Estamos ante una película que puede considerarse la última obra de dos grandes estrellas, la última película de James Stewart y a penúltima buena película de Bette Davis, porque a ella aún le quedaría hacer otra obra maestra más como luego fue “Las ballenas de agosto”.
“Decisión final” es una película hecha para la televisión por George Schaefer, uno de los grandes que mejores historias llenas de sensibilidad y estilo ha llevado a la pequeña pantalla, como las dos hermosas últimas películas que rodó con Kathareine Hepburn, cuando la pobre estaba en su avanzado estado de enfermedad, películas tan bellas como “Dorado despertar” o “Mi vecino es un ladrón” que por desgracia han tenido una escasa distribución en España.

Pero la película que nos ocupa constituye el último trabajo de una enérgica Bette Davis, ya que sus posteriores películas están más condicionadas por la debilidad de su enfermedad. Aquí vemos a una todavía irónica y fuerte Davis llevando el control de cada escena en la que aparece. Estamos ante una historia en la que un viejo matrimonio decide suicidarse dada la enfermedad terminal que padece ella y el miedo de su marido de quedarse solo, sin ella. La película toma pie cuando se lo comunican a la hija, muy bien interpretada por Melinda Dillon.

El contraste de una hija que quiere a sus padres con unos padres que han optado por el abandono, también en el cuidado del hogar. En un primer momento su hija va a hacer todo lo posible por quitarles esa idea de la cabeza, aunque poco a poco hará el esfuerzo por entenderlos. “Desición final” no es un alegato a favor de la eutanasia porque sus protagonistas no quieren legalizar nada, simplemente estar juntos en un momento en el que ven que pronto van a separarse.

Uno de los meritos de esta película es que no cae en sensiblería. Se mantiene en todo momento en un ritmo serio e irónico de la situación, e incluso con el sentido del humor que desprende el personaje de Bette Davis.

“Decisión final” es también una reflexión sobre la vida y la muerte. Maravillosas son las escenas en el que el enamorado y entrañable matrimonio hacen balance de su felicidad juntos. No voy a revelar nada de la entrañable escena final en el coche cuando el matrimonio ha tomado una decisión y comienzan a evocar sus buenos recuerdos.

Es una pena que esta última película de dos de los mejores actores de la historia del cine este aun tan oculta o desconocida. Pero es una buena oportunidad ahora que ha sido editada en dvd para recuperar esta historia de vida, amor y ternura.


@Oscarcinefilo

Creo que junto con “El Mago de Oz” de Frank Baum y de “Mary Poppins” de Pamela Traver, “El viento en los sauces” es uno de los libros infantiles-juveniles más hermosos que se han escrito. Una historia escrita para niños con un mensaje para adultos.

Fue escrita por Kenneth Grahame, un autor escocés, que aunque había escrito otros interesantes cuentos, este fue el que le dio la fama. Fue un libro que escribió en 1908 para el cuarto cumpleaños de su hijo, que había nacido ciego de un ojo. Aunque estas circunstancias de la vida del autor y su hijo darían para otro artículo e incluso para una película ya que cuando su hijo cumplió 20 años falleció y Kenneth acabo retirándose y abandonando completamente toda vida social.

El viento en los sauces se compone de 12 capítulos narrados en un estilo sencillo aunque muy trabajado. Los diálogos de los animales protagonistas son realistas y directos. El libro plantea cuestiones vitales camufladas en un contexto infantil como la lucha entre seguir viviendo una vida plácida y rutinaria o emprender una existencia aventurera para dejar atrás lo cotidiano. Sobre la sobriedad de las costumbres, sobre lo importante que es saber aceptar y valorar lo que uno tiene…y el gran tema, sobre la amistad verdadera, sobre lo importante que es pasear por los caminos de la vida acompañados.

El personaje vertebrador del libro es el señor sapo, que es un animal afectuoso y complaciente, pero también fanfarrón e irresponsable, amigo de meterse en problemas. Son sus amigos la rata del río, el topo y el tejón los que le ayudarán a superar sus problemas y a que vuelva a tener una vida digna.

Los personajes de El viento en los sauces muestran en realidad comportamientos cercanos a los humanos y alejados de los animales. Son personajes educados, ejemplo de etiqueta y cortesía. Destaca la solidaridad que muestran con el sapo o como el ratón reacciona ante la nostalgia y añoranza de la casa del topo.

Otro “protagonista” del texto es la naturaleza. Se describe como en cada estación y en cada momento se realizan unas determinadas tareas. Se describe la campiña inglesa y los paisajes con una gran elaboración y precisión.

Por supuesto este libro llamó la atención y fue llevado al cine de animación en el año 1983, otra de dibujos animados en 1988 que es la que he podido ver estos días. Ambas consiguiendo trasmitir esa esencia del libro.

Si por algo he querido escribir sobre esta película es porque tiene un trasfondo de sensibilidad, de nostalgia, quizá de en algunas ocasiones de cierta tristeza. Pero sobretodo es un canto a los amigos, a esa mano amiga que te salva. También es un cuento que, al igual que El mago de Oz, se afirma que como en casa no se está en ningún sitio, el valor de la casa familiar, de los recuerdos…

Estamos ante una interesante película dirigida por uno de los notables directores que mejor han trabajo para la televisión en grandes series. Y aquí sabe sacar una impresionante interpretación de Liza Minnelli. Es curioso que esta interpretación, de las mejores, incluso por encima que la de "New York New York", sea de las menos conocidos. Sin duda a causa de la pobre distribución que tuvo esta interesante y necesaria película.

La originalidad de esta película está en que el protagonista no es el enfermo, sino el cuidador, en este caso, su madre. El punto de vista de la cámara está en Liza. Su rostro es el de una madre dispuesta a todo por su hijo enfermo. Hay una escena intensa y terrible a la vez pero que ilustra muy bien lo que es no perder la esperanza, es cuando acuden a un prestigioso curandero muy recomendado que operaba el cuerpo espiritual y eso repercutía al cuerpo físico. No tiene desperdicio la escena con las caras de...asombro, incertidumbre, esperanza, descrédito... que ponen los padres mientras ven al curandero actuando sobre su hijo. Pero sin embargo muestra lo que es intentarlo todo.

Todos los que saben lo que es cuidar a un enfermo del que sabemos que tarde o temprano tendremos que despedir, encontraran en esta película una lección de amor. Porque si de algo trata esta película es de amor...

Estamos ante una de esas pequeñas joyas del cine español que la invasión del cine comercial prácticamente eclipso. Se trata de la película "Blockbuster" dirigida por Tirso Calero.

Es una de esas películas cuyo género es el cine dentro del cine. Es todo un homenaje al cine, a los actores, a los artistas, a los cinéfilos, a los que sienten pasión por el cine, a los que viven en estado de película.

Un veterano actor interpretado magistralmente por Manolo Zarzo, al que ya no le ofrecen grandes papeles sino auténticas tomaduras de pelo como guión y asistir a programas basura. Y un jóven que quiere ser director de cine, interpretado apasionadamente por Adam Jezierski y comienza con un cortometraje.

El personaje de Manolo Zarzo acepta protagonizar ese estrambótico cortometraje porque ve en el pasión por el cine y no estadísticas de audiencia. En medio de ese rodaje va a recibir una mala noticia, una enfermedad a la que no va a poder ganarle la batalla. Ese cortometraje va a ser más importante de lo que esperaba.

Blockbuster es una reflexión sobre la vida, sobre la soledad, sobre la pasión por el cine. Son una delicia para los cinéfilos la cantidad de guiños cinéfilos como las camisetas del co-productor con sus I (corazón) Ford, Spielberg... O los carteles que aparecen en el videoclub de fondo, o las caratulas de muchos DVD en las estanterías. Es una película que destila cinefilia por los cuatro costados. En algunos aspectos me ha recordado mucho a "Sesión Continua". También me ha recordado mucho a "Ed Wood" de Tim Burton. Tiene muchas cosas en común.

Y luego esta la colaboración de Fernando Esteso, por primera ve con una interpretación dramática en su carrera. Prácticamente haciendo de él mismo. Reflejando las consecuencias de una sociedad superficial, de la que las productoras no son ajenas, y que solo quieren actores jóvenes y guapos y desdeña a los veteranos, a los buenos, a los que vienen del teatro. La tristeza de querer trabajar y actuar y que ya no te ofrezcan nada.

La película fue rodada en blanco y negro. Pero todo lo que se ve a través de la cámara es en color; l cortometraje, algunas tomas... La vida es gris, pero el cine es color. La vida se me mejor a través de una cámara. Este juego entre el blanco y negro y el color es una clara metáfora de que el cine da vida. En el cine todo es magia, todo sucede, todo pasa. En la vida, a veces todo es mas complicado.

En definitiva; una pequeña joya de nuestro cine español, delicia para cinéfilos. Homenaje al cine.

Jamás entenderé esta estúpida manía de volver a rodar las mismas historias que ya fueron rodadas, y muy bien rodadas. O si no que le pregunten a Gus Vant Sant y su absurda copia de "Psicosis"

Ahora le ha tocado a "Los Diez Mandamientos" de Cecil. B. DeMille. Después de los últimos fiascos de un director de gran prestigio como Ridley Scott, que tiene en su haber una obra maestra como "Blane Raner" y otras buenas películas como "Thelma y Louise", "1492, la conquista del paraíso" o "Gladiator", es incomprensible que se meta en un proyecto ya hecho y muy bien hecho.



La adaptación de las páginas del Exodo de Scott son lo mismo que "Los Diez Mandamientos" pero sin lo mismo. Es una película a la que le han quitado todo el contenido teológico, y solo ofrece la cascara, lo de fuera, el cartucho, la caratula... pero, ¿y el contenido, oiga? Es película comete la estupidez de basarse en un texto bíblico y sin embargo, quitar lo religioso. Si es un texto bíblico, es un texto bíblico. Esto es una adaptación de un texto bíblico pero sin lo religioso, por lo tanto, se queda en nada.


Aquí todo esta contado como una casualidad, el paso del Mar Rojo esta contado como una bajada de marea, cuando llega a la montaña y se encuentra con "dios" se pone a escribir algo en piedra que en ningún momento Ridley Scott explica que es eso que esta escribiendo. Pienso en esa gente que ha decidido ver esta película y que no tienen cultura religiosa ni han visto "Los Diez Mandamientos" y se quedarán muy perdidos. Es una película que no explica nada.


Y luego en la parte de aventura, ni a la suela del zapato de la maestría de DeMille. El duelo entre los dos hermanos esta fatalmente planteado, muy a prisa, sin evolución progresiva, los personajes femeninos como la madre de Moises, su madre adoptiva, su esposa; inexistentes. Y bueno si, están bien los efectos especiales, pero cuando una película no tiene contenido y el poco que tiene esta mal contado, los efectos especiales que pueda tener pasan a un tercer plano. No solo de efectos especiales vive el cine.


En definitiva, un gran director como Ridley Scott ha vuelto a equivocarse eligiendo proyecto y adaptándolo. Para ver esto, mejor volver a ver la obra maestra "Los Diez Mandamientos", una película de tres horas que pasan como una hora gracias a su ritmo bien llevado que no decae nunca, a las grandes interpretaciones, a un guión lleno de matices y a una banda sonora espectacular.

Gente corriente es una de las películas de mi vida. Fue el debut de Robert Redford en la dirección. Un debut de una gran expectación ya que todos pensaban que nada tenia que aportar un actor y que esto solo era un capricho más. Pero esta película calló la boca a muchos críticos y sorprendió a otros tantos.

El debut de Robert Redford fue magistral. Gente corriente es hoy por hoy una de las mejores películas de la historia del cine, además de ser la que marcaría el estilo cinematográfico de la filmografía posterior de Redford.

La película se apoya en una interesante novela de Judith Guest la cual Redford trata con un gran respeto y un gran trabajo de guión. Es una película que reflexiona sobra la incomprensión, la familia, la psiquiatría, la incomunicación y la vida. Desde el momento de su estreno tuvo un gran éxito de publico y taquilla estando en cartelera durante mucho tiempo, algo muy difícil de ver hoy día.

Redford hace una película con una humildad, discreción y huyendo del melodramatismo que el tema podía dar, y sin embargo esta película es también un retrato critico y duro sobre una parte acomodada de la sociedad americana.

Las difíciles relaciones de una madre a la que todo le recuerda a su hijo muerto con su otro hijo que ha intentado suicidarse por su enorme complejo de culpabilidad. Un padre incapaz de mediar entre esta tensión de madre-hijo que parece una bomba a punto de explotar, como queda muy bien reflejado en muchas escenas. Hay que destacar la gran interpretación de Mary Tyler Moore retratando a una madre con un sentimiento muy confuso hacia su hijo, por momentos parece que lo odia, otros que lo quiere...pero por una razón le cuesta mirarlo sin ningún tipo de miedo. Interpreta a un madre con sus correcciones, sus normas, su perfeccionismo, represiva, con sus pretensiones aristocráticas y muy insegura en el fondo. Una madre que no quiere que se saque ningún tema que pueda perturbar su control sobre la casa y la familia.

Y por supuesto destacar a Timothy Hutton en uno de los mejores papeles de du vida, y que le valió un merecidísimo Oscar de la academia. Aun no siendo oficialmente el protagonista de la película, lleva totalmente el peso. Escenas como la confesión de su intento de suicidio a una amiga, o los encontronazos larvados con su madre son memorables. Robert Redford hizo un gran trabajo en lo que a dirección de actores se refiere. Él contaba que como actor muchas veces se había sentido mal dirigido, y por ello sabía lo que hacia, y logró sacar el 100% y lo mejor de cada uno de los actores que componen el reparto.

Destaca el ritmo especial que tiene esta película sin precipitación pero con intensidad y sobriedad. Redford nos da la pista en un tiempo donde se confunde el ritmo con la prisa y donde muchos piensan que para que una película tenga ritmo tiene que desarrollarse con mucha prisa. Es portentoso esa tensión contenida que transmite la película, de temas no resueltos, de cosas que quedaron por hablar... hasta que finalmente la bomba explota.

Mención a parte merece el psiquiatra, interpretado por Judd Hirsch, cuya gran interpretación le valió una nominación, haciendo de un psiquiatra tan poco habitual.

Esta muy bien retratado el paso del tiempo, el otoño deslumbrante del arranca, Halloween, la Navidad, el frio del invierno... Y todo ello con una sabia utilización del Canon de Pachelbel haciendo aun mas sublime si cabe esta reflexión sobre la vida.

La película esta llena de prodigios de guión; la utilización de los flashbacks en momentos claves, el momento en el que el padre le dice a su esposa que como en el entierro de su hijo le dijera que camisa debía ponerse, o el incidente en la cafetería cuando en pleno momento de confesión de Conrad llega un alborotado grupo de jóvenes, o esa precisión de guión y poder de síntesis para retratar un matrimonio en agonía, cuando el mira a su mujer en el avión y vemos el flashback que el recuerda en ese momento de cuando eran jóvenes en el baile del instituto...


En definitiva, Gente corriente es una obra maestra, que retrata un pedazo de vida, el problema de un joven en su entorno familiar, de una madre que no puede superar la muerte de un hijo, y de un padre incapaz de intermediar entre ambos...

@sesióncontinua1

Es una pena que esta interesante película, con una interesantísima puesta en escena y una historia moderna y que es capaz de retratar las complejidades de las nuevas relaciones sentimentales del siglo XXI, no se pueda disfrutar por la mala vocalización de los actores.
No se si es era una exigencia de guion el hablar arrastrando las palabras para dar mas sensación de "realismo", pero lo cierto es que Natalia Tena no vocaliza, no se le entiende lo que dice, arrastra las palabras. Al principio pensé que era fallo del DVD, pero al conseguir otra copia comprobé que no, que es así el sonido y la pésima vocalización de los actores y que por mucho que se suba el volumen a tope no se les entendido, sobretodo a Natalia Tena. Quizá es por esa manía de intentar hablar como se habla en la calle, se han cargado el que podamos disfrutar de esta interesante historia, que con un buen sonido y una buena vocalización de los actores hubiese estado muy bien.

Aunque evidentemente no sea la comedia del año, si que es una buena comedia, de las mejores estrenadas recientemente. Una comedia de humor inteligente y no esas comedias de humor burdo y retrasado como los "infiltrados..." y demás...

Con "Amigos de más" estamos ante un reflexión sobre las relaciones humanas, esta vez desde el lado del chico. Es él el que tiene los problemas románticos. Algo original en una industria romántica donde es siempre la perspectiva femenina la que predomina en las películas de este genero. Pero esta película rompe ese viejo cliché manifestando que a veces los hombres pueden ser mas románticos en su existencia que las mujeres. Entendiendo el sentido genuino y original de la palabra "romántico", no a decir y hacer cursiladas.

Es una película que huye de todo maniqueísmo en el trio protagonista ya que la otro chico, novio de la protagonista, no lo ponen como el típico cerdo por el que no hay que lastimar si lo deja para irse con el protagonista. Sino que para aumentar la tensión emocional, esta tratado de una forma muy respetuosa, serio, responsable, trabajador y amante de su novia.

Wallace, el protagonista que muy bien encarna Dan Radcliffe, es un chico que se había rendido a la idea del amor. Muchas de las relaciones que le rodean y le redoraron han sido problemáticas. Quizá su lado mas romántico es el autoaislamiento. Algo que va a interrumpir cuando conoce a la chica en cuestión, con la que solo puede ser amigo porque ella tiene novio.

La película reflexiona sobre las amistades que pueden inclinarse al amor. Aunque en el caso del protagonista, era amor desde el primer momento. Es en ella donde vamos viendo esa conversión al enamoramiento. La película plantea preguntas interesantes como, ¿pueden un hombre y una mujer de la misma edad ser amigos y solo amigos sin buscar nada mas de fondo?

Es un guión gracioso e inteligente que tras una apariencia de comedia nos narra a la vez el drama de engañarse a sí mismo, quizá la cosa mas fácil de este mundo es engañarse a sí mismo. Pero un engaño no va a resistir mucho. El siente algo mas que amistad y...

Hay que destacar las interpretaciones del trio protagonista, cargadas de naturalidad, hasta tal punto que el propio Daniel pudo improvisar su propio sentido del humor. Naturalidad para una comedia que, en definitiva refleja la complejidad de las relaciones humanas.

Se trata de una película de ciencia ficción-terror hecho con cuatro perras mal contadas por uno de los grandes directores Don Siegel.

Todo un clásico de la serie B que demostró que con poco presupuesto, si hay talento e imaginación de puede hacer una obra maestra. Como es esta película que con los años se ha ido convirtiendo en una película de culto, con cuatro remakes, el último muy reciente con "Invasión" y una película de gran vigencia aún.
Es puro terror y no hay ni muertos, ni sangre, ni monstruos, ni violencia... solo sugerir una idea atroz: unos "seres" que invaden el cuerpo del ser humano despojándole de todo afecto, sentimiento, pasión... El protagonista, un joven médico comienza a sospechar que algo extraño sucede cuando sus pacientes acuden a su consulta a decirle que han notado algo raro en sus seres queridos:

"- Mi tío ya no es mi tío... Si, es el mismo, me mira, pero su afecto es engaño."

Una película cuya trama principal no es mas que un pretexto para sumergirnos en su segunda lectura, y hasta en su tercera: un mundo que se deshumaniza. Es una critica a los totalitarismos, los sectarismo, la uniformidad, el lavado de cerebro, la anulación de la personalidad...
Una película con una fluidez narrativa que atrapa de principio a fin, con una atmosfera de pesadilla que te va envolviendo hasta producirte un estado de inquietud, de desasosiego.... Eso solo lo consiguen las obras maestras, aunque sean de serie B.
Unos misteriosos invasores que una vez que toman posesión en el cuerpo de alguien ese alguien dice que vive en paz, armonía, pero... a costa de no sentir ni padecer. Es una critica velada a la incipiente sociedad conformista americana de los 50... Unos invasores que anulan la materia prima de la vida; el amor.
Muchos críticos han interpretado también esta película como una metáfora de la paranoia colectiva de la guerra fría, de la bomba atómica, de la amenaza del comunismo y hasta de la caza de brujas del senador MaCarthy.

Y por supuesto, como todas las grandes películas, como casi todas las películas, tiene una historia de amor. Un reencuentro que empezaba a resurgir hasta que se cruzaron en el idilio pueblo estos invasores escondidos en vainas. La escena cuando el personaje interpretado magníficamente por Kevin McCarthy invita a la guapísima Dana Winter a cenar, y ven que ese fabuloso local esta vacío:

"- Llevamos varias semanas así.- Le dice el camarero.- Teníamos músicos pero al final hemos optado por el tocadiscos."
Claro, esos invasores no sienten. No albergan la emoción de una cita con una chica, ni el placer de ir a cenar o a tomarse unas copas. Algo extraño esta sucediendo... Pero aun no saben que es y la pareja disfrutar de ese restaurante casi vacío, bailan la música que les llega y piden dos martinis... Eso es el cine, los pequeños detalles, la cotidianidad retratada en ese restaurante semivacío que parece sacado de un cuadro de Hopper. Una pareja que se resiste a dejarse poseer por esos invasores:

"- ¡No!, ¡Yo quiero poder amar y ser amada! No quiero ser uno de ellos..."

En definitiva; una obra maestra.

@Oscarcinefilo

Es la historia de un viaje, de un padre y un hijo, de un viejo y un joven. Es la historia de un viaje iniciático que transforma o resitúa al ser humano en el camino de la vida. Este es, en pocas palabras, el gran mensaje que nos brinda esta película a la dirección de Alexander Payne.


Es una película que recuerda mucho a Una historia verdadera de David Lynch o a Pequeña miss Sunshine. Peliculas en las que se pone de manifiesto que en el camino se ponen en evidencia nuestras metas mediocres, nuestros objetivos superfluos y son transformados por lo que verdaderamente importa.


Alexander Payne, desde una puesta en escena clásica y con una sabia utilización del blanco y negro, el color de los clásicos, para hacer una reflexión universal: lo que importa no es la meta, sino el camino. La vida es un camino hacia una meta que nunca alcanzaremos, por eso, la importancia ha de tenerla el camino.


El verdadero protagonista de esta película, no es el viejo, sino su hijo, interpretado portentosamente por Will Fort. Él es el que va a descubrir lo esencial, lo que perdura y lo que no, lo que hay que considerar importante y lo que no, el amor a la familia. La visita al cementerio es una escena clave en esta película, no es una escena de relleno ni superflua, quizá la más existencialista que he visto en el cine desde hace tiempo.


Esta película es una reflexión sobre la vida, como también lo fue su anterior película Los descendientes. Ambas son de un vitalismo existencialista. Algo muy difícil de hacer en el cine.

Ahora que están de moda programas como Master Chef, Pesadilla en el cocina, Top Chef y demás realitis culinarios, traigo a colación una interesante película de las pocas que hay dedicadas al mundo de la cocina, y además reciente, se trata de Julie & Julia, una película dirigida por Nora Ephron. Una película basada en hechos reales sobre la experta cocinera Julia Child.

La película es la historia de una joven que se siente irrealizada en su mediocre trabajo y decide dedicar un año a realizar todas las recetas de Julie de su famoso libro “Dominando el Arte de la Cocina Francesa” (Mastering the art of french cooking), e ir escribiendo sus impresiones en un blog que pronto tendrá machismos seguidores.

Es curioso que la historia del cine haya dedicado pocas películas al arte culinario. Esta película es un homenaje a la figura de la cocinera en una historia de superación y descubrimiento. Una historia contemporánea y otra de un tiempo no muy pasado. La película juega constantemente con el flashback y la actualidad para mostrarnos que ambas mujeres no son tan distintas. Ambas usan la cocina como medio de superación personal, como un autentico reto y como un autentico entrenamiento.

La figura del hombre aquí pasa a un segundo plano, solo son esos compañeros que disfrutan lo que hacen sus respectivas novias pero que no se involucran para nada. Y por supuesto Maryl Streep salva la película. Quizá de no ser por ella dudo mucho que esta película tenido mayor repercusión. Y aún así no tuvo el éxito esperado y la critica estuvo muy dividida. Sin duda por la poca costumbre de ver una película dedicada al mundo de la cocina. Esta es una película pionera. Una comedia basada en sencillas historias en las que predominan el amor y la alegría de vivir. Optimista, divertida y tierna.

Un digno trabajo que sirve de pistoletazo de salida y precedente de una unión con mucha química: el cine y la cocina. Y que la película acabe con el tema Time after time... un signo de buen gusto que no tiene precio para los que amamos el jazz.

@Oscarcinefilo

La historia de las secuelas es muy sencilla, y se reduce a: dinero, dinero y dinero. Una secuela nace cuando su predecesora ha sido todo un éxito de taquilla y ha dejado muchísimo dinero en taquilla. Es entonces cuando se habla de secuela.

¿Y que pasa cuando la película original que tanto éxito dejo en taquilla tiene un final cerrado que deja poco lugar a una secuela? Pues ningún problema. Cuando hay dinero de por medio no hay nada, absolutamente nada que se ponga por medio. Un claro ejemplo lo tenemos en “Muñeco diabólico”, una interesante película de terror cuya final era cerrado total: el muñeco moría, lo quemaron y lo despedazaron. Ninguna posibilidad de secuela. Pero… ay el dinero…. Lo que tuvieron que hacer los guionistas para sacar una continuación y resucitar al muñeco...

Pero luego hay otras películas que si quedan abiertas y con muchas posibilidades de secuela, y encima fueron un éxito de taquilla. Es el caso de "El planeta de los simios". Una película que antropología pura. Es una reflexión sobre el ser humano y las posibles consecuencias de que la especie que le sigue en la escala evolutiva lo alcance.

Era interesante rodas una secuela, aunque eso si, partiendo de que lo interesante, todo lo interesante ya lo había contado "El planeta de los simios". Ahora solo se podía ofrecer mas de lo mismo. Cosa que esta bien. Se conto con un nuevo director y con un reto de ultima hora Charlton Heston no quería hacerla. No le gustó el guión y se retiro del proyecto. Así que hubo que inventarse que había otros astronautas pulunado en el espacio a la búsqueda de Taylor. Para ello se contrató a James Franciscus, quien no lo hizo nada mal, prácticamente repitiendo el mismo personaje. A ultima hora lograron convencer a Heston para que al amenos apareciese los últimos diez minutos y pusiera el broche final a la saga.

Lo único novedoso que nos aporta esta película que, aparte de los humanos esclavizados por los simios, existían otros escondidos en las ruinas del metro de Nueva York (logradísimos decorados) que de tanto tiempo viviendo bajo tierra habían desarrollado unos intensos poderes telepáticos.

Esta segunda parte perdió toda la carga antropológica de sus predecesoras. Y esto lo sabían. Ya no se podía ofrecer mas continuaciones posibles porque seria repetir mas de lo mismo. Así que se opto por un final cerrado, cerradísimo. Y a la vez, de los mas pesimistas de la historia del cine: el fracaso definitivo del ser humano. La puerta abierta que dejo su predecesora con Nova y Taylor buscando sobrevivir en un planeta dominado por simios de acaba en esta película. ¿Quién gana aquí? La bomba atómica que elimina el planeta Tierra.

Regreso al planeta de los simios es una interesante secuela que vuelve a reflexionar con menos intensidad que su predecesora sobre nosotros mismos, sobre las conciencias de lo que podemos o no hacer, de lo que deberíamos evitar y no evitamos.

Llegó con bastante retraso a nuestra cartelera una curiosa y muy buena película, Blue Valentine, dirigida por Darek Cianfrance y protagonizada por Ryan Goslin y Michael Williams, ambos en estado de gracia.
Se trata de la historia atípica de una pareja que después de convivir durante seis años y tener una hija, Dean y Cindy decididen casarse, pero entonces su amor empieza a desmoronarse. Intentando salvar la relación, Dean propone ir a pasar la noche a un hotel temático, donde eligen la “habitación del futuro”. A partir del futuro, se narra la historia de la pareja desde el momento de su encuentro hasta la irremediable crisis de su matrimonio.
La película es un gran flasback de una relación, una historia contada con la perspectiva que nos ofrece el tiempo.
Es una película que podríamos calificar de genero romantico pero totalmente atípica. Aquí no hay cursilerías, sino una historia cruda de como una chica queda embarazada de un chico que no le gusta y de como conoce a un hombre que realmente la ama y se hace cargo de esa niña y de la madre. Pero sin saber muy bien el por qué este amor se va enfriando. Una película que es capaz de observar con gran exactitud el nacimiento y la decadencia de una relación es sin duda una gran película.
Otro componente a su favor es la química entre la pareja protagonista, tanto fue así que le valió a la atractiva Michelle Williams una nominación para los Oscar de este año. Se nota una gran dirección de actores, un trabajo personal muy conseguido.
En definitiva una gran película que retrata de manera eficaz la ruptura que del enamoramiento y la incapcidad de ambos de pasar el enamoramiento al amor. Tiene escenas memorables, pero me quedaría con la escena que retrata el nacimiento de la relación, que es cuando Gosling se arranca a cantar, y no lo hace mal ya que es su voz original, y la mirada llena de brillo de Michelle al escucharle en una calle, en mitad de la noche... al más estilo "Sólos en la madrugada".

Se trata de la primera gran película importante de su director Sacha Gervasi, que de aquí para atrás no había hecho nada interesante. La película constituye un verdadero homenaje al mago del suspense. Y, salvo la crisis matrimonial con Alma, todo lo demas es completamente biográfico y verídico.
La pelicula de basa en un diario de rodaje maravilloso titulado "The makin off of Psycho" y de muchos testimonios y documentales sobre dicho rodaje. Algunos de ellos se pueden ver en la edición de dvd de lujo con mucho material extra donde pueden verse todos esos dumentales de los que la película da cuenta.

Es la historia de un genio muy personal, que vive del cine y que quiere hacer arte con el cine. Lo importante es el estilo, más que lo que cuenta, el cómo lo cuenta. De una novela insulsa como era "Psycho" logró hacer una obra maestra.
Contó con su equipo de la serie de televisión Alfred Hitchocock presenta... Y con unos actores que supieron estar a la altura de las circunstancias. Tanto es así que el personaje de Norman Bates marcó la carrera y la vida de Antohny Perkins, llegando incluso a dirigir la innecesaria Psicosis III.
Hitchcock sabía como someter y dominar al público, aterrorizarlo al extremo. Nunca en el cine, ni ahora, se había visto que la protagonista, la gran protagonista de los titulos de crédito, es asesinada a los 30 minutos de película. Que la estrella, la que mas cobra en el casting y no dura ni 30 minutos en escena. Este riesgo solo se le ocurrió a Hitchcock, y le salió muy bien. Pilló a los espectadores por sorpresa.
Por su puesto hay que destacar con un 10 la caracterización de Hopkins como Hitchcock, la labor de maquillaje es espectacular. Me recuerda a la que hiciero para La dama de hierro.
Es la historia de un apasionado del cine, cuya mujer está detrás de todas sus creaciones y giros de guión. Un buena película que será una delecia para los amantes del cine de Hitchcock, del que hemos visto muchas en Sesión continua, y de las que aún nos quedan por ver otras tantas...Uno de los pocos directores que tienen en su haber una docena de obras maestras... Con lo que cuesta llegar a hacer tan solo una obras maestra, nada menos que tiene una docena de ellas... Hitchcock, un maestro.

Estamos ante una interesante película de Willian Peter Baltty, una película muy personal, basada en su propia novela y que posiblemente sea recordada por ser del autor de "El exorcista" y porque el mismo manifestó en una entrevista que esta película podía ser definida como la auténtica secuela de "El exorcista". ¿A qué se refería? ¿Dónde esta el nexo de únión que une esta película con "El exorcista?
Lo cuento todo en Spolier...

Estamos ante una película de Albert Espinosa, que cuando acabas de verla, no te deja igual. Una película de detalles, de aprendizaje, de saber valorar la vida cuando ya casi la dabas por perdida.

Es la historia de un jóven que justo antes de casarse, se da cuenta que ya no quiere a su novia, y para retrasar la decisión final del compromiso se apunta a un curso de guitarra para gente especial. Logra colarse en el curso porque, según él, también es especial; si, porque no se distinguir los sabores...

Es la historia de una búsqueda, la de sí mismo, la de lo que realmente se quiere y a quién se quiere en la vida... Albert, el protagonista lo descubrirá en ese grupo de discapacitados. Ellos serán quienes le enseñen a recuperar algo que él tenía de niño, pero que ya había olvidado; la ilusión:

"- Es que todo el mundo tiene una ilusión: un amigo mio soñaba con enrollarse con una tía que oliese a nivea, otro colega soñaba con tener tres pollas, raro eh. Yo soñaba con algo más sencillo, tocar la guitarra, ¿simple verdad? Los sueños provienen de traumas, y cuando desaparece el trauma, de alguna manera puedes comenzar a crecer."

Es una historia de amistad. Esa auténtica amistad que se encuentra cuando no se busca, y en las personas de las que menos esperaríamos una amistad; el colega pesado que solo hablaba de fundar el club de las pajas, pero que sin embargo siempre estaba ahí para escuchar, siempre que lo llamaras:

"- Tan solo una persona podía hacerme olvidar aquello; David, siempre David, creo que era lo bueno que tenía, que siempre venía, aunque casi nunca me entendía."
O la chica deficiente que creía se había enamorado de él, pero no, sino que tan solo trataba aconsejarle para que descubriera si realmente quería a su novia; cierra los ojos y dicelo.

Es la historia de personas que dan sentido a nuestras vidas. Es el caso del profesor de guitarra para los deficientes;
"- Sabes, mi padre se paso toda su vida dandoles clase, y decía que ellos le daban sentido a su vida... Decía que lo que tendría que ser una discapacidad grave era el no saber querer... "

Es la historia de esas personas que te dan mucho más de lo que tu les das a ellas, que agradecen cualquier gesto, cualquier detalle... Son personas que saben querer, que estan libres de la gran discapacidad que tiene la gran mayoría de la humanidad.

Es la historia del jóven que buscaba una razón... ¿Quiero o no quiero a mi novia con la que me voy a casar dentro de una semana? Quería amarla de verdad, no solo porque toca, porque se acerca la boda... Necesitaba reformular su vida, encontrar sus razones... recuperar la ilusión...

No les voy a reventar el final diciendoles que decidió al final, si quería o no a su novia, si se casan o no... eso tendrán que descubrirlo...

Francamente una película muy lograda en ru rigor histórico-objetivo. Todo un reto de precisión histórica. Una radiografía. La película comienza unas horas antes de ocupar el Congreso de los Diputados, desde una Tejero que se despide de su mujer, aun rey que se entera de todo justo cuando llegaba de hacer unas horas de ejercicio.

Un diez merecidísimo a Paco Tous por la caracterización de Tejero tan lograda, reflejando en esos últimos momentos la tensión, el cansancio, el dramatismo de la situación. Así como Juan Diego en el papel de Armada.

Después de 30 años de lo sucedido, Chema Peña ha encontrado la suficiente perspectiva histórica para meterse en aquella situación y ofrecer al espectador un minucioso detalle de lo sucedido.
Lo único que se hecha de menos es que comienza con la ocupación y no con todo el entramado que se iba forjando anteriormente, con todas las reuniones de los golpistas planeando su ideal de futuro.

El arranque es muy poderoso, con ese resumen con imágenes reales de Tve para resumir en pocos segundos el recorrido de la trancisión hasta el año 1981, acompañado por una buena música de Antonio Fernández. Y otra cosa muy lograda es el decorado del emiciclo, esta muy consigo. Por momentos parace el auténtico, como tambén lo parece la propia película, que por momentos, más que una película, parece que estamos viendo un buen documental.

Para un cinéfilo siempre es un placer ver una película de Clint Eastwood, un director que ha sabido mantener el tempo narrativo al estilo de los mejores clásicos. Por eso a veces importa poco lo que nos cuanta sino el como nos lo cuenta, ya nos hable de boxeadoras, de niños secuestrados, de amores en un puente o del mismisimo más allá, lo importante es que lo hace con estilo. El gran merito de Eastwood es que sabe contar historias.

"Más allá de la vida" no es ninguna película sobre la muerte, ni sobre lo que hay después de la vida, ni sobre cosas religiosas ni sobrenaturales, por eso la decepción de los que no han encontrado nada de eso en la película. Sino que es una película que reflexiona sobre el ser humano, sobre nuestra condición. Es una película de soledades compartidas, de superación personal. Una película sobre los miedos y traumas con los que convivimos a diario los seres humano, sobre las personas con los que los compartimos, sobre la búsqueda de un sentido a lo que sucede.

No es una película sobre lo sobrenatural, sino sobre lo humano y lo muy humano. No es una película que pretanda explicar nada, sino tan solo de mostrar el dolor de una perdida, las ganas de comenzar una nueva vida, el amor de unos hijos...
Si hay una historia de las tres que verdaderamente cautiva es la de los dos hermanos, el papel que interpreta George McLaren con tan poca edad es meritoria. Será un actor que dará muchas sorpresas en un futuro. Eastwood supo sacar lo mejor de él, consiguió que fuera capaz de personificar ese sentimiento al que llamamos "echar de menos"...

Mención especial merece la banda sonora compuesta por el propio Eastwood, con su estilo personal y su toque que nos recuerda algo a la de Million Dolar Baby o la de Gran Torino. Una música maravillosa para una historia de seres humanos a los que la vida no los ha tratado bien, y que sin embargo hacen un alarde de valentía e intenta salir de las profundidades. Historias de superaciones personales, de personas que sin entender nada, salen adelante e intentan ser felices...

- ¿Qué crees que hay después de la vida?
- Que se apagan las luces...

Estamos ante una de las últimas películas del maestro Allen donde nos vuelve a ofrecer una reflexión similar a la que ya hizo en “Si la cosa funciona”, a grandes rasgos: que en una vida sin sentido sobrevivimos gracias a nuestros recursos como; la ilusión, la fantasía, la fe… Una idea expresada en el personaje de la pitonisa Cristal y su incondicional admiradora, la cual sobrevive gracias a esa fe, una fe que es falsa, que no significa nada, ya de entrada esta idea está expresada en que a Cristal solo le interesa si va a pagar en efectivo o con tarjeta. Sin embargo a Emily esa fe, esa creencia le ayuda a vivir. Como decía el teólogo H. Cox, la apertura del hombre a un futuro auténticamente nuevo depende de su capacidad de fantasía, esta es la que prospera ante los descontentos.

Muchos de los personajes de esta película se mueven en un brutal existencialismo que muchas veces le deja perdido, desorientados. Es una insistencia en dar una visión de la vida como algo sin sentido, como ruido y furia que no significa nada. Ante esta desagradable realidad tan difícil de admitir, Allen lanza un recurso: la ilusión, la fe, que, aunque es falsa, al menos ayuda a vivir, y a sobrevivir. Así ve Allen por ejemplo las espiritualidades o las propias religiones (idea ya expresada desde Manhattan).

Hay que destacar las interpretaciones y por su puesto la música, algo que Allen siempre pone con mucho cuidado, aquí vuelve a recuperar el jazz.

Aunque no se trata de una de sus mejores películas, sí que es una interesante reflexión desde un guión original, una historia que engancha, que también tiene algo de humor. Una historia agridulce, como la vida misma, con un mensaje no menos agridulce: la ilusión de conocer al hombre/mujer de nuestros sueños es lo que nos mantiene. Posiblemente ese hombre/mujer de nuestros sueños no exista o no llegue nunca, pero la ilusión por conocerlo sí que existe, y es ahí donde se agarran los personajes de esta curiosa paradoja sobre la existencia.

Estamos ante la última película de Mulligan, la cual quiso que fuese en un verano, muy cercano al del 42. Es la historia con la que el gran Mulligan se despidió del cine. La historia de una niña, muy cercana a la niña de "Matar un ruiseñor", que conoce ese insondeble misterio del amor.

Es una película muy similar a "Verano del 42". Aquí la protagonista es una niña, en la otra un niño. Aquí una niña de 14 se enamora de un chico de 17. En la otra un niño se enamora de una mujer madura. El tema de fondo es el mismo; el despertar a la vida, al amor, a los sentimientos con amores no correspondidos. Ambas historias son traumaticas en el sentido de que ninguna cuenta con la realización de las esperanzas de los protagonistas.

Mulligan utiliza como solo el sabe la ternura para meterse en la piel de dos hermanas enamoradas del mismo chico. Es una historia de iniciación a la vida y de como la unión de las dos hermanas es la única esperanza que les queda ante una vida a la que les cuesta ver el sentido.

Como sucedía con "Verano del 42",es la historia del descubrimiento de que el amor también es sufrimiento, y eso, descubierto por una niña, es toda una odisea. Es la historia de los amores eternos. Los amores eternos son aquellos que no son correspondidos, y al estar latentes y no satisfechos permanecen para toda la vida. Son amores que, aunque acaban, suelen ser eternos.

Maravillosa la interpretación de las dos niñas, hay planos de ellas donde no se puede estar más guapa ambas.

Es una película sobre el apoyo incondicional de los hermanas. Es una película sobre el verano, esa estación donde suceden las mejores historias, donde acontecen esos amores fugaces pero eternos. Mulligan quiso despedirse insistiendo en su idea del verano, también recogida por cierto en "Matar un ruiseñor", su obra maestra, y en su idea de que el amor más intenso que un ser humano puede vivir es aquel que exprimienta cuando aún es un niño, cuando cree que siempre será así, y es ahí cuando descubre que el amor es en realidad cosa de uno, y solo muy pocas veces cosa de dos.