Fue el mejor. Lo tuvo todo en la palma de su mano. Y, como bien dice una crítica previa en esta misma página, nadie mejor que George Best para ser el protagonista de un docudrama. Si la historia del talento desperdiciado siempre interesa en la gran pantalla, cuando está basada en hechos reales resulta conmovedora.

Con imágenes muy curiosas de la época y también testimonios de protagonistas directos, uno de los más grandes futbolistas del Manchester United precisaba de ese homenaje y de interrogantes. Fue ese gol ante el Benfica, la certificación de ser el mejor equipo de Europa y él su MVP. Cuando se intuía el arranque de una dinastía, Best empezó a perder el foco.

La situación le desbordó y humanamente habría podido ser con cualquiera. No tenía ni idea el mundo de lo que era el marketing, la fama prematura y ser millonarios por golpear un balón con habilidad. Siguió habiendo resquicios de ese fuego que deslumbró al gran Matt Busby, pero sería una llama que iría extinguiéndose.

Lo que hace a personalidades como Rodman o el propio Best tan fascinantes son esos resquicios de gran lucidez que poseen, esos momentos que, según dicen las fuentes, en algunos momentos poseyó el joven emperador Calígula. "Puede ser, pero, ¿crees que los que me siguen son mejores que yo?" bromeó ante un zapatero de la Galia que se atrevió a llamar payaso.

Tuvo el magnetismo y el liderazgo para ser muy querido, dejando una impronta que todavía recuerdan en su círculo más cercano y, por supuesto, los fieles del United. El Quinto Beatle.

Gianni Agnelli y su saga familiar tienen una película. De hecho, probablemente tengan material para una serie o una magnífica novela. No obstante, las aventuras y desventuras de este linaje que es propietario de unos de los clubes deportivos más importantes de Italia, la Juventuds de Turín, son contadas en este hermosos documental de forma pausada y moderada.

La Vecchia Signora controla en este excelente servicio de propaganda que se ve con gusto. Las personas aficionadas al fútbol tendrán aquí imágenes como Del Piero, Platini, Buffon, Zidane, etc. De cualquier modo, cuando se trata de profundizar en algunos de los escándalos que rodearon el descenso del equipo con más scudettos, seguiremos poseyendo dudas.

Se ven los hilos de una red familiar intensa de hombres de negocios, de un linaje que en nada tendría que envidiar a aquel que disfrutamos en "El gatopardo". Un pulso contra hombres tan poderosos como Berlusconi, quien ha escenificado en su exitosa andadura por el AC Milan y su controvertido mandato presidencia muchos de los problemas de un marco político tan fascinante como el transalpino. También de Massimo Moratti y su Inter de Milan, un pulso eterno por las estrellas en la parte delantera de la camiseta.

Deja con la impresión de un ejercicio de marketing perfecto. Pero la Juve, la gran Juve que a todos nos gusta, necesitaría un biopic donde se expongan luces y sombras para hacerle justicia a una de las grandes damas del deporte europeo.

Stanley Kubrick afirmaba que no sabía escribir historias. Por eso, era tan escrupuloso cuando adaptaba trabajos de otras personas. Eso sí, no había nadie como él para llevarlo a la gran pantalla. En "Barry Lindon" su celo alcanzó casi la perfección, además de contar con la colaboración de Alcott, quien regaló una fotografía exquisita para que el visionado de este film sea una verdadera experiencia sensorial.

Un film excelente para comprender la mentalidad de los duelos, el ascenso social como el motor, la guerra que se daba en la Edad Moderna, etc. Su metraje puede parecer excesivo a simple vista, si bien todo se justifica para contar con detalla toda la epopeya vital de un protagonista complejo y con el que cuesta poco empatizar, aunque también odiar.

Ryan O´Neal está excelente como Barry Lindon, un joven lanzado a la vida y que se adentrará en el mundo de las rentas, el juego, los matrimonios de conveniencia y el pecado fatal de poder querer, al fin, querer a alguien más que a él mismo.

Muchas veces, Kubrick ha sido señalado como un director frío, un artista clarividente que se aleja de sus personajes en las emociones que manifiestan. Algo de razón puede haber en ese punto, pero aquí hay varias escenas que muestran justo lo contrario.

Uno de los grandes misterios de Stanley Kubrick es su capacidad de permanecer fascinante ante el paso del tiempo. Desde "Senderos de gloria" a "Eyes Wide Shut", todos sus filmes tienen un punto de misterio que permite relecturas. Por algún motivo, volver a ver "La naranja mecánica" cada vez exige más notas a pie de página. Es fácil comprender por qué fue tan rompedora en su tiempo, si bien a un público actual podría no fascinarle tanto.

Y no es un problema de casting. Malcom McDowell puede poner perfectamente el perfil de Calígula, encarnando a un joven insatisfecho, carismático, violento y profundamente egoísta. Su única debilidad en su jauría de secuaces resultará ser su afición desmedida por la música clásica que le costará ir perdiendo la lealtad ciega de su banda.

Kubrick nos deja varias imágenes rompedoras, busca adaptar con personalidad la novela original y hay una utilización de la banda sonora con astucia ecléctica. Con todo, en su hipérbole y caricatura falta algo, tal vez un hilo conductor menos subrayado.

Quizás su futuro imaginario haya sido menos preclaro que el de "Blade Runner", por citar solamente un ejemplo. La danza de sus drugos y la reflexión político-social deja momentos de sumo interés, pero, a simple título personal, no le veo el círculo cerrado que suele dejar este genial cineasta en todos sus trabajos.

Esperaba mucho viendo "El malvado zorro feroz". Los trabajos precedentes de Benjamin Renner y Patrick Imbert invitaban a seguirles con mucho interés. Además, ese aire de seguir el legado del cómic franco-belga en sus años dorados resulta muy atractivo. De cualquier modo, el visionado de este film me ha terminado dejando sentimientos encontrados.

Pienso que de haberla visto siendo niño, me habría fascinado con facilidad. También valoro esas preciosas acuarelas que están teniendo la valentía de Héctor ante la embestida de ese Aquiles que es Pixar. Hay estilo, arte y pasión en este teatrillo de animales que nos cuentan tres historias.

No obstante, rara vez logra interesarme como espectador adulto, aunque quizás sea cuestión subjetiva mía. Por momentos, me parece que estoy ante una serie muy lograda, pero no tengo un hilo conductor, una segunda o tercera lectura que sí aprecio en otras joyas de la animación francesa.

Deseo lo mejor a lo que están intentando fabricar, aunque, de momento, no he conseguido engancharme. Y me siento un poco "malvado adulto feroz" por decir eso.

Una lectura atenta de la Ilíada invita a pensar que habría sido terrible haber estado en las playas de Troya. Sin embargo, es el gran poema épico que inspiró a conquistadores como Alejandro Magno. De la misma forma, "La chaqueta metálica" es una de las más sagaces reflexiones sobre la necesidad del antibelicismo. No obstante, su estética marcial ha sido emulada incluso en "Historias de la puta mili".

El genial director se sentía más cómodo adaptando ideas ajenas que escribiendo propias. Eso sí, luego era capaz de elevarlas a unas alturas visuales inconmensurables. Coge un material de primera y deja algunas de las secuencias más impactantes.

Solamente se observa un problema y es que son dos epopeyas en una, bastante inconexas. La primera subyuga como metáfora del poder del colectivo de anular la voluntad individual. La otra es portentosa, pero sí se ha visto en anteriores ocasiones con otros grandes maestros que trataron Vietnam.

Firmado: El Recluta Patoso.

Después del seísmo del escándalo financiero que fue "el corralito", el cine argentina se vio obligado a pensar. A buen seguro, habrían preferido filmes de mucha menos calidad a cambio de ahorrarse ese drama social. No obstante, una generación privilegiada de artistas hizo de la necesidad virtud. "La odisea de los giles" es un intento de hacer una obra redonda a través de gente cotidiana que se ve golpeada por el terrible suceso.

No lo logra del todo, pese a tener buques actorales como Ricardo Darín o Luis Brandoni. Intérpretes que con una mirada o sentados en el porche de su casa transmiten todo el dolor de una persona bienintencionada que ha sido traicionada por la banca y la política más corrupta.

El problema, raro en un cineasta con la habilidad de Borensztein, es que la trama tarda en arranca y no encuentra su estilo. A veces, apuesta por la comicidad y otras, por el drama. El resultado no es ecléctico. Algunos compases recuerdan a "El golpe" y tiene diálogos gozosos donde se mezcla el peronismo con el fútbol albiceleste.

De cualquier modo, sus piezas no encajan siempre. Hay vacíos en algunas formas de resolver. Pone alguna tilde gruesa en su moraleja que se antojaba innecesaria.

Se pasa un rato muy agradable viéndola, pero podría haber sido monumental.

Más que interesante capítulo especial de una serie tan personal como BoJack. Con guión de su creador y la dirección de Joel Moser, en poco más de veinte minutos, el show hace un juego metaficcional muy habilidoso donde mezcla un capítulo de "Retozando" de ambiente navideño frente a la realidad que están viviendo el caballo y su compañero de piso en ese mismo instante.

Todo es una clara referencia, homenaje y parodia del tipo de televisión que veíamos en los noventa, una comedia familiar a la que no falta ni siquiera el estilo musical que les acompañaba. Diantres, si hasta los jerseys de BoJack obedecen a un plan muy determinado.

Este Christmas Special tuvo lugar en la segunda temporada, un Rubicón para una serie que ya había cogido el ritmo y la esencia de cómo quería contar las contar las cosas.

Un extraño sabor agridulce que produce adicción.

BoJack no me entró especialmente por los ojos en su primer visionado. Está claro que la creación de Waksberg tiene estilo y estética, sin embargo, uno siempre ha sido bastante clásico con el cartoon. No obstante, un par de episodios bastan para ir atrapando en una serie mucho más atrevida de lo que parece y que, a mediados de su primera temporada, ya logra coger el tono agridulce que será su seña de identidad.

Estamos ante un juego metaficcional constante, una reflexión sobre qué nos dijeron aquellas comedias familiares de la década de los noventa del pasado siglo y cuál ha sido la realidad. Nos ubicamos en Los Ángeles, una ciudad de los Lakers donde animales antropomorfos, sí, pero que encaja perfectamente con lo que narraban "Mulholland Drive", "Lo que esconde Silver Lake" o, incluso, los cómics de Kate Bishop como investigadora privada en los cómics de "Ojo de Halcón".

Un fuerte desengaño que arrastra a un protagonista que tiene cosas de Senfield y también de los grandes patriarcas de la caja tonta en aquellos días. El gran mérito de BoJack es mostrar las consecuencias de los actos mezquinos y cotidianos, algo que no habíamos visto ni siquiera en "Los Simpson", la obra maestra que revitalizó la animación en este campo para siempre.

Incluso en su opening hay reminiscencias a filmes como "El crepúsculo de los dioses". Un programa que se cuestiona todo, empezando por las propias luces y sombras de su protagonista.

De entre todas las cualidades, resaltar la sagacidad de sus libretos.

Poderosa desde su arranque. "Ventajas de viajar en tren" es una película atípica, rodada con estética y que acepta el reto de adaptar una novela peculiar al máximo. No se conforma con hacer una versión sólida, aspira a coger las independientes historias del relato literario y mezclarlas en un universo compartido que tenga sentido a lo Pulp Fiction. Solamente por semejante osadía, Aritz Moreno ya merece reconocimiento.

Después, tiene un reparto excelso, donde Pilar Castro es un punto y aparte. Estamos ante un despliegue actoral con muy poquitos precedentes en el cine español, una papeleta de la que era casi imposible salir airosa y ella lo logra con una facilidad pasmosa. Siempre ha sido una actriz interesante, pero aquí firma algo memorable, su papel incluso eclipsa a titanes como Luis Tosar o Ernesto Alterio.

Con todos esos cimientos, "Ventajas de viajar en tren" también me ofrece alguna duda. Usar la basura como denominador común de la sociedad es transgresor y con un gran atractivo. De cualquier modo, mi arqueamiento de ceja viene cuando la propia obra dice que la coherencia está sobrevalorada.

No me importan ni los saltos ni las trampas de esta pieza. Cuando algo se hace con tanto talento (cómo las mentiras de Hollywood y la poesía llevan a un joven a desaprovechar una gran oportunidad romántica a un joven que al fin sale al mundo, la degradación y completa cesión que puede ser la vida en pareja con alguien tóxico, etc.), se le perdona todo.

Le temo más a sus posibles imitaciones, a los saltos narrativos y faltas de revisiones de guión sin el respaldo de calidad que tiene "Ventajas de viajar en tren".

Un Woody Allen menor siguen siendo palabras mayores en cine. "Todo lo que siempre quiso saber sobre sexo y nunca se atrevió a preguntar" es una obra profundamente heterogénea, una sucesión de historias cortas que no tienen ninguna conexión entre sí. Allen adapta con desigual fortuna la obra original, llevando a distintos episodios que tratan sobre lo que ocurre bajo las sábanas.

Allen es el protagonista de varios de los mismos, incluyendo un memorable bufón que intenta conseguir quitar el cinturón de castidad de la reina a la que ha logrado seducir con ayuda de un hechicero. Hay momentos dignos de los hermanos Marx o los Monty Python como el diálogo de los espermatozoides a la hora de salir a intentar fecundar el óvulo.

Lástima que por el camino hay muchos compases donde el film no sabe si tomarse o no demasiado en serio a sí mismo.

Es como si hubiéramos visto un buen programa de humo televisivo con desiguales sketches.

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Entiendo el encanto que ha provocado esta peculiar cinta de Jim Jarmusch en un sector de la audiencia. Está claro que hay una lógica en el absurdo. Sin embargo, nunca me meto en la broma. "Los muertos no mueren" tiene hallazgos como el aroma cotidiano en el que se produce el asunto. Está claro que una policía como la presentada en esta localidad y ese punto de los Estados Unidos reaccionaría de una forma muy parecida a la que observamos en el mundo real.

Tampoco es un problema de reparto. Bill Murray, Tilda Swinton, Steve Buscemi, Adam Driver... todos son intérpretes con capacidad sobrada para manejar los tópicos de sus personajes a las mil maravillas. Va sucediéndose el metraje y algo no termina de cuajar a mi modesto entender. Demasiado seria para la parodia; excesivamente cómica para ser una cinta de zombis al uso.

Hay un juego metaficcional que se propone, incluso un libreto que anda y algunos protagonistas incluso poseen en determinados compases. Asimismo, ni el título ni la música es causal.

Pero, a simple titulo personal, me deja la impresión de cascarón vacío. De una gran gamberrada que se me escapa.

No me gustó especialmente "Todos dicen I love you" la primera vez que la vi. No obstante, cada revisionado ofrece más y más encanto en una comedia musical que quiere recuperar, en el mejor sentido posible, el encanto de una etapa de Hollywood ya desaparecida, la cual quizás nunca existió.

Woody Allen vuelve a dirigir y protagonizar, aunque es generoso en el reparto de funciones, merced asimismo de un casting que incluía nombres muy notables y de gran fama en el momento como Julia Roberts o Edward Norton. También estaba una Natalia Portman a dar mucho que hablar.

Uno de los experimentos más curiosos es que la gran mayoría de los artistas cantaron con sus voces reales, nada de trucos. Lo que se pierde en afinación se gana en autenticidad en una serie de tragicómicas desdichas amorosas que, pese a ello, siempre son tratadas con compasión y ternura.

Posee el encanto y atmósfera irreal de los cuentos de hadas, especialmente por el triángulo maravilloso que forman Goldie Hawn, Alan Alda y el propio Allen. Y, de propina, brinda un homenaje a su idolatrado Groucho Marx.

Y es que un Woody Allen quizás lejos de su mejor forma artística, siempre son palabras mayores.

"Sin ser su mejor obra...", "No alcanza las cotas ya vista...", "Teniendo buenos diálogos, pero lejos...". Una de las grandes trampas que hacemos en las críticas al cine de Woody Allen es colocarle la barrera a la altura del listón que el genial cineasta ha dejado. En caso de haber sido filmada por otro realizador/a, "Irrational Man" sería una cinta destacada dentro de la producción de 2015, una obra con fino humor negro y personajes complejos.

Con un Joaquin Phoenix en intenso estado de gracia, recibe la réplica más que perfecta de una Emma Stone que siempre tiene ribetes de estrella. Como siempre, los personajes del universo Allen están cuidados y en esta poco racional trama hay momentos para lucimiento de bastantes secundarios/as.

Influenciado por los novelistas rusos del siglo XIX y diversas filosofías morales, el director desmenuza todo en un cóctel de campus universitario donde un profesor brillante, aunque desequilibrado, va a poner a prueba sus límites de la peor manera posible.

Contada con intensidad y, si me lo permiten, ese punto de piedad de la buena que caracteriza a su filmografía.

Película que ahonda en uno de los temas más fructíferos (y también peligrosos) de nuestra flmografía: la guerra civil. Cuenta la historia de un joven matrimonio andaluz para el que el año de 1936 marca el final de toda normalidad. Él (Antonio de la Torre) deberá quedar confinado en casa de forma secreta, mientras que ella (Belén Cuesta) debe sostener todo puertas para fuera, además de iniciarse una convivencia marcada por el riesgo y donde solamente su mutuo amor y cariño podría salvarles.

La cinta de varios directores es densa, su propio género lleva a desgastar y ponernos en guardia de mil maneras ante las situaciones que se suceden. Puede haber algún subrayado político de trazo grueso, aunque intenta presentar un mundo de grises para no caer en la obviedad.

Su gran motor son dos artistas de gran talento que siempre hacen creíbles sus diálogos y tampoco dudan en exhibir maestría en el lenguaje no verbal. Hay química entre ellos, algo básico para que todo el asunto se sostenga y no se desmorone.

Es una trama que habla asimismo del rencor del vecino, de la incapacidad para no cicatrizar viejas heridas y mirar en la mirilla del vecino con aire inquisitorial. La estructura por capítulos con pequeñas definiciones no me termina de cuajar, antojándose como algo demasiado evidente.

Es una cinta muy meritoria, pero sus sobresalientes actuaciones habrían precisado de algún acompañamiento superior para alcanzar la excelencia cinematográfica.

Hacer cualquier cosa con el universo "Watchmen" siempre es complicado. No obstante, Damon Lindelof ha logrado hacer justo lo que Alan Moore, cabeza pensante de ese rica ficción, siempre ha hecho: buscar su voz propia y no preocuparse de prejuicios ajenos. Estamos ante una de las series más interesantes de los últimos años, algo aparte y que engancha desde el primer momento.

Nos situamos muchas décadas después del cómic magníficamente dibujado por Dave Gibbons. La situación ha cambiado, la policía va enmascarada para tener menos problemas de venganzas delictivas, mientras que la "Caballería", que ha adoptado el look del justiciero enmascarado Rorschach, se convierte en una especie versión más mortífera del Ku Klux Klan.

No mentiré. Algunos de los cambios no me han satisfecho especialmente, por cariño a los protagonistas de la saga original. Pero eso no quita que resulte fascinante el viraje que ha hecho Lindelof, capaz de coger esa mitología y ponerla como un pulso del duelo por los derechos civiles de Estados Unidos. Bien rodeado por intérpretes veteranos capaces de hacer creíble cualquier cosa (Jeremy Irons, Jean Smart, Don Johnson...), estamos ante una historia potentísima y liderada por Regina King.

Cuidadísimos flashback, ganchos en cada inicio de capítulo, una trama que sabe perfectamente a dónde va y una capacidad única para encontrar soluciones sofisticadas a los retos que se plantea a sí mima.

No hay mejor homenaje posible a Alan Moore.

Cuando José Luis Garci ofreció a Alfredo Landa la posibilidad de ser Germán Areta, estaba permitiendo a un gran actor salir de los tópicos del "landismo". De repente, aquel señor bajito que perseguía suecas no arrancaba ni una carcajada, convertido en "El Piojo", un astuto y desengañado policía que dejó el cuerpo para meterse a investigador privado.

La asociación dejó dos películas muy interesantes. Durante mucho tiempo se pensó en una tercera. Décadas después, llega bastante más tarde de lo que debía una precuela. Imposible que fuese con Landa por motivos obvios, la elección de Carlos Santos no es mala opción en lo absoluto, aunque, a título personal, me pareció muy interesante la posibilidad que se barajó de que fuese Víctor Clavijo, un actor excelente que podría haber traído un Areta distinto.

La cinta, rodada en nostálgico en blanco y negro, llevan a lo que David Gistau y su amigo Garci muchas veces propugnaron: "La nostalgia de lo no vivido". A grandes combates en New York jamás vistos por quienes los narran y ansía de una forma de hacer cine que ya se extinguió.

Hay diálogos logrados y escenas que consiguen convencer. Pedro Casablanc es un actor más que notable. El recuerdo de José Bódalo como comisario es insuperable, pero el primero logra que nos creamos a su personaje, con su fuerza bajo la apariencia bonachona-campechana.

A diferencia de esa mítica jugada que se nos cuenta, "El Crack Cero" no remata. Tras varios compases de buen cine negro, tiene cierto aroma impostado, de situación forzada. No disgusta el rato que se está en este universo. De hecho, con las piezas se podía haber jugado para lograr algo más redondo.

Gracias a joyas como "Asignatura pendiente", Garci demostró que era uno de los cineastas españoles que mejor captó el pulso de la sociedad de la Transición. Ahora, al evocarla, algo de eso se ha perdido. Casi sobraban esas referencias de trazo grueso al final de la dictadura.

Las personas aficionadas a Areta no deben perdérsela, pero el embrujo ya no es el mismo.

Letizia Battaglia podría tener perfectamente su propia película. Fotógrafa transalpina en épocas muy interesantes y convulsas de su nación, este documental es un acercamiento que analiza su biografía combinada con importantes referencias cinematográficas italianas, además de historias reales de la mafia en la localidad de Palermo.

Longinotto demuestra su pericia en el género con una historia bien contada y que, aunque muestra muchas simpatías por su narradora, también exhibe sus contradicciones y algunas lamentaciones por decisiones que tomó. La cámara consigue el efecto de ventana indiscreta y sentimos que nos metemos en la personalidad de esta reportera.

Asimismo, es una oportunidad de volver a confirmar que, pese a las excelentes cintas que plantean lo contrario, la verdadera Cosa Nostra tiene muy poco de glamour y mucho de violencia salvaje sin sentido. Las imágenes de archivo reales llegan a ser impactantes en muchos momentos, algunas incluso con una dureza que hacen a esta obra algo no apto para todos los púbicos.

Muy recomendable para ver cómo se hacen las cosas a la manera de Letizia.

Interesantísima película italiana basada en una original novela de una talentosa escritora. Film sesudo y con diálogos plagados de referencias históricas y literarias. Tampoco exento de defectos, puesto que incluso un director de gran talento como Ettore Scola (a quien debemos joyas como "Una jornada particular") se ve un poco agobiado ante tanto personaje y cita que deja un resultado desigual. Por ejemplo, en un primer acto bastante árido y metaficcional.

Hay varios montajes de la misma, algunas escenas solamente pueden verse en italiano con subtítulos. La noche de Varennes marca el final de la relación de Luis XVI y María Antonieta con su pueblo. En justicia, no habían sido monarcas más crueles que Catalina la Grande, zarina de todas las Rusias, o Luis XIV, el Rey Sol. Su gran pecado fue no ser tan hábiles y despiadados, además de insensibles con las malas cosechas y el endeudamiento de Francia desde sus campañas coloniales para perjudicar a los británicos con la futura Estados Unidos.

Soberbios intérpretes como Marcello Mastroianni dan vida a figuras que conviven entre la realidad y la ficción. Por ejemplo, el mítico y elusivo Casanova, aquí de capa caída y sumido en los antiguos recuerdos. Hay verdaderas apariciones como una Hanna Schygulla deslumbrante en calidad de una aristócrata que se resiste a perder su régimen con evocación del pasado versallesco. Es también la oportunidad de ver a un joven Harvey Keitel con su usual solvencia.

Con todo, es una pena que la película no alcance cotas más complejas, especialmente porque podría haber sido muy redonda. Más allá de la comedia y el romanticismo principesco, sorprende que cabezas que piensan tan bien como Scola no ahonden más poniendo el dedo en la llaga sobre los muchos vicios que llevaron al colapso del Antiguo Régimen.

Se ve con mucho más interés que pasión.

Bertolucci adapta a Moravia con su estilo personal. "El conformista" comienza de una manera innecesariamente extraña, casi caótica. Aunque luego se tiré del hilo, más allá de deseo de experimentación, no parece haber exigencias gubernamentales que exigieran semejante viraje. Como fuere, superado ese primer acto, estamos ante una película con momentos mayúsculas, una reflexión sobre el fascismo profunda y aterradora.

Los personajes son altamente extraños, inquietantes por diversos motivos, existiendo flashbacks emocionalmente intensos. El talento de Bertolucci le lleva a alcanzar lirismo incluso en la traición, componiendo escenas poderosas y haciendo que el Coliseo, ese rincón tantas veces retratado, adquiere aquí una dimensión extraña, bella y patética al mismo tiempo.

La locura tiene sentido. Incluso ese secundario que te parecía no tiene mucha presencia, toma un cariz de primera necesidad. Todo para llegar a un final aterrador, al absurdo del crimen y la barbarie, a la eliminación del "débil" como esta ideología propugna de manera implacable.

Un film del que se puede hablar poco sin revelar en exceso la trama. Una experiencia fílmica inusual a través de Bertolucci, un cineasta con mayúsculas.