Siento mucho empezar así, pero estamos ante un caso de “el tráiler era mucho mejor”. Lamentablemente este fue uno de los primeros pensamientos que me vinieron a la mente cuando las luces se encendieron tras la proyección de esta primera profecía. Si bien la película tiene valores de producción y un desenlace que no está mal, las dos horas de duración se hacen excesivas, con secuencias que no aportan mucho en general y que no están muy pulidas en el guion. No es mala y no es ningún desastre, pero esperábamos algo más.

Margaret es una novicia que llega a Roma para tomar el hábito. Es recibida por el Cardenal Lawrence, un hombre que la cuidó de niña a pesar de haber tenido una niñez muy rebelde. Pronto Margaret conoce a Carlita, una niña que le recuerda a ella misma…

El prólogo de La Primera Profecía deja ver un buen estilo en la dirección y en el tratamiento de los momentos macabros o salvajes, y sigue rápidamente con un buen diseño de producción, que nos traslada a la Roma de los años 70 con una estética cuidada. Esos momentos se van a repetir a lo largo de la cinta, escenas perturbadoras arropadas por un buen estilo en el tratamiento de la luz (véase algunas escenas en las que juega con los hábitos de las monjas o la secuencia en la discoteca) y que están a cargo de Aaron Morton, director de foto de la Posesión Infernal de Fede Álvarez y de Nadie Te Salvará. Sin embargo, rodeando a esto, la película presenta un montón de lugares comunes sin nada de frescura o agilidad. Somos los primeros en saber que el cine de terror se nutre mucho de clichés, pero necesitamos un poco de chispa para digerir cosas vistas mil veces. Me estoy refiriendo a niños raros que dibujan cosas extrañas, músicas de iglesia como las has oído mil veces, monjas que esconden archivos en despachos… no sé… falta un poco de originalidad y sorpresa.

A esto, hay que añadir pequeñas incongruencias que cuando se van sumando, hacen que vayas restándole décimas a la nota del conjunto. Italianos hablando en inglés, secuencias para justificar algo cuando en realidad no hacía falta, vínculos entre personajes mal desarrollados… y sinceramente, bastantes apuntes más que no quiero desvelar para no aguarle la profecía a nadie.

En cuanto a banda sonora, recordemos que Jerry Goldsmith, que tuvo unas 20 nominaciones al Oscar a lo largo de su carrera, solo gano 1, y fue por La Profecía. Su tema principal Ave Satani ha sido utilizado en la cinta y resulta ser el mejor momento de la banda sonora. El resto corre a cargo de Mark Korven (The Witch, La Piscina), y resulta previsible y poco original.

En definitiva, un “ni chicha ni limoná” de toda la vida, aunque también destacaría el buen hacer de Nell Tiger Free, que aguanta bastante bien el tirón como protagonista.

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Un poco de historia política y cultural: tras la muerte de ese dictador de bigotito y vocecita, empezó a desaparecer la censura institucional tan malpensada como retrógrada y con esto no solo llegaron ya las primeras películas porno sino que el cine de destape perdió su pudor. Respecto al terror, el público se encontró con aires frescos que, para la carrera de Paul Naschy, fueron como un cohete tierra-tierra.

La malvada condesa Bathory fue juzgada por múltiples asesinatos y crueldades varias, por todo ello fue emparedada hasta morir mientras sus secuaces y sirvientes tuvieron distintos finales a cada cual más cruel. El fiel Waldemar Daninsky, un licántropo dominado por Bathory, morirá con una cruz de plata clavada en el pecho y su rostro quedará encerrado por una máscara de hierro.

Han pasado muchísimos años y distintos acontecimientos, muchos de ellos provocados por la ambiciosa estudiante Erika y sus amigas, harán que Waldemar Danisky reviva… Pero esto es solo el inicio ya que la propia Bathory también regresará de la tumba y ¡ay!, mejor atranca la puerta para no perder la vida.

Sería injusto negar la importancia que Paul Naschy tuvo para el género en España, cómo fue capaz de crear un mundo propio con distintos personajes entre los que Waldemar Daninsky fue el más carismático y prolífico. Dentro de la carrera de Naschy se podría situar El retorno… en su segunda época, donde gran parte de los personajes que aparecían en sus películas eran malvados y amorales; el paradigma de lo anterior lo encontramos en las psicotrónicas Latidos de pánico y El carnaval de las bestias.

Pero también hay que reconocer que El retorno del hombre lobo es una película que ya se sentía vieja en el momento de su estreno debido no solo a un trabajo de producción demasiado apolillado sino porque también coincidió con dos películas de Licántropos que aún no han sido superadas, tanto en calidad como en sus tremendas trasformaciones: Un hombre lobo americano en Londres de John Landis y Aullidos de Joe Dante; el público de la época “necesitaba” algo distinto y lo que Naschy ofrecía no solo era más de lo mismo sino que retrotraía al franquismo, una época muy chunga que muchos querían dejar atrás.

Con el paso del tiempo, lo cierto es que El retorno… tiene encanto y se juntan tantos aciertos como errores, y el mayor de estos últimos es que Naschy no solo insistía en ser el protagonista absoluto siendo un actor muy limitado, aunque el mayor “pero” es que seguía obsesionado con ser el seductor de todas las féminas – la mayor parte actrices hermosas pero sin capacidad interpretativa - que aparecieran en la historia, y en este caso no solo se camelaba a Azucena Hernández sino también a Silvia Aguilar interpretando a la malvadísima Erika, mientras la bruja Mirkaya – Beatriz Elorrieta - suspira debido a que Daninsky/Naschy jamás la amará. Entre el casting femenino imposible negar la gran presencia de Julia Saly como la Condesa Bathory, un rostro con muchísima personalidad y carisma que mereció mejor suerte en la industria audiovisual.

Pero es innegable que la película tiene grandes momentos, todos aquellos en los que tan pronto referenciaba a la productora Hammer como se dejaba llevar por lo psicodélico e inundaba la pantalla con luces, sombras y humo que indicaban como Naschy estaba lleno de ideas y recursos, siendo tal vez mejor director que guionista o actor.

En resumen, aunque Paul Naschy tiene mejores películas, el retorno del Hombre Lobo resulta el espejo de una filmografía que no supo evolucionar y, al mismo tiempo, ser un título reivindicable gracias a sus múltiples aciertos… ¡Ah, y no olvidemos lo bien que queda el impresionante tema Tentacoli de Stelvio Cipriani acompañando los títulos de crédito!

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Sin ser propiamente el creador del giallo, Dario Argento fue la punta de lanza de la modernización y popularización del género, entrando en una época dorada donde películas como El pájaro de las plumas de Cristal (1970) dieron el pistoletazo de salida a una nueva época que vendría repleta de grandes títulos como Profondo Rosso (1975) o Suspiria (1977)

Tras presenciar el brutal asesinato de su vecina y médium, un pianista y compositor inglés residente en Italia queda absolutamente obsesionado por descubrir quién es el responsable, lo que él no sabe es que cuanto más se acerque al asesino más grande será el charco de sangre que encuentre a su paso.

No son pocos los que se debaten entre este trabajo y Suspiria como sus obras predilectas del director italiano, pero lo que sin duda es palpable es la forma en que se modernizó el género con la llegada de esta obra, y aunque por supuesto seguía aportando todo aquello que nos gusta en el conocido subgénero, como sorprendentes ejecuciones ya sean en forma de asesinato o accidentales, una historia de intriga que no para de avanzar, en este caso, bastante más factible y depurada de lo que solía ser habitual en Dario Argento, haciendo de esta forma también que la película sea mucho más redonda. La gran variedad de planos que aportan amplitud y dejan desprotegido al protagonista en una ciudad que parece extraña para él, o los reconocidos planos subjetivos desde las propias carnes del asesino. Pero también la banda sonora de Giorgio Gaslini & Goblin no tan discordante como suele ser habitual en el giallo sino mucho más participativa o incluso intrusiva tratando de acelerar las escenas o dando ímpetu a los asesinatos y a la investigación, no se puede decir precisamente que sea una banda sonora que pase desapercibida, es un personaje más, tanto es así que incluso una misma pieza se detiene y arranca a merced de lo que va viviendo en el film el protagonista. Por otro lado, Dario Argento y Bernardino Zapponi sorprendentemente menciona el feminismo, casi dan lecciones de diversidad sexual y empoderan a la mujer dentro del género con mucho más protagonismo del que suele ser habitual, obvia el erotismo e incluso la paleta de colores deja respirar un poco al espectador. Como podéis ver, una reinterpretación muy personal de lo que el propio director venía haciendo, no es de justicia, no reconocer lo avanzada que fue la película en plenos setenta, respecto a lo que se podía ver en el cine.

Si es cierto que sigue sobrevolando en el ambiente la figura del maniaco tan característica de estas obras, y en este caso encontramos la propia voz del asesino en varias ocasiones, lo cual no deja de ser como poco curioso una vez sabemos quién es el responsable. Volviendo al protagonista, David Hemmings y en relación con lo que mencionaba anteriormente, resulta singular el abandono por parte de la policía que encuentra a la hora de investigar los asesinatos y la incomodidad con elementos tan hostiles e italianos a la vez en clave de humor que los guionistas habían preparado para el foráneo, como un vehículo clásico estropeado o una cafetera que exhala vapor apoderándose de todo lo que rodea al protagonista mientras trata de esclarecer el caso.

La obra cuenta con multitud de detalles que se aprecian al detalle con el revisionado de la cinta, está cargada de elementos, que parecen casuales en un primer vistazo, pero que revisado en profundidad no solo tienen una razón de ser para la historia, sino son una firma propia del director, escenas como el plano detalle de la gota de sudor en la sien del protagonista más cercana al western que tanto gusta y tanto ha escrito Dario Aergento que al giallo que le caracteriza, o el remate final para desentrañar la identidad del maniaco asesino en el pasillo con el juego del espejo y los cuadros de gran valor imaginativo que incluso hoy sigue funcionando a la perfección.

Como le ocurrió a tantas otras películas de la época, no tuvo el golpe de efecto esperado en su momento de estreno, pero unas cuantas décadas después, aquí estamos, hablando de una obra que se ha convertido en objeto de culto para fans, entendidos y amantes del terror italiano de asesinos en serie.

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Aunque no se puede negar su carrera ascendente dentro de las producciones del terror, lo cierto es que los grandes pelotazos de la productora BlumHouse siempre han sido dentro de las franquicias cinematográficas, primero con la irregular saga Paranormal Activity, luego con la violenta y política The Purge y hace nada ha vuelto a reverdecer los laureles de Insidious.

Imaginary tiene aire a búsqueda de franquicia… ¿Lo conseguirá?

Tras muchos años viviendo fuera, Jessica regresa a su casa familiar junto con su novio Max y las hijas de este, la adolescente Taylor y la niña Alice. Esta es la que, por casualidad, encuentra un adorable oso de peluche al que llama Chauncey, con el que pasará todos los días e iniciará una “caza del tesoro”.

No pasará mucho tiempo hasta que Jessica descubra que Chauncey puede ser un oso de peluche y el mejor amigo de Alice, pero también oculta una oscura leyenda con muchos años y terror a sus espaldas.

Ha llegado el momento de la batalla… ¿Contra un adorable osito?

Mejor empezar por el elemento más débil de esta nueva propuesta: la fórmula BlumHouse (casa, pocos escenarios, personajes y localizaciones) a veces acota demasiado las historias y aunque Imaginary es capaz de desenvolverse con lo que tiene, de nuevo es una trama con dos adultos y dos niños, lo mismo que encontramos en la reciente La Piscina o posiblemente la mayor referencia para esta película: Sinister. Es cierto que hay búsqueda de sustos que se sientan novedosos, el giro que pega la historia en su último tercio está muy bien construido e incluso alguna set piece resulta francamente inspirada por parte de los cuatro guionistas - Greg Erb, Jason Oremland, Jeff Wadlow, Bryqce McGuire – habiendo trabajados los dos primeros en películas infantiles y siendo el último una incorporación al universo BH gracias a su ópera prima La Piscina… pero asimismo queda la sensación de estar en la punta del iceberg de una historia mucho mayor y repleta de posibilidades, desaprovechada por cerrar el foco alrededor de un mal que, como se ha dicho antes, remite demasiado al Sinister de Scott Derrickson.

Aunque el director Jeff Wadlow no es Scott Derrickson ni consigue los ambientes enfermizos de este, lo cierto es que Imaginary es su película más conseguida hasta la fecha, no solo a nivel de dirección sino también a nivel interpretativo, ya que el dueto DeWanda Wise como la dibujante y la jovencísima Pyper Braum interpretando a la hijastra, logra interesar y crea empatía en el espectador respecto a lo que está ocurriendo; el secundario adolescente Matthew Sato hubiera necesitado mayor desarrollo gracias a su frescura mientras da pena que la clásica Becky Buckley aparezca tan poco teniendo una presencia tan potente. La voz de Chauncey está interpretada por Dane DiLiegro y resulta más que acertada.

Imaginary queda como una película entretenida con un background interesante si sus creadores, o los que tomen el relevo, saben desarrollar el lore y crear tramas que tengan interés por sí mismas. Si BlumHouse ya lo consiguió con una piedra de película como la primera Paranormal Activity, fijo que será capaz de hacerlo con este universo de amigos imaginarios.

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"Ay de aquella que el sendero deja.
No os fieis de ningún forastero
si queréis elegir vuestro derrotero.
Sed bellas pero sagaces,
Un lobo se esconde tras mil disfraces
Ahora como antes es una verdad evidente
Cuanto más dulce la lengua, más afilado el diente."

Las historias que nos explicaban nuestras abuelas han perdurado a través de los años y son fruto de una ancestral transmisión oral. Pero claro en alguna ocasión había que plasmarlas en papel, sobre todo para dejar un legado que perdurara en el tiempo. La Caperucita Roja se publicó en 1697 en un volumen de cuentos para niños titulado Cuentos de Antaño por Charles Perrault que, por decirlo de alguna manera y con el máximo respeto, era el rival de los Hermanos Grimm. En Compañía de Lobos se basa libremente en ese cuento con un Neil Jodan sobrado de fantasía y que no se olvida de enfatizar la moraleja que aparece en el original que no es otra que prevenir a las niñas de los encuentros con desconocidos. Han pasado más de trescientos años y esa máxima resta vigente. No todos los lobos aúllan y van a cuatro patas.

Rosaleen es una muchacha que vive al lado de un frondoso bosque. Al quedarse dormida tiene un inquietante sueño en el que los lobos merodean por el bosque secuestrando a su hermana mayor. De repente se ve viviendo en una época pasada, siendo sus padres unos humildes campesinos.

Angela Carter es la coautora del guion. En él, aparte del cuento central, nos va explicando diferentes historias de hombres lobo que aparecen en su libro La Cámara Sangrienta, a cual más perturbador y terrorífico. El director irlandés Neil Jordan los hace suyos añadiendo ese plus de fantasía, con bastante humor negro por cierto, que hace de esta obra una mezcla entre el fantástico y el terror terriblemente divertida valga la redundancia.

Al estar compuesta de diferentes relatos los hay para todos los gustos, sobresaliendo de entre todos ellos y según mi opinión el de la metamorfosis de los invitados a una boda. Sencillamente magistral, con algún que otro mensaje escondido como en cada uno de ellos.

Cinematográficamente hablando destacar el gran ritmo de la producción que unido a sus escasos noventa y cinco minutos de duración, hacen que se te pase volando. Tenemos que destacar también los excelentes efectos especiales a cargo de Dave Crownshaw, que sin ser excesivamente novedosos cumplen perfectamente su misión.

¿Qué decir de Neil Jordan? En Compañía de Lobos es su segunda obra como director dando ya muestras de su particular manera de hacer cine. Del resto de su obra destacaríamos, por meterse de lleno en el género, Entrevista con el Vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994).

En las interpretaciones destacar la aparición de Angela Lansbury (serie de TV Se ha Escrito un Crimen) como la inefable abuela que no puede faltar en toda obra basada en La Caperucita Roja. El resto están correctos pero no quería dejar pasar la oportunidad de nombrar a uno de los grandes aunque en una pequeñísima performance: Terence Stamp (Toby Dammit, Last Night in Soho), en el papel de un elegante Diablo.

Vamos terminando que los lobos están al acecho. En Compañía de Lobos es una película que todo hombre de bien tendría que ver al menos una vez en su vida. Lo que explica sigue estando plenamente vigente. Imprescindible.

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“Otra de zombies” sería una manera muy fácil de empezar a escribir sobre We Are Zombies. Tratándose del trío que forman RKSS (Roadkill Superstars) la cosa va tomando tintes de despiporre y diversión. Ya tenemos otra premisa más, estamos hablando de una zomedia con todas sus letras. A los amantes del subgénero de los no vivos en la variante más terrorífica, esto les puede echar algo para atrás aunque les recomendamos que se esperen al final. A los que buscan pasárselo bien, con zombies o sin ellos, We Are Zombies es una oportunidad para pasar un buen rato con alguna que otra carcajada. No voy a disertar si el tipo de humor sea más o menos adecuado, esto ya es cuestión de cada uno.

La historia, en principio, se aparta bastante de lo que estamos acostumbrados a ver en un film de este tipo. Como queriendo contentar a todo el mundo, al final todo vuelve a su cauce y los monstruitos vuelven a hacer de las suyas, como tiene que ser.

Estamos en una ciudad infestada de zombies no caníbales, pacíficos o como los queráis llamar. Tres espabilados suplantan a una empresa que se dedica al retiro de esos ciudadanos que vagan entre la vida y la muerte, vendiendo sus cuerpos a una oscura organización plena de codicia. Al final todo consiste en salvar a su abuela secuestrada.

Otra locura de los RKSS que ya nos deleitaron con sus productos ochenteros, con los cuales adquirieron una gran fama que arrastró a un público ávido de historias sencillas que solo perseguían la diversión. Estoy hablando del bombazo Turbo Kid (2015) en su estreno en el largometraje, Summer of 84 (2018) quizás la más madura de todas sus producciones hasta ahora y Wake Up (2023) rodada el mismo año que We Are Zombies.

¿Qué hace diferente a esta última al resto de sus obras? Pues que, sin apartarse demasiado de ese mundo creado por ellos, vemos una obra que a diferencia de Wake Up, está muy elaborada. Es como si hubieran alcanzado con esta cinta una velocidad de crucero que cuenta con un guion muy elaborado, con sus bromas más o menos graciosas, y una realización muy profesional con unos efectos especiales de altura, sin nada que envidiar a producciones equivalentes y, creemos, con más presupuesto. Van abandonando ese toque amateur que vosotros me diréis que os encanta, pero ya no se trata solo de eso. Da la impresión de que We Are Zombies sea su última incursión en ese special world que crearon en sus inicios. Han pasado casi diez años, puede que sea el momento de poner una marcha más. Que conste que solo estoy dando mi opinión, la realidad puede que sea otra.

En las interpretaciones nos topamos con un gran trío. Empezamos por la televisiva Megan Peta Hill que interpreta a Maggie, la fémina que intenta poner algo de cordura. Seguimos con Derek Johns (The Sacrifice Game) que da vida a Freddy Mercks y acabamos con Alexandre Nachi en el papel de Karl.

We Are Zombies es una película para pasar un gran rato. No busquéis mucho más, tampoco creo que haga falta. Diversión con zombies como pretexto.

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La carrera del director italiano Dario Argento es dilatada pero convendremos en que su época dorada se condensa de principios de los setenta a finales de los ochenta. Todo lo que el maestro del giallo lanzó en esos años fue obra maestra tras otra. Tenebre (1982) está en un puesto destacado de este peculiar olimpo con una historia a priori sencilla pero con todos los elementos de Argento colocadas por aquí y allá. Historia oscura y turbia, muchas mujeres desnudas, un enigma, auténticas carnicerías y sangre a borbotones.

Peter Neal es un célebre escritor de misterio y terror. En una gira promocional de su último libro en Roma alguien empieza a perpetrar asesinatos recreando los de la novela de Neal. Cuando las muertes empiezan a acercarse al círculo de Peter no tendrá más remedio que descubrir él mismo al causante de tanta muerte.

Es difícil hablar de una película así tantos años después de su lanzamiento. El cine ha cambiado, el cine de terror ha cambiado, los gustos y la percepción del espectador son distintos y la manera de contar historias ha ido variando, y no por ello estoy diciendo que a mejor. Digo todo esto porque para ver una película como Tenebre en nuestros días y saber disfrutarla hay que poner la cabeza en el estado correcto. No la podemos ver con los criterios de una película actual y mucho menos si hablamos de una película clásica giallo. Tiene su propio lenguaje, su estructura y mecanismos, y son unos bastante distintos a lo que impera en nuestros días. El ritmo es mucho más pausado en la mayoría de la cinta, la lógica argumental es tan fina que hay que poner mucho de parte del espectador para que funcione y algunas interpretaciones (y remarco lo de algunas) son directamente amateurs. Y sí, te estoy mirando a ti Christian Borromeo. No obstante si sabemos a lo que estamos jugando Tenebre se torna, pasados unos treinta minutos iniciales bastante duros, en un thriller slasher muy disfrutable y divertido.

Una película que claramente va de menos a más, tanto en ritmo de historia como en el interés que despierta. Las escenas violentas también juegan con este in crescendo hasta llegar a cotas muy pero que muy altas. Otro tema sería lo que comentaba antes, la lógica argumental llega hasta un punto el cual es correcto, para después hacer un extraño tirabuzón y cambiar totalmente las reglas del juego, y con mucho cuidado de no hacer spoilers pero... ¡ahí estaba el argumento correcto! Lo que parece ser un extraño epílogo en esta historia se me torna mucho más interesante como pieza central de la misma y viendo el nulo desarrollo que tiene me parece más un recurso mal aprovechado para terminar la película de cualquier manera. No soy demasiado defensor de los remakes, pero cuando son para profundizar mejor en la historia me pueden llegar a parecer bien, y pienso que Tenebre necesitaría una nueva revisión implementando en la trama y desde el principio esa extraña conclusión que deja a la original irónicamente inacabada.

Protagonizada por Anthony Franciosa (La casa de la muerte, La horrible noche del baile de los muertos) en su única colaboración con Dario Argento, interpreta a Peter Neal de manera solvente hasta el tramo final en el que todo se vuelve extraño incluyendo su interpretación. Por supuesto la presencia de Daria Nicolodi es obligatoria, la auténtica musa del director, quien también fue su pareja y madre de Asia Argento. En el plano técnico hay que destacar la presencia de la banda Goblin que repitieron con el director tras Suspiria (1977), en esta vuelven a traer sus composiciones oscuras y juguetonas en la que destacan sobretodo en las oníricas escenas de flashback.

Tenebre es uno de los máximos exponentes del giallo. Si quieres adentrarte en este subgénero no es una mala opción para empezar. Personalmente pongo por delante a Suspiria y Rojo Oscuro pero Tenebre a su vez me parece mejor que Inferno y Phenomena. Pero preferencias personales aparte tenemos que celebrar la tremenda carrera del señor Argento, que por trabajos como este se convirtió en la leyenda viva que es.

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Rob Zombie no necesita presentación. Pero hubo un tiempo, hace ya 20 años, en el que sí la necesitaba. Su primera exhibición en el mundo del cine fue esta casa de los horrores y nadie sabía muy bien qué esperar de la súbita incursión de un metalero de renombre en el universo del cine. Hubo expectación máxima ante tal intrusismo, pero podemos decir que Zombie conquistó a casi todo el mundo con esta obra que supuso un enamoramiento instantáneo de su universo.

El Capitán Spaulding es un curioso personaje que regenta una gasolinera de mala muerte en medio de la nada, cuya decoración son un montón de cachivaches estrafalarios dignos del museo de los horrores. Una noche, cuatro amigos que se encuentran de viaje paran en su gasolinera a repostar…

Empecemos hablando de su dirección artística, impecable y llena de elementos. Máscaras, trajes, trastos de todo tipo, muñecos, huesos, calaveras, telas de araña… decorados excelentes en los que no falta detalle y que le dan una ambientación de mucho nivel a la peli. Costó 7 millones de dólares, que no es una suma enorme pero tampoco pequeña si tenemos en cuenta que han pasado dos décadas. Se nota que hay nivel de producción en esa estética tan cuidada.

Otro aspecto fundamental es el elenco: Sid Haig, encarnando al Capitán Spaulding, crea en los pocos minutos que aparece en pantalla a un personaje que se convirtió ipso facto en un referente de la cultura de nuestra generación. Karen Black, una actriz olvidada que había trabajado con Jack Nicholson o DeNiro, Rainn Wilson, un par de años antes de convertirse en Dwight Schrute, Walton Goggins encarnando al sheriff y Bill Moseley que ya había dado vida a un personaje terrorífico en La Matanza de Texas 2, sin olvidar a Sheri Moon, que aparece en todas las películas del autor. Zombie hizo aquí lo que Tarantino, recuperar a figuras un poco perdidas, dándoles un lugar en el Olimpo del terror.

A todo esto, hay que sumarle la personalidad que muestra el director. Su estética estrambótica, sus luces, sus insertos de videoclip por en medio, su rollo grotesco a la par que espeluznante. Es todo muy Rob Zombie y aunque en algunos aspectos no comulgo para nada, son marca de la casa, y se agradecía mucho en su día ver algo diferenciador y especial. El uso que hace Zombie de la música nos ha dado también momentos inolvidables (véase el final de la secuela de esta película, Los Renegados del Diablo) y en La casa de los 1000 cadáveres ya hay muchos momentos donde la música eleva la película.

Lo más flojo puede resultar ser el guion (porque no deja de ser la enésima versión de algo que ya conoces) y la estética de Zombie si no te gusta y te parece cargante. Pero, aun así, Zombie fue capaz de marcarse una trilogía con estos personajes, y de depurar su estilazo partiendo de este guion. La parte final dentro de la casa es un auténtico paseo por los infiernos que me sigue poniendo los pelos de punta, aunque la cinta también tiene elementos de humor y diálogos graciosos. Cabe mencionar también el montaje, picado y extraño a ratos, que le da un dinamismo original.

Así comenzaba el líder de la banda White Zombie su andadura por el celuloide. Tardó 4 años en llevarla a cabo, y se convirtió en uno de los cineastas de terror más importantes de los 2000.

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Frontier(s) es, sin lugar a dudas, el nuevo exponente del genial cine de horror llevado a cabo últimamente en el país vecino, donde cintas como A l’Interieur o Martyrs helarán la sangre al más curtido espectador. Sin llegar al nivel alcanzado por estas dos obras, Frontier(s) no dejará indiferente a nadie, a pesar de sus paralelismos con la saga de Hostel y también, porque no decirlo, las irreverentes Wrong Turn, deja a estas bastante atrás, en cuanto a barbarie y casquería se refiere.

Un guion sencillo y sin demasiadas pretensiones escrito por Xavier Gens, narra la problemática actual de los suburbios de París, atestados de jóvenes hijos de inmigrantes, con escasas opciones de futuro y dentro de una sociedad que no les permite prosperar, a pesar de ser nacidos en Francia. Ante semejante panorama la única salida posible, para los chicos, es abocarse a la delincuencia.

Mostrando unos efectos visuales más que correctos, los movimientos de cámara de las escenas de acción son frenéticos, el sadismo y la crudeza de algunos fotogramas se sale de lo común y, en definitiva, una calidad técnica que roza la perfección. En el apartado de interpretaciones la joven actriz Karina Testa realiza un papel muy meritorio y en general el resto de los actores están a la altura, también Samuel Le Bihan, como ex-oficial nazi y patriarca de la familia de dementes que, aunque a veces algo sobreactuado, le da a su trabajo un realismo bastante acusado.

Un grupo de jóvenes, de origen árabe, perpetra un robo aprovechando los disturbios causados en Paris, a raíz de la victoria en las elecciones francesas, entre un partido conservador y otro de extrema derecha. En su huida a la tolerante Amsterdam, deciden pasar la noche en un aislado hostal cerca de la frontera con Luxemburgo. La hospedería está regentada por una familia un tanto peculiar que hará que pasen una noche realmente inolvidable.

Buena película de terror gore, que además destapa problemáticas sociales de la actualidad, como es la escalada del racismo y el choque de culturas en el viejo continente. La producción hará las delicias de cualquier aficionado al cine francés de los últimos años.

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Tras el suicidio de su mentor, el psiquiatra James Martin debe asumir la misión que este dejó sin cumplir: determinar la locura o la cordura de un asesino múltiple que dice llamarse Nefarious y ser un demonio. Tras el juego del gato y el ratón entre el psiquiatra y el preso, Nefarious será ejecutado en la silla eléctrica o internado en una institución psiquiátrica. Las fuerzas se ponen en juego y antes de las once de la noche, siniestros sucesos tendrán lugar.

Nefarious arranca dinámica e interesante, aunque todo este principio es muy deudor de El Silencio De Los Corderos, con la llegada del protagonista a la cárcel y los primeros compases del “enfrentamiento” que tendrá lugar entre los dos protagonistas principales. El arranque de los diálogos también es rápido; como si de un partido de ping-pong se tratara, el turno pasa del preso al psiquiatra y viceversa.

Hay ideas interesantes a lo largo de este primer tercio que, como si de una obra de teatro se tratara, la relectura de la historia de la humanidad bajo el prisma de un demonio que tiene muchas quejas acerca de Dios y su supuesta “no beligerancia”. El libro en el que se basa Nefarious, The Nefarious Plot de Steve Deace, trata acerca de la creación y ascenso de Estados Unidos desde un punto de vista (muy) conservador, ya que el propio autor – con la voz de “su” demonio – avisa de los problemas que traerá el ascenso de la izquierda para la nación; sin haber leído el libro, independientemente de ese tono a conservadurismo, los comentarios destacan su capacidad de contar la historia de Estados Unidos con gran sentido del humor… Algo de lo que carece la adaptación a película llevada a cabo por Chuck Konzelman y Cary Salomon, dos tipos bastante peligrosos si atendemos a sus guiones anteriores: Dios (no) está muerto que trata sobre las dialécticas entre un chaval muy cristiano y el ateo de su profesor, y el panfleto antiabortista Unplanned, apadrinada por la productora evangélica Pure Flix.

Si partimos de aquí, encontramos joyitas a lo largo de Nefarious: ese tono grave con el que el demonio recuerda al psiquiatra sus “pecados” como dejar que su novia fuera sola para abortar ya que a él no le molaba tener hijos, o que hizo la eutanasia a su madre para quedarse con su dinero… Uff. No hay terror en Nefarious, sino una alargada conversación en la que, de pronto, se sale al exterior con personajes como el alcaide de la cárcel que hace una apasionada defensa de la pena de muerte aunque el acusado esté como unas maracas; entre los personajes solo faltaba un miembro de la asociación del rifle para tener el repoker del terror retrógrado en Estados Unidos.

La dirección de Konzelman y Solomon es competente e incluso brilla en las secuencias de la ejecución, pero todo está al servicio de la “palabra” y eso resta puntos. Sean Patrick Flannery se pasa con sus guiños, porque unos dicen que su personaje está tarado y él asegura tener el alma petada de demonios; Jordan Belfi tiene un palo metido en el recto durante parte del metraje, y el resto pone cara de sufrimiento extremo. Tom Ohmer es el alcaide y solo le falta escupir tabaco de mascar para ser más duro. El locutor radiofónico y conservador Glenn Beck aparece en el epílogo de Nefarious, solo para dejar más claro el mensaje de la película: Dios te ama, sé bueno.

Cuidaos de las películas de cristianismo extremo reconvertidas en películas de terror, son ovejas disfrazadas de lobos feroces.

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Los faros tienen un algo atrayente, para qué negarlo, puede utilizarse para el bien salvando barcos o para el mal si lo apagas cuando las embarcaciones están cerca de la costa y les dejas a ciegas para que se destrocen contra los acantilados.

Un faro es un escenario muy sugerente, pero hay que saber utilizarlo de forma correcta. ¿Lo habrá logrado la directora Ángeles Hernández?

Tras la trágica muerte de su mujer, este arquitecto y su hija se refugian de la tristeza y la culpa en el faro familiar, que se encuentra en el rincón de esta paradisiaca isla que, como cada invierno, se queda vacía.

Cada noche el faro se enciende e ilumina los alrededores, pero en su interior mora una presencia que ronda a la familia, que puede ser buena o mala… Aunque tal vez las mayores amenazas vengan del exterior.

Ángeles Hernández buscaba una historia de terror cuyo motor fuera la culpa, una culpa que levantará muros entre los protagonistas y les impidiera hablar acerca lo que les ocurría. Pero vaya por delante que aunque la intención es buena Faro se va un poco de madre ya que los tres guionistas, la propia Hernández junto a David Matamoros y José Pérez Quintero, crean enormes de guion al intentar meter demasiados elementos – la hija, el padre, el primo, las desapariciones, el tono familiar, el fantasma – que obliga a la historia a saltar entre el drama, el thriller, una historia de fantasmas clásica imbricada con un coming of age e incluso jugueteos con el elemento social… y cada uno de estos géneros resta al otro.

Los guionistas parecen acordarse del fantasma cuando necesitan hacer de bisagra en la historia, acumulando elementos de ruido continuo y jumpscares al tiempo que rozan un J-horror muy resultón gracias al moho, las algas y todo ese elemento de podredumbre que asola el lugar… pero realmente el espectador no siente la amenaza en cualquiera de estos momentos, ya que una secuencia lleva a la siguiente y sucesivamente mientras personajes dicen frases lapidarias como la tendera interpretada por Noelia Blanco quien suelta perlas estilo “ese faro no trae nada bueno”, “debería salvar vidas y hace lo contrario”, sin que tenga continuidad o peso en la historia.

¿Obedece todo esto, junto con la trama del chaval desaparecido, a continuas reescrituras de guion que hacen perder el norte? O ¿Es tal vez el miedo de los productores a un producto puro de terror que espante a los espectadores? En ese sentido a la película le falta foco ya que salta de forma caprichosa entre el mundo adulto y adolescente sin decidirse por uno de los dos.

A nivel puesta de escena, Ángeles Hernández se mueve con soltura (aunque abusa de los planos aéreos cada vez que los personajes se trasladan de un lugar a otro) acompañada por la gran labor de la directora de fotografía Gina Ferrer cuya paleta de colores es impresionante al generar esos dos mundos condenados a jamás entenderse como la tierra firme y el mar.

A nivel actoral, Faro va más justito ya que Hugo Silva se nota un poco perdido ante una joven muy potente a nivel imagen como es Zoé Arnao; el tercero en discordia, Sergio Castellanos, interpreta al primo y aunque da bien de físico su papel es terrible mientras Irene Montalá funciona siendo el motor de la historia

Tal como nos enseña Faro, la culpa es un gran motor que empuja a reconciliarse, matar, cometer locuras… La culpa suele llevar consigo un punto de drama que suele funcionar dentro del terror, pero nunca cuando la historia da tantos bandazos y se pasa de frenada.

Imposible terminar sin el recuerdo para un clásico olvidado, una película también ambientada en un faro y con muchos puntos en común con Faro, y que debería haber servido como espejo para la película que nos ocupa: Paperhouse de Bernard Rose.

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Los perezosos de tres dedos son unos asombrosos mamíferos que habitan en zonas tropicales del continente americano. Su amorosa apariencia, así como sus característicos movimientos nos han encandilado en múltiples documentales, sin embargo, su presencia en la ficción es prácticamente inexistente (me viene a la cabeza la película de animación Zootrópolis en la que un perezoso protagonizaba los mejores chistes de la película). Slotherhouse, o Perezoso Amoroso, viene a cubrir ese hueco, y quién sabe si ha abierto las puertas de una nueva franquicia.

Emily Young, estudiante de último curso, quiere ser elegida presidenta de su hermandad. Adopta un simpático perezoso, pensando que puede convertirse en la nueva mascota y ayudarla a ganar, hasta que una serie de muertes implican al perezoso como principal sospechoso de los asesinatos.

Castores zombis (Review), ovejas asesinas, osos cocainómanos (Review) han sido algunos de los animales exóticos que han poblado el cine de género en los últimos años. Ahora es el turno del perezoso, un animal de apariencia amable que se viste de asesino implacable en este slasher cómico con aroma a serie B. Ambientada en el mundo de las fraternidades universitarias, Slotherhouse homenajea a numerosas películas. Desde el título, un juego de palabras que hace referencia a un clásico del género como Slaughterhouse (El Matadero), hasta referencias (poco sutiles) a títulos como La noche de Halloween, El Resplandor e incluso E.T.

Lo mejor de esta alocada película es el diseño del perezoso. Es un acierto que no incluya casi ningún retoque digital (recuerdo algún plano puntual de CGI). Dan ganas de abrazarlo y en todo momento deseas que acabe con todos los humanos que aparecen en pantalla. Incluso con la insulsa protagonista. Me gustaría comprarme uno, pero el manido mensaje de la película me ha dejado bien claro que no hay que sacar a animales exóticos de su hábitat natural.

El reducido metraje del largometraje juega a su favor aunque he de señalar que Slotherhouse no tiene la mala baba que cabría esperar. Para mi gusto la película hubiera ganado muchos puntos con alguna escena gore (las muertes resultan un tanto sosas) y mostrar algún que otro desnudo masculino o femenino, algo habitual en el cine que retrata ambientes universitarios. Se nota que han querido obviar estos aspectos para mantener la calificación “no recomendada para menores de 13 años”.

En definitiva, es un título sin muchas pretensiones para disfrutar entre amigos acompañados de alguna cerveza mientras esperamos a que llegue Cocodrilo Fentanilo.

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La premisa de esta película es tan delirante como indica su título. En esa simple frase, ya se resume el germen de lo que estamos a punto de ver: una persona compra una moto vampiro, y no hay ticket de devolución posible. Estamos ante una obra divertida y, sorprendentemente, dotada de bastante calidad, que falla sobre todo en que le sobran minutos.

A Noddy le encantan las motos, le gusta comprarlas y repararlas en su taller para luego dar una vuelta con su novia. Su nueva adquisición es una Norton por la que ha pagado un módico precio, pero desde que esta moto ha entrado en su vida, unos misteriosos y sangrientos asesinatos empiezan a tener lugar a su alrededor…

Este desvarío fílmico que nos ocupa está dirigido por alguien que nunca más hizo cine. Se trata de Dirk Campbell, que luego se dedicó a dirigir series de TV infantiles. Curiosamente, Yo Compré Una Moto Vampiro tiene mucho de naif e infantil, una moto con colmillos, un señor al que le huele mucho el aliento a ajo, unos personajes torpes y simplones… Hay algo inocente en todo el conjunto, aunque la película no escatima en sangre que, por cierto, está muy mal hecha. Entre los actores, tenemos que destacar a Anthony Daniels en el papel del cura, el legendario C3PO se sumaba a esta locura en un papel muy protagonista hasta el final.

Yo Compré Una Moto Vampiro tiene eso que nos gusta tanto cuando vemos serie B añeja: cariño y desparpajo. Podría tener lugar en Tromaville sin desentonar lo más mínimo, y, como tal, es de esas pelis que despiertan afecto y fandom a su alrededor. Parece que al decirse que es serie B se la coloca en un lugar menor, y se le presupone una calidad sospechosa, pero en este caso estamos ante algo que podría ser hermano de El Vengador Tóxico y que no desmerece en comparación con pelis que se creen mejores.

Lo peor de la película no tiene que ver con todo esto, sino con el hecho de que dura demasiado. Una vez que nos acercamos al desenlace, parece que nunca llega. Se le podrían recortar 20 minutos y el chiste, en conjunto, tendría bastante más gracia.

Quiero acabar diciendo que pudimos disfrutar de la película con un amigo motero, que nos contó que la peli es conocida en esos círculos. Así que lo dicho, un motero que se precie tiene que ver esta película, y un amante del género, también.

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Hay algo que destaca en los títulos de crédito de Buffy, La Cazavampiros: el nombre de Joss Whedon en el guion, actores renombrados como Donald Sutherland o Rutger Hauer y Hillary Swank en uno de sus primeros papeles; sin embargo, la segunda – y gracias a dios, última – película de Fran Rubel Kuzui es un desastre se mire como se mire.

Buffy es una de las triunfadoras de este high school: animadora de lujo, novia del capitán del equipo de baloncesto y encima es una de las elegidas para planificar uno de los bailes del último curso. ¿Qué podría salir mal?

Pues dos cosas: el lugar ha sido elegido por Lothos, un vampiro milenario, para anidar y convertir a los humanos en vampiros… y que Buffy es la última de una legendaria cadena de cazavampiras con grandes poderes para eliminar a los chupasangres.

¿Dejará Buffy la carrera de animadora por la de cazavampiros?

¿Quién es el máximo culpable de este descarrilamiento de trenes, aparte de injerencias de producción que obligaron a reescribir el guion con el rodaje en marcha? Tal vez el fail más flagrante lo encontramos en la directora de casting, Johanna Ray, quien da el papel de Buffy a Kristy Swanson, una terrible actriz que ya se nota muy justa durante unos títulos de crédito donde deja claro que el baile no es lo suyo, pero el miscasting continua con Luke Perry, en aquel momento al alza gracias a la serie 902010 Beverly Hills, y que aquí interpreta al nerd de turno que hará tándem con la caza vampiros. La nula química entre Swanson y Perry hace que el rollito “buddy movie” jamás funcione. David Arquette interpreta uno de sus primeros papeles antes de ser descubierto con Scream, y su papel es tan exagerado que disimula lo pasadísimo que está interpretativamente; Paul Reubens (AKA Pee Wee) hace su primera aparición tras haber hundido su carrera con un arresto por exhibición pública, y debería hacer gracia pero solo da pena. Por la parte “clásica” encontramos a Donald Sutherland y Rutger Hauer, aunque el primero decidió ignorar el guion e inventarse sus propios diálogos – lo que genera mucha extrañeza a lo largo del metraje -, mientras Rutger Hauer siguió poniendo clavos al ataúd de su carrera.

Todo lo anterior daría igual si la directora Fran Rubel Kuzui hubiera estado sembrada tras la cámara, pero su dirección es tan mortecina que se hacen eternos los 85 minutos de duración y solo en contados momentos se nota más suelta, curiosamente cuando los personajes están sentados y hablan entre sí; años después, Rubel Kuzui purgó su pecado al ser productora ejecutiva del Buffyverse, con las series Buffy the Vampire Slayer y su spin-off Angel. Otros elementos que fallan son la terrible música de Cartel Burwell y la insulsa fotografía de James Hayman, a mitad de camino entre los neones de los años ochenta y las series televisivas de dónde provenía el director de fotografía.

Todo aquel que conozca la carrera de Joss Whedon reconocerá sus características como el tono ligero y jocoso, los rápidos diálogos, relaciones interpersonales y el aire pop que impregna la historia… Pero también es cierto que todo lo anterior está tocado de muerte, tan tocado que Whedon abandonó el set de rodaje de la película y jamás volvió… Pero gracias a esto, cinco años después se puso en marcha la serie de Buffy, The Vampire Slayer y la historia de la televisión jamás volvió a ser la misma.

(Nota adicional para completistas: años después el guion original de la película fue adaptado a comic por el propio Whedon en lo que se conoce como Buffy Año Uno y donde añadió unos capítulos puente entre la película y la serie televisiva)

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En el entierro de la periodista Karen White se juntan su familia, amigos y curiosos entre los que se encuentra Stefan, un investigador de lo oculto que avisa al hermano de Karen White: la fallecida se convertirá en una mujer lobo a no ser que atraviesen su corazón con una aguja de titanio.

Pero esto es nada al lado de lo que les espera a los dos hombres, y a la intrépida periodista Jenny, cuando se vean envueltos en el renacimiento de la malvada mujer lobo Stirba. Para combatirla deben viajar a Transilvania y evitar que adquiera el poder suficiente para sembrar el mundo de hombres y mujeres lobo.

Aullidos 2, Stirba la mujer lobo ni siquiera puede considerarse un exploit ya que en el guion encontramos el nombre de Gary Brandner, autor de la novela Aullidos y que estuvo tan disconforme con el guion de John Sayles para la película de Joe Dante que escribió Aullidos: El Retorno en la que se basa Stirba, donde la idea de Brandner era profundizar en el origen de los hombres lobos, unirlo con elementos balcánicos. Sin haber leído la novela original y la secuela, es imposible saber si el desastre de la historia ya estaba en la novela de Brandner o si fue el coguionista Robert Sarno quien añadió toda esa locura que se clava en el cerebro como alfileres.

Tal vez es demasiado generoso llamar guion a lo que se ve en pantalla, una sucesión de secuencias sin solución de continuidad, que retoma el final de Aullidos para presentar a un grupo de protagonistas sin entidad más allá de tomar un fusil y disparar. A lo largo de la película de Phillipe Mora, los sinsentidos se acumulan en algo más cercano en espíritu a un softcore o un exploit italiano que a una continuación oficial, con ecos a la peor Hammer o incluso a las películas más infectas – que las hay - del fantaterror hispánico. El espectador que intente buscar un mínimo de hilazón en Aullidos 2, perderá su tiempo ya que en esta locura psicotrónica hay muchos pechos al aire, rollo sadomaso, rituales con gente desnuda, personajes que van a cazar hombres lobos como si fueran de picnic, sexo cutrísimo con lesbianismo de cartón piedra, conversaciones ridículas, enanos, zombis e incluso un inmenso murciélago que parece haberse escapado de Drácula para meterse en una película de hombres lobos.

Y si se menciona Drácula, comentar que Christopher Lee decidió participar en este desastre fílmico porque nunca había rodado una película de hombres lobos. Christopher, ya podrías haberte quedado con las ganas porque vagas por la historia como un zombi sin alma. Pero atención porque Lee es quien mejor actúa ya que Sibill Danning, vestida cada vez de forma más estrafalaria y muy cercana a una dominatrix, directamente pone caras y enseña pechumen. La pareja de “jóvenes”, ¿A alguien le extraña que ambos tuvieran una carrera tan corta?, son dos cachos de carne llamados Reb Brown y Annie McEnroe cuyos personajes, una vez tienen sexo, pierden cualquier interés en la trama y van por la historia como si hicieran turismo.

Aullidos 2 es terriblemente mala, aunque se estrenó en cine podría haberse rodado para ir directamente a video. El consejo es que JAMÁS se vea en soledad porque se pueden sufrir daños irreversibles tanto en los ojos, como los oídos y sobre todo el cerebro.

Por cierto: atención a sus títulos de crédito finales, sin desperdicio.

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De niño tuve la oportunidad de leer Las brujas de Roald Dahl y ver en pantalla grande la adaptación al cine de 1990. Algunos conceptos terroríficos se quedarían grabados en mi memoria para siempre. Durante mi adolescencia la figura de la bruja pasó a un segundo plano. Ya no me daba miedo, me parecía una figura infantil y que solo se utilizaba en la ficción con fines eróticos. En esta sociedad en que la mujer va cobrando protagonismo y fuerza, la bruja ha vuelto a ser una figura poderosa y amenazadora. Desde una obra maestra como The Witch (Review) hasta propuestas nacionales como Akelarre o Irati (Review), en los últimos años hemos podido disfrutar de muchas producciones que ahondan en la figura de la bruja de diferentes maneras. Hood Witch es un drama con connotaciones feministas y sociales, un retrato real de lo que sería la figura de la bruja en el sXXI en una gran urbe de Francia.

Nour es una traficante de animales exóticos y otros productos ilegales que utiliza con fines curanderos. Un trabajo que ejerce para poder mantener a su hijo y ahorrar con el fin de mudarse con él lejos de la ciudad. Con ese mismo propósito diseña una aplicación de móvil para facilitarle el trabajo.

Desde el prólogo Hood Witch deja muy claras sus intenciones: una sucesión de imágenes en blanco y negro muestran a diferentes mujeres que acabaron en la hoguera debido a la misoginia de la sociedad de su época. El director novel Saïd Belktibia se apoya en algunos elementos sobrenaturales para realizar un filme de denuncia. No nos engañemos, a pesar de coquetear con el género en ciertos momentos, Hood Witch está más cerca del drama que del terror.

Todo el peso de la película recae en la magnífica actriz iraní Golshifteh Farahani (a quien hemos podido ver en algunas películas de Hollywood como Red de Mentiras o Exodus: Dioses y reyes). Como muchos títulos de nacionalidad francesa, Hood Witch retrata la situación de los inmigrantes en el extrarradio de las urbes. A diferencia de otros filmes que realiza el cine francés en los que el conflicto reside entre la comunidad de inmigrantes y las fuerzas de seguridad o estado (como por ejemplo en la reciente Vermin: La Plaga (Review) en Hood Witch las tensiones surgen entre los inmigrantes que residen en el barrio. Una comunidad patriarcal en la que el misticismo, la fe y el islam juegan un rol primordial.

La película cuenta con un maravilloso diseño de producción y está rodada con elegancia y precisión. Incluye animales exóticos reales (sin recurrir a CGI chapucero), detalle que ha llamado poderosamente mi atención. A pesar de la historia tan interesante repleta de angustia que plantea el filme, me gustaría volver a subrayar que Hood Witch no da miedo.

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El mundo de los serial killers está ahí, fascinante y horrible al mismo tiempo. ¿Qué les pasa por la cabeza, qué piensan antes de atacar, por qué lo hacen? Aunque haya libros, películas, telefilms al respecto, lo cierto es que jamás se sabe con certeza lo que ocurre entre esas neuronas.

La ópera prima de Devanny Pinn es un muy interesante acercamiento a la figura de los serial killers.

Durante casi 24 horas, el hombre da vueltas alrededor de las chicas de esta hermandad. Espía, observa descaradamente e, incluso, se acerca con oscuras intenciones a alguna de las habitantes de la casa.

Las horas pasan, la luz cae, las chicas salen a tomar algo y el hombre las sigue mientras en su interior crece un ansia peligrosa y una sed de sangre, sexo y violencia.

Davanny Pinn toma un suceso real y junto con Eric Pereira y Brandon Slagle escribe una historia con ecos a Black Christmas de Bob Clark al estar relacionado con el mundo de una hermandad femenina, pero sorprende la madurez de Pinn al enfocar una historia tan tremebunda y no dejarse llevar por lo fácil que es hacer sufrir al espectador mostrando las maldades del asesino desde el principio sino que adopta un tono cuasi documental, siempre con la cámara en el hombro del asesino; todo esto ayuda a que sea más palpable esa tensión creciente que tiene la película. Esta forma de visualizar la historia recuerda a Trigger man de Ty West, ya que siempre se ve la historia desde “fuera”; en ese sentido sorprenden negativamente esos insertos de un coche, en la puerta de la hermanad, donde hablan una mujer mayor y una chica joven, ya que parece de otra película.

Hay muchas razones por las que Black Mass resulta atrayente e inquietante desde la primera secuencia en un cuarto de baño, por esos momentos en que nos “llevan” al interior de la locura del asesino, o la búsqueda incansable de víctimas con una cámara que pocas veces está en el sitio equivocado; la fotografía de Noah Luke es oscura, con un pie en los años setenta, mientras el diseño de sonido obra de Marcos Burton Jr y Wayne Kent es de quitarse el sombrero debido a esos paisajes oscuros y repletos de sordidez. Los ataques son tan realistas como duros, con unos efectos especiales y de maquillaje muy destacables.

Interpretativamente la película es muy naturalista, todos los personajes “son”, pero hay que destacar a Andrew Sykes como el asesino ya que pocas veces enseña el rostro – porque la película está contada desde su punto de vista – y es tremendamente inquietante, con un gran trabajo vocal.

La ópera prima de Devanny Pinn, Black Mass debería entrar, por méritos propios, en esa terna de películas como The Golden Glove que tratan el mundo de los serial killers de forma tan respetuosa como sorprendente, sin renegar en momento alguno del terror.

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Para empezar Delirio Profundo es una película difícil de describir incluso para su directora Marta Montes. Tampoco estamos hablando de una trama complicada, filosófica, metafísica o poética, más bien lo contrario, lo que pasa es que la forma en la que se nos presenta es demencial. Tampoco hay que buscar mucho más. Está realizada de modo desenfadado, sin homenajes cinéfilos ni nada que se le parezca. Tengo una idea, cojo el móvil y empiezo a grabar. Ignoramos si en alguna escena se tuvo que hacer más de una toma, creemos que no, pero ahí radica parte de su gracia. Frescura y desparpajo, sin importar demasiado la calidad del producto, para desespero de los cinéfilos más recalcitrantes, para ellos existen otro tipo de producciones. Delirio Profundo es para pasárselo bien de principio a fin sin olvidarnos que estamos ante otra manera de producir cine.

Una familia se encuentra de vacaciones en Roma. Uno de los hijos recibe por parte de una extraña mujer, un misterioso anillo. El avión que les retornaba a casa, sufre un terrible accidente muriendo todos. Años más tarde, ya en Madrid, esa misma familia lleva el susodicho anillo. El hijo mayor, Arturo, que es propietario de una tienda de material esotérico, sin saberlo abrirá las puertas de otra dimensión en la que la maldad y la violencia están presentes.

Lo dicho, una trama delirante rodada a un ritmo frenético, donde las escenas se suceden, todavía sin saber el motivo de su orden. Tiene un importante trabajo de postproducción, lo que sucede es que quizás no tengan mucho donde elegir y se tienen que conformar en arreglar el desaguisado de su rodaje. Esto implica el doblaje de los diálogos, no demasiado bien encajados en las bocas de los protagonistas por cierto, transiciones bruscas y en ocasiones absurdas y actuaciones con un nivel que si las denomináramos amateurs estaríamos poniéndolas por las nubes. ¿Qué quiero decir con todo esto?, pues que vayáis a verla. Carcajadas aseguradas, con el detalle que estamos expectantes con lo que sucederá a continuación, consiguiendo cero aburrimiento.

Otra de las cosas a destacar es que cogemos cariño a unos personajes que rondan el absurdo. Las interpretaciones no son de diez, más bien al revés, pero amamos a esos seres perdidos en una trama absurda pero que seguro que alguna vez os habéis cruzado con alguno parecido por la calle.

Iba a indicar algo destacable en el apartado técnico, pero mejor me callo. De todas maneras para conseguir este producto final se nos hace difícil pensar que no hubiera planificación previa. Voy a intentar explicarme. Si uno agarra un móvil y empieza a grabar una historia sacada de una mente calenturienta, con toda seguridad le saldrá una mierda. Si tenéis ocasión de ver Delirio Profundo, puede que a alguno le parezca esto último pero con toda seguridad se lo pasará en grande. Para fanáticos del cine cutre y de serie B, que son muchos.

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Hay pocos personajes de ficción que hayan tenido tanta presencia en el cine. Y sin duda en lo que se refiere a monstruos este es el que más. Godzilla ha trascendido las pantallas para convertirse en un absoluto icono del cine japonés (del occidental está en ello) y que pese a algunos parones en sus producciones no tiene pinta de que vaya a terminar pronto y eso que ya carga 70 años desde su creación. De hecho parece que rebose más vitalidad que nunca. En Godzilla: Minus One nos cuentan el primer capítulo de su historia, no se sabe (aunque el título así lo indica) si conecta directamente con la cinta original de 1954, aunque tampoco descartaría que sea este el reinicio de una saga que con el nivel de tecnología en el cine que tenemos no podemos más que frotarnos las manos. Si hacemos caso a los números es muy posible que esta sea la primera de muchas entregas venideras. Y yo contento.

Acaba la Segunda Guerra Mundial para Japón después del lanzamiento de las bombas atómicas. Un piloto kamikaze que teme a la muerte vuelve a casa para encontrarse todo completamente destruido. A los pocos años aparece de las profundidades oceánicas un colosal monstruo que arrasa con todo lo que se cruza. La única manera de hacerle frente es reunir a una especie de milicia en una misión suicida.

Un mal endémico de todas y cada una de las cintas de Godzilla es que el propio monstruo es quien menos aparece en la propia película, dejando mucho espacio a protagonistas que nunca tienen continuidad y que realmente siempre cuentan lo mismo. En Godzilla: Minus One ocurre lo mismo pero esta vez sí que hay cierto esmero para que conectemos con sus personajes principales, tanto en su trama romántica como en la que sería más de camaradería (importante el mensaje crítico al gobierno japonés de la postguerra). No son tramas perfectas, su conclusión es de largo lo peor de la película y tal vez se hacen demasiado largas y pesadas cuando tú lo que único que quieres ver es a un lagarto gigante destruyéndolo todo, pero lo normal en otras cintas es que fueran mucho peor de lo que realmente han sido.

Pero donde hay que centrarse es en el imponente monstruo. Su diseño se asemeja más a su última etapa de películas japonesas que se ubican en los 90 y muy principios de los 2000 y se aparta totalmente (como debe ser) de las propuestas estadounidenses que no acaban de dar con la tecla. Estamos ante una película con un presupuesto muy ajustado, y más si tenemos en cuenta otros ejemplos contemporáneos. Pero es increíble que el resultado final sea tan impresionante con menos del 10% de presupuesto de otras películas que incluso en ocasiones se llegan a ver peor. Dato para reflexionar. Sí que hay elementos que se notan que han hecho para abaratar costes, como que la mayoría de escenas de acción ocurran en el mar, una cierta repetición de escenarios, y mil trucos de viejo lobo de mar para exprimir el último yen, pero hay que aplaudir el resultado final sin paliativos. Hablando de las escenas de acción son todas ellas impresionantes, cada una con su estilo y objetivos pero donde realmente te pone los pelos de punta es en la única, pero impresionante, escena de destrucción de una ciudad. Una auténtica virguería técnica que además homenajea por cada poro de su escamosa piel a las películas más clásicas. Desde el movimiento de la criatura, el estruendo de sus pisadas, los tremendos rugidos que emite y, sobretodo esto, la mítica pieza musical colocada en el momento exacto para que, una vez terminada la apoteósica secuencia no te quede que reclinarte sobre tu butaca y suspirar satisfecho.

Godzilla: Minus One es una carta de amor a su criatura. Un homenaje absoluto por sus 70 años de existencia, hecho con respeto y talento. Probablemente su mejor película en su filmografía y ya deseando que llegue una secuela, pero no hay prisa, que la hagan con el mismo mimo que esta.

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Dentro del universo The Conjuring, dos estrellas malvadas brillan con luz propia: la diabólica muñeca Anabelle y la Monja, pero ninguna de las dos encontró su camino de primeras, por lo menos hasta que Gary Dauberman decidió alejarse del camino marcado por James Wan en la muy divertida Annabelle Vuelve A Casa. Ahora la monja tiene una segunda oportunidad y sólo cabe preguntarse si conseguirá salir de su agujero.

Han pasado varios años desde que la hermana Irene se enfrentó al mal en Rumania. Ahora intenta rehacer su vida en compañía de sus hermanas, pero todo se rompe en pedazos cuando un cardenal va en su busca: extrañas y violentas muertes están teniendo lugar, todo indica que la monja ha vuelto a las andadas y solo Irene puede enfrentarse al mal.

Esta vez Irene va al encuentro de la monja con más experiencia, pero también con mucho más miedo.

Michael Chaves se ha convertido en la mano que guía los caminos del universo Warren tras La Llorona o The Conjuring 3, y hay que reconocerle que aunque tal vez le falta un punto de autoría narrativa, a cambio se mueve como pez en el agua en el género de terror; ha traído aires frescos a una franquicia que parecía abocada a su final por estar demasiado pegada a los cánones de James Wan, y por ello cada nueva película era como un copy/paste. Chaves apuesta por un alejamiento del gótico excesivamente serio de la primera entrega e incluso añade cierto tono pulp y guiños a Indiana Jones para lanzarse a una carrera contrarreloj – con sorprendentes elementos de crueldad y violencia – hasta llegar al último tercio que es lo mejor de la función ya que cumple con las expectativas del espectador: algo de sangre, gente corriendo, mucho susto y una espectacularidad muy agradecida. En todas las películas de la saga hay alguna secuencia que destaca sobre el resto y en esta ocasión me atrevo a proponer la creación del retrato robot de la monja, un momento espectacular, vistoso y muy bien resuelto.

Ian Goldberg y Richard Naing fueron los guionistas de La Autopsia de Jane Done, una película de formato pequeño que, en cambio, daba bastantes sorpresas; asimismo, Akela Cooper es la guionista del ultimo pelotazo/franquicia de la factoría Wan como es M3gan y también es la responsable de Malignant de James Wan. Seis manos para un guion como el de La Monja 2 da que pensar: ¿Trabajo conjunto o reescritura por alguna de las partes?, porque aunque la historia es mucho más ligera y divertida que la primera, a veces el guion da bandazos ya que algunos saltos entre las dos tramas no siempre fluyen bien mientras las revelaciones finales dan la sensación de “porque si” al mismo tiempo que hay personajes a los que falta entidad como Debra, la novicia rebelde, o la profesora Kate ya que ambas se mueven por la historia esperando el momento de correr de un lado a otro e incluso hay un momento en el que sus acciones pueden ser intercambiables sin que el guion se resintiera.

Interpretativamente, Taissa Farmiga vuelve a ser la reina de la función y sería maravilloso un cruce espacio/temporal en el que se encontrase con Mrs Warren/Vera Farmiga, su hermana en la vida real. Jonas Bloquet es resultón y es una pena el poco espacio en el guion que tiene Storm Reid para dar carne a la novicia Debra ya que la química con Farmiga podría haber añadido diversión a la película. Si hay algo en lo que esta nueva monja es inferior a la primera entrega es musicalmente ya que Marco Beltrami hace un trabajo acomodaticio, muy lejos de la espectacular música que Abel Korzeniowski compusiera en el 2018.

Michael Chaves demuestra con La Monja 2 que, si los productores se lo permiten, aún hay espacio para divertirse con el universo Warren.

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