderosas. Acá tratan un tema muy complejo con esa misma fórmula: un joven en la Bélgica actual, que es mitad belga y mitad musulmán, en plena pre adolescencia y de la mano de su Imán, decide abandonar los juegos para meterse de lleno en su religión musulmana y el estudio estricto del Corán. Pero tras ese estudio se nota la influencia negativa del Imán en adoctrinarlo bajo la vertiente más radical del islam. El chico busca esa cercanía por la influencia de su padre ausente, que está o estuvo en la guerra. Pero todo se descontrola cuando el joven Ahmed intenta seguir las enseñanzas de su Imán e impartir justicia sobre su maestra de la escuela, a quien no considera con la pureza necesaria para enseñar su libro sagrado. Es una película que como siempre, sin muchos elementos técnicos logra crear gran tensión en el espectador. También es una reflexión sencilla pero profunda y poderosa sobre los orígenes del radicalismo islámico en los jóvenes desde niños. Y también me gusta que en un momento se ven reflejadas las dos partes: el hombre que intenta crear un monstruo bajo su fanatismo, y también el prejuicio del europeo sobre los inmigrantes y los distintos. Aunque hay una realidad particular que trata la película, y como siempre también, la solución o explicación no es sencilla ni fácil de digerir. También encontramos un momento en donde el niño fantático y confundido se enfrenta a sus propios sentimientos y descubrimientos de la adolescencia. Otra excelente película de los hermanos Dardenne.

La película desarrolla muy bien la trama, Polanski es un maestro en el desarrollo de estos dramas históricos y judiciales. En su primera parte planteando el caso y los primeros descubrimientos, para pasar a una segunda parte vibrante con la parte más jugosa del caso, que tiene como punto importante precisamente el título de la película "J'accuse", que hace referencia a una carta abierta publicada en el diario L'Aurore dirigida al presidente de la república en el año de 1898 por el reconocido escritor francés Émile Zola, quien entra a apoyar a Picquart, cuando este es condenado, y publica esa carta basado en las investigaciones del coronel, condenando por nombre completo y rango a todos los sospechosos de corrupción en el caso, que tenía a los altos rangos militares, anteponiendo el J'accuse mientras los nombraba a todos. La carta causó revuelo pero le dio visibilidad al caso. Zola protegía a los judíos y esa carta le valió una condena de un año por difamación y tener que exiliarse a Londres.
La película tiene ritmo, buen pulso, guión y dirección, además de un excelente reparto. Aparte de eso se ha presentado una polémica ajena a la película por las acusaciones personales por abuso contra el director Roman Polanski, desde su estreno en Venecia hasta en los César (los Oscar del cine francés) y en ambos ha sido premiada justamente. Pero la polémica trasciende porque se cree que Polanski se iguala al protagonista de la película, de ser acusado injustamente por la sociedad. Eso no lo ha confirmado el autor pero al parecer queda implícito. El caso de Polanski ha tenido muchos años de cobertura, cambios de testimonio, etc, (y que revivió nuevamente por las condenas del Me Too) que le han marginado de muchos espacios de la industria, pero afortunadamente no le han quitado su derecho a hacer cine. El caso tiene muchos matices y hace poco leí un largo recopilatorio de los hechos con muchas inconsistencias y zonas grises. Pero soy capaz de separar aparte de todo eso a la obra del autor y su vida. Y sólo agradezco que uno de los más grandes directores siga haciendo cine. Y esta película está a la altura de su anterior gran obra El Escritor Fantasma. De lo mejor del 2019.

Bello y duro drama sobre el descubrimiento del primer amor, de la identidad, y al mismo tiempo de la capacidad de superar las decepciones y obstáculos de la vida. Suena todo a algo que seguro ya hemos visto, pero tiene distintos condimentos que la hacen un poco distinta. Uno en especial: la danza. Que es el motor, hilo y causa del desarrollo de las relaciones y su desvanecimiento. También habla del poder destructor y sanador de la familia, y de la misma sociedad en nuestra propia construcción personal.

El documental más premiado del año pasado, que inició su recorrido por Sundance 2019 (donde cosechó 3 premios), y ha llegó al final de la temporada logrando 2 nominaciones al Oscar como Mejor Documental y Mejor Película Internacional, por Macedonia (era la que debía ganar a mejor documental). Es una maravilla de documental. Dirigida por un par de cineastas, quienes pasaron 3 años en Macedonia del Norte documentando la vida de la apicultora salvaje, Hatidze, considerada la última mujer recolectora de abejas de Europa. Hatidze cría colonias de abejas en unos cestos hechos a mano que deja escondidos entre las rocas. Sin protección ni ayuda, es capaz de amansarlas para poder extraer la miel y venderla en la capital. Esa iba a ser la documentación inicial, planeada como un cortometraje documental, pero pronto se encontraron con la llegada de unos vecinos que se instalan perturbando la paz de Hatidze y sus abejas, y del entorno en general, porque es una familia nómada grande con varios hijos con una actividad comercial activa, basada en ganado, agricultura y pronto al padre se le abren los ojos con la actividad de la apicultura, la cual Hatidze le enseña, además de acoger con cariño a la familia completa, pero pronto le pasará factura. Es un documental muy curioso, muy poco usual en las formas, ya que parece estructurado como un largometraje de ficción, y las personas y su naturaleza son tan bien exploradas, expuestas y estudiadas que sorprende. Es un documental tremendo y despiadado, que en su sencillez dice más que lo que han dicho otras películas y largometrajes sobre el equilibrio ambiental y la depredación del ser humano sobre la naturaleza. Pero también está muy bellamente filmado y deja una pequeña luz de esperanza dentro del horror. Tiene una excelente fotografía y está muy bien editado. Es un jalón de orejas a la humanidad con un tremendo ejemplo. Un documental estupendo y de las mejores películas del 2019 (no solo documentales).

Excelente película de animación francesa. La mejor del 2019 en mi top. Me gustó mucho. Tengo en un lugar muy especial el cine de animación, y especialmente el francés siempre nos deja alguna joya por destacar, así como el japonés o el checo. Está inscrita en ese subgénero de "animación para adultos" y cuenta una historia fantástica pero que en realidad es más simbólica que otra cosa, llena de un ambiente melancólico y existencial, muy gris, que marca y señala una constante búsqueda. Una mano cortada se escapa de un laboratorio con el objetivo de encontrar el cuerpo del cual fue separada. Y en esa aventura la mano recuerda al joven poseedor de ella. Entonces la historia transcurre en estos dos planos, que en un momento se unen, y a la vez aclaran muchas cosas. Es una película sobre la pérdida y la culpa. Con las escenas de la mano estamos en constante intriga, por la vulnerabilidad que representa ser una simple mano en el mundo. Y con el joven, estamos en contante nostalgia pero a la vez expectantes del momento en que pierde la mano. Y es muy interesante y muy bien utilizado el elemento, que en las escenas del joven se resalte siempre sus gestos con la mano derecha, que es la que en algún momento perderá. Un guión muy original, osado y brillante, con una bella música, y a la vez una lúgubre animación, que trasmite a la perfección el drama, la intriga y la esperanza del amor. Una curiosa mezcla de géneros, formatos y emociones. Impredecible, profunda, grotesca por momentos, bella, conmovedora y luminosa. Otra joya de la animación y una de las mejores películas del año (incluso dentro de la lista de ficción). Disponible en Netflix.

El creador de "Monsters University" vuelve con esta bella película sobre la familia y la hermandad, ambientada en un mundo de fantasía, en donde dos hermanos elfos tienen la oportunidad de pasar un último día con su padre fallecido a través de la magia. Pero también tendrán un día para conocerse y encontrarse en ellos mismos. Es una simpática historia de aventuras. El toque mágico es muy divertido y algunos personajes secundarios también. Aunque no la pondría entre las grandes películas de Pixar/Disney porque está lejos de ser guión original y con profundidad emocional, como lo han logrado en muchas otras películas. Acá la emoción es más forzada, pero no deja de ser entretenida y bella.

Finalmente vi la más reciente, esperada y segunda película del joven director húngaro, László Nemes, director de la alabada y ganadora del Oscar y Grand Prix en Cannes "Son of Saul" (El hijo de Saul). Y vaya que es otra propuesta exigente y arriesgada. Me ha gustado pero no es de fácil digestión, sobre todo porque acá usa muchos símbolos (incluso los personajes lo son) para ambientar la narración, el metraje y trasmitir una idea. Fiel a su propio estilo, usado en su ópera prima, acá usa mucho la cámara en mano y las tomas de espalda a los personajes en un acercamiento que nos lleva a experimentar estar siempre detrás de la nuca de la protagonista y seguir de cerca su travesía. Aunque el formato no es tan opresivo como el usado en Son of Saul, ni el fondo del plano se encuentra difuminado, igual vuelve a trasmitir por el movimiento y la música un sentimiento de opresión que incomodará al espectador.
También la temática es distinta. Si en "Son of Saul" mete al espectador al corazón del terror del nazismo en la segunda Guerra mundial, en "Sunset", se ubica en los inicios o en el preludio de lo que haría estallar la I Guerra Mundial. Ambientada en 1913, nos cuenta la historia de Irisz Leiter, una joven de 20 años que creció en un orfanato, y se dirige a Budapest, que en ese momento era la segunda ciudad del Imperio Austrohúngaro, con la esperanza de trabajar como sombrerera en la antigua empresa de sombreros de sus padres, que ahora está dirigida por un hombre misterioso de dudosa reputación. Irisz es recibida con dureza por el dueño y sus empleadas, al conocer su apellido, Leiter, nombre que aún mantiene la empresa. Pero en medio de todo se entera que tiene un hermano que nunca conoció, quien en parte es culpable del odio del actual dueño. El hermano es líder de un grupo o secta nacionalista que tiene como objetivo la caída de los poderosos, del imperio y de esa empresa Leiter, que oculta muchos secretos terribles. Desde que se entera que tiene un hermano, Irisz se sumerge en su búsqueda en contra de las recomendaciones de todos los demás. Y esa búsqueda también se convierte en el hilo conductor de la historia, porque en gran parte del filme perseguimos junto a la cámara a Irisz caminando, corriendo, escapando, safándose del peligro en su búsqueda.
Siempre con el seguimiento de cerca de la cámara, que intercala entre las tomas de espalda y los primeros planos. La actriz Juli Jakab hace un gran trabajo porque debe sostener la película en muchos espacios y sostener unos largos primeros planos. Su rostro trasmite la desesperación, la confusión y el terror. Porque la película en un momento empieza a ser una búsqueda de la identidad, del pasado, que la lleva a descubrir la peste de la ciudad y la sociedad, incluso de su misma familia.
Mencionaba que puede resultar difícil para quien no tenga un mínimo conocimiento de lo que ocurría en ese momento en el imperio austrohúngaro, porque la película en cierta forma también retrata a través de sus personajes la caída del imperio, lo que generó y contribuyó en parte las condiciones para el inicio de la Gran Guerra. Por eso acá unos detalles importantes: los nombres son importantes tanto el de Irisz Leiter como el de su hermano, que se conoce después que se reconoce como Kálman, porque esos eran los nombres de los gobernadores de Croacia que fueron de los primeros que lograron la autonomía del imperio. Y preciso Kálman era el líder de ese grupo nacionalista, como aquel que recordemos que asesinaron al archiduque Francisco Fernando de Austria, desencadenando la guerra, así como ocurrió en otros lados en ese período de inestabilidad dentro del imperio.
La película muestra la caída del imperio austrohúngaro, lo podrido que estaba, y en la película también la ciudad de Budapest es retratada de forma lúgubre (sólo iluminando la empresa Leiter), con esas voces en distintos idiomas que escuchamos, que representan a los hombres de distintas nacionalidades (de las minorías separatistas) que también influyeron en la precipitación de esta caída. Y este contexto no se da en la película ni tampoco es muy claro, porque es más que todo simbólico. Pero teniendo eso en cuenta, creo que podemos apreciar otra gran muestra de cine de parte del director húngaro, discípulo directo del maestro húngaro Béla Tarr. No alcanza el nivel de "Son of Saul" pero es una película notable y distinta. La película ganó el FIPRESCI en el Festival de Venecia.

La nueva adaptación del clásico de Louisa May Alcott es un experimento muy interesante. Gerwig, quien dirigió y escribió el guión, explora nuevos aspectos de la novela y hace muchos paralelismos con la misma vida de la autora. Al fin y al cabo la novela de Alcott era muy autobiográfica, con algunos ligeros cambios para que se pudiese vender mejor. Mi máxima referencia y mi favorita es la versión que hizo Gillian Armstrong en los 90 con Winona Ryder de protagonista, pero Gerwig explora cambios en la narrativa y no la hace de forma lineal. De hecho la película inicia casi desde la mitad de la de los 90. En la primera escena, Jo se encuentra presentando sus historias a una editor en Nueva York, y la película también finaliza en ese mismo lugar en otro tiempo y situación, negociando los derechos de autor de su novela y la regalías. Que ese sea el inicio y el final da una claridad del punto en especial que Greta, también como escritora y amante de la novela quería ahondar. Un homenaje a la escritora y a la mujer. Luego, la historia se devuelve en el tiempo con diversos flashbacks, que muestran la trama conocida de la novela, de cómo las hermanas March crecen, maduran y se convierten en mujeres. Un coming-age story. Me gustó la distribución de la historia, alternando entre pasado y presente, porque tampoco son cambios bruscos, los cambios temporales los realiza precisamente para reflejar o justificar una acción de los personajes. Por lo que Gerwig puso mucha atención en la presentación de cada personaje, lo que permite tener mucho más contenido para conocer más las decisiones y actitudes de los personajes. Detalle que en la de los 90 hace que algunas decisiones se vean apresuradas o sin muchos antecedentes. Gerwig resalta el contenido feminista de la novela, porque en realidad lo tiene, siempre lo ha tenido, y te da detalles de lo que ocurrió o lo que llevó a la autora original a cambiar el destino de sus personajes. Son varios detalles que creo engrandecen la historia y reflejan un gran trabajo en la concepción de esta adaptación. Se nota el cuidado y el amor al texto original y a la autora. Las actuaciones también están bien, no todos y todas luces, pero merecidas menciones para la talentosa Saoirse Ronan y a la increíble Florence Pugh (siempre brilla), que tuvo el papel menos querido de la historia. Pero en general es agradable y me conmovió por momentos, porque también le tengo cariño y afecto a esta historia. Bella fotografía, cuidada dirección y bella música. Una muy buena adaptación.

Disponible en Netflix la película más reciente de los siempre interesantes hermanos Safdie, la pareja de hermanos que han venido revolucionando el cine independiente americano. Confieso que no era de las películas que más esperaba, aunque ha tenido excelentes críticas, y aunque me gustara el cine de los directores (Good Time). Pero acabo de verla y me ha dejado impresionado. Si tengo que describirla en palabras sería: eléctrica, vibrante, intensa y dolorosamente divertida. Los Safdie, directores y guionistas, nos cuentan esta vez la historia de Howard Ratner (un magistral Adam Sandler), un judío dueño de una joyería en un exclusivo barrio donde se vende a ricos y famosos. Pero Howard es un "tramullero" experto, hace negocios y apuestas a menudo, contrae deudas y está constantemente en negocios. Una día ocurre un robo que le obliga a pagar una deuda que no puede sustentar, mientras le llega una "gema sin cortar", un ópalo desde Etiopía, que intentará negociar para saldar sus deudas y recomponer toda su vida. Me impresiona la velocidad y el ritmo acelerado de la película, de sus diálogos, de su dirección, de la música y de todos los elementos técnicos y cinematográficos que funcionan de una cadencia muy coordinada. Todo es tan intenso que quedaba prácticamente pegado a la pantalla sin apartar la vista ni pestañear. Es en realidad una proeza técnica y de ejecución admirable. De Adam Sandler hay que hablar aparte, porque aunque ya nos ha demostrado ser buen actor, por aparte de sus comedias habituales, acá realiza un recital interpretativo admirable. Su actuación es muy intensa también, pero también constantemente deambula entre el caos y el fracaso, mostrando una increíble variedad de registros. La he disfrutado y sufrido un poco de principio a fin, porque también en ocasiones es impredecible y no saben el próximo caos o desastre que va a ocurrir. Y la clasificación de género también la veo difícil, porque aunque puede ser un thriller dramático de crimen, también es una hilarante comedia negra, también es de acción, en fin, me gusta esa amplitud en la exploración narrativa. Y no puedo decir tampoco que haya un tema de fondo sobre el que la película hable, porque podría decir que es sobre la ambición, y sería correcto pero dejaría por aparte otros temas y le reduciría un poco. Lo que me parece importante es la misma película en sí, la experiencia de vivirla y sentirla, en forma coordinada con su intensidad y agilidad. Muy recomendada, y para mí sorpresa otra película que entra en la pelea a ser de las mejores películas del 2019. Estupenda.

"Su bien modelado espíritu tuvo hermosas consecuencias, aunque no fueron más visibles. Su cabal naturaleza, como la de aquel río cuyo empuje Ciro quebró, se derramó en canales que no fueron muy distinguidos en la tierra. Pero el efecto de su ser en los que tuvo a su alrededor fue incalculablemente expansivo, porque el creciente bien del mundo depende en parte de hechos sin historia, y que las cosas no sean tan malas para ti y para mí como pudieran haber sido, se debe en parte a los muchos que vivieron fielmente una vida oculta, y descansan en tumbas no frecuentadas".

(Middlemarch, de "George Eliot", que a la vez fue el seudónimo de la escritora Mary Anne Evan)

Este fragmento es el final de la novela, y también parte de ese fragmento aparece en el final de la última gran película del gran Terrence Malick: "A Hidden Life" (Vida oculta), que cuenta una historia basada en hechos reales, sobre la vida de Franz y Fani Jägerstätter, quienes eran un feliz matrimonio de campesinos que vivían en su granja alpina en Sankt Radegund, Austria. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, Austria apoya el nazismo y todo los hombres se hacen fervientes defensores de la causa. Pero Franz se niega a ir a luchar por ideales que no comparte, lo que le trae graves consecuencia en su comunidad y en su país. Me encanta ver una nueva película de Malick, para quienes me siguen saben que es uno de mis directores favoritos. Esta película mantiene su identificable estilo pero representa un nuevo cambio tras la trilogía sobre la relaciones de pareja (To the wonder, Knight of cups y Song to song), donde se permitió ser más experimental y juguetón de lo normal con la narrativa y el lenguaje cinematográfico. En "A Hidden Life" vuelve a componer una historia con su estilo etéreo, filosófico y panteísta (ese que alcanzó su cumbre con The Tree of Life), y aunque puede verse como un filme más "tradicional", Malick sigue obedeciendo a su libertad creativa y cuenta este drama biográfico a su manera. Me pareció una película preciosa, dura y por supuesto (como siempre) poética (por algo sigue siendo el gran poeta del cine), que explora muchos aspectos interesantes: La lucha de un hombre por mantener sus principios y su ética sobre todo a su alrededor (sobre su comunidad y su país), porque es un hombre creyente que no puede creer lo que otros creyentes e incluso el cura del pueblo defienden por conveniencia o inconsciencia. Y por otro lado, su esposa Fani, quien es la que debe luchar con el rechazo y la maldad de sus vecinos por los actos de su esposo. Ella siempre lo apoya. La mujer en el cine de Malick casi siempre representa la gracia y se relaciona con la naturaleza y con Dios. Como ya he dicho en varios textos que he escrito sobre Malick, para mí sus personajes (actores) siempre son símbolos que están al servicio de su historia, de su idea general del guión. Acá nuevamente logra una poderosa reflexión sobre aquellas personas que no salen en los libros de historia, que hicieron sus luchas internas, y que fueron piezas fundamentales para el cambio. Porque entre los agravios a Fani, se mantiene trabajando sola (porque la película también nos muestra algo que se olvida en las películas de guerra: las mujeres que quedan en casa luchando por sobrevivir, trabajar y alimentar a los hijos, esas generaciones de huérfanos de la guerra), y hay momentos en que la gente que la rechaza se ve obligada a robarle o pedirle algo, y ella muestra su humanidad y no les muestra resentimiento. En fin, son muchos temas que se tratan, que se sugieren y flotan sobre la superficie como capas de una bella composición musical. Me gustó mucho pero no me pareció una obra maestra, aunque tenía potencial. La dirección y la fotografía, como siempre, excelentes. La música y los actores también cumplen. Una de las mejores películas del 2019, y que tampoco está en los Oscar. Y es un privilegio seguir viendo el cine de Malick. No se la puedo recomendar a todo el mundo, porque el cine de Malick es especial, hay que entrar en él si no se conoce a través de otras películas, o estar con la mente abierta.

“1917” me ha parecido un PELICULÓN en mayúsculas. No pensé que me iba a gustar tanto, porque el tema de las guerras siempre se da para muchos tópicos del género, pero ésta va mucho más allá del despliegue técnico. He leído que la comparan con la reciente “Dunkirk” de Nolan (esa sí era solamente un despliegue técnico) pero ésta simplemente la deja en pañales. Además que la parte técnica es superior, porque es un ejemplo de cuando la técnica se mezcla con el arte. “1917” es una película muy clásica, donde hay un argumento sencillo: dos jóvenes soldados británicos, en medio de un punto álgido en la Primera Guerra Mundial en territorio francés, deben a travesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará la muerte de miles de soldados. En la mayor parte del filme la cámara sigue los pasos de los dos soldados, y la técnica del plano secuencia, muy bien camuflada y donde no se alcanzan a percibir mucho los cortes, sirve para la compenetración del espectador con estos dos jóvenes. Todo esto junto a la dirección, la música de Newman y la impecable fotografía de Deakins, permiten un equilibrio entre el magistral despliegue técnico y la emotividad del filme. Es un viaje, una odisea, que a veces parece que fuese por los mismos territorios del inframundo, por los paisajes macabros y de cadáveres que adornan cada escena que van transitando. “1917” también es una de esas películas que tienen el empaque de “gran película”, dentro de la tradición del gran cine americano, y hace mucho tiempo no veía una película así, de tremenda calidad pero que conjuga de forma muy efectiva todos los elementos este gran cine épico. Como todas las buenas películas épicas, la película es claramente anti bélica, pero no es necesario un discurso o un monólogo de algún héroe, porque el gran protagonista, y que carga mucho del peso de la película es el joven soldado Schofield (George MacKay, estupendo trabajo), que logra trasmitir por él mismo con sus expresiones y sus miradas el horror de la guerra. Y como toda película dentro de la tradición del gran cine americano, podrá resultar a algunos que es resultona argumentalmente y poco profunda, pero aunque quizás no tenga un gran discurso o dilemas morales en juego, me parece que es un gran cine épico, muy bien realizado y con todos los elementos y herramientas cinematográficas funcionando en plena forma. Es cine que emociona, que te eleva, que te golpea y te conmueve. Aunque es implacable. Y no puedo dejar de mencionar varias escenas que me dejaron con la boca abierta y con una gran emoción… de esas escenas que dices de forma instantánea: eso es CINE. Y aunque no es una obra maestra, estuvo muy cerca. E increíblemente, para mi sorpresa, la película entra a luchar al puesto como mejor película del 2019, incluso en mi top personal. Y “Parasite” tiene una competencia muy seria y digna en los oscar. No dejen de verla. Como dijo un amigo crítico de cine, 1917 es de esas películas por las que nos enamoramos del cine.

Película más reciente del curioso director neozelandés Taika Waititi (director de las últimas Thor), que sorprendió ganando el premio del público en Toronto. La película es muy curiosa y por momentos inclasificable. Es un híbrido tan raro entre La Vida es Bella y Moonrise Kingdom. Iniciemos con la sinopsis: Jojo Betzler (Roman Griffin David) es un niño alemán perteneciente a las juventudes hitlerianas (bien fanático), quien tiene de amigo imaginario a una versión del führer. El niño ve su mundo tomar un rumbo cuando descubre que su madre oculta a una joven judía en la casa. La película es claramente una sátira porque los alemanes son en general mostrados como parodias de sí mismos, pero lo terribles es que quizás sí eran así. Pero también es una película muy bella, tierna y humana. Creo que hay una perspectiva sobresaliente que prevalece en todo el filme, y es la del niño Jojo; por eso vemos las parodias tras sus ojos y a su amigo imaginario, y cómo su mirada se va transformando a medida avanza el filme. Por eso es también una película de crecimiento, un "coming age" movie. Porque a través de Jojo se nos muestra lo absurdo de una ideología implantada y lo difícil que es luchar contra los mismos imaginarios con los que crecimos. La película está muy bien dirigida y el guión es ingenioso, basado en la novela de Christine Leunens, porque aunque pasan muchas cosas a su alrededor, lo que importa es la transformación de Jojo, que no es tan sencilla, está llena de dolor y amor (la misma cosa) como todo cambio. Es divertida, cruel y emotiva. Y la forma en que mezcla estas emociones muchas veces deja perplejo al espectador. Me gustaron los papeles de Sam Rockwell y Rebel Wilson o Alfie Allen (totales caricaturas), pero especialmente el de la madre, Scarlett Johansson, que se apunta otro bello y sólido papel. Bella y rara película, con una profunda reflexión.