Otelo (Othello) (1951)

Orson Welles –en otro de los episodios de su cíclica lucha contra la escasez– tuvo que rodar esta película como si la cámara fuera la mirada de un personaje observando desde el propio escenario, y no tanto la habitual perspectiva de espectador de platea, anteojos y amplia perspectiva de los recovecos de la secuencia.

Sin duda, esa puesta en escena otorga verosimilitud y cercanía, disimulando en parte las dificultades de la producción. Y lo hace exprimiendo cada esquina, cada hueco, recurriendo a planos cortos entre el gentío que potencian el polvo del camino, las plumas de los sombreros y las sombras, dando dinamismo y grandilocuencia a esos corredores de roca sin más estandartes que las huellas del tiempo sobre la mampostería.

Muchos diálogos, además, fueron añadidos después del rodaje al no poder grabar sonido e imagen a la vez, con lo que se recurrió a colocar en off al personaje o a mostrar al actor de perfil o de espaldas. En todo caso, y pese a los esfuerzos de la hija de Welles por restaurar algo del sonido años más tarde, aún se observan discrepancias importantes entre los gestos y las palabras. De hecho, en ese desesperado intento por arreglar el producto se encontraron diálogos y efectos sonoros grabados en una única pista, con lo que el proceso de restauración y separación fue muy complejo y solo en parte satisfactorio. Los diálogos, así, han quedado “tocados”. Pero también podemos apreciar un ridículo uso de la música en ocasiones, siendo la partitura más un apéndice que un componente del metraje.

Recomiendo –no queda otra– que se fijen en las imágenes y en la estructura de los planos (y no tanto en el juego de equívocos que plantea el guión). La gracia de esta cinta radica en la forma que tiene Welles de sortear la insuficiencia de medios y las adversidades (vestuario que no llegaba a tiempo, rodaje en multitud de escenarios que debían simular una unidad de espacio etc.) mediante una realización que reforzaba el detalle y la composición dramática del plano tratando de ocultar –con imágenes oblicuas de columnas, arcos o rostros– la sospecha de que los escenarios utilizados eran ya lugares más propios de turistas y fotos que de caballeros venecianos y temibles flotas turcas.

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El título de esta opinión es un recuerdo borroso de una conversación de Charlton Heston y Samuel Bronston –comentada, creo, en algún capítulo de 'Qué grande es el cine'– en la que bromeaban acerca de un callejón del decorado de '55 días en Pekín' que, pese a haber sido construido, no ocupó finalmente ni un solo fotograma de la película de Nicholas Ray.

Realización en b/n de Orson Welles, coguionista, coproductor, actor principal y director. El rodaje se realizó en localizaciones de Marruecos, Italia (Roma, Viterbo, Venecia) y en Scalera Studios (Roma). Es la adaptación al cine de la obra de Shakespeare, escrita (1603 c.) tras "Hamlet". Welles se basa en el libreto de la versión operística (1883) de Arrigo Boito. Obtuvo (1952) el Gran Premio del Jurado de Cannes.

La acción tiene lugar en Venecia y Chipre, en los últimos años del XV. Narra la historia de Otelo (Orson Welles), el moro de Venecia, de piel oscura, oficial del ejército, promovido a jefe de las tropas destinadas a la conquista de Chipre. Se enamora de Desdémona (Suzanne Cloutier), hija de Brabancio (Hilton Edwards), con la que se fuga y se casa contra los deseos del padre. Siendo gobernador de Chipre, nombra lugarteniente a Michael Cassio (Michael Laurence), hecho que levanta la envidia de Yago (Micheál MacLiammóir), que decide vengarse suscitando en Otelo dudas sobre la fidelidad de Desdémona y su adulterio con Cassio. Fuera de control, Otelo mata por asfixia a Desdémona. Emilia, esposa de Yago, descubre la mentira del marido, que la mata para evitar que hable, pero Otelo, conocedor de la verdad, enloquece de dolor.

La película abrevia el texto original y construye una narración de gran fuerza, en la que el relato visual entra en competencia con la grandeza de las palabras de Shakespeare. La obra, con 2 interrupciones, consumió 3 años de trabajos, entre 1949 y 1952, y exigió a Welles un gran esfuerzo económico, físico y artístico. La obra, pese a las tensiones del rodaje, presenta un elevado grado de coherencia y fluidez. Se apoya en una escenografía de magnífica factura, obra de Alexander Trauner. Las dificultades aguzaron el ingenio de Welles que dota a la obra de una soberbia atmósfera de opresión, misterio y ensueño. Explora el mundo complejo e insondable del amor humano, las pasiones que engendra, las debilidades que las condicionan, el desorden patológico de los celos incontrolados y la locura de un hombre físicamente fuerte, endurecido por la carrera de las armas, pero psicologicamente frágil. Otelo sabe enfrentarse a la intransigencia y a los prejuicios raciales de Brabancio, pero sucumbre ante el juego de falsas apariencias que Yago crea para engañarle. Son escenas destacadas la del baño turco, la muerte de Desdémona y los planos inicial y final.

La música acompaña con solemnidad, profundidad de sonido y sentido trágico la acción. La fotografía, de estética expresionista, se erige en el protagonista de una narración hecha sobre todo para ser vista. El guión pone en contradicción la fuerza física de Otelo y la fragilidad trágica de su espíritu. La interpretación de Welles y MacLiammóir son excelentes. Destaca la presencia de dos secundarios de lujo: Joseph Cotten (senador) y Jean Fontaine (paje). La dirección hace gala de su gran fuerza creativa.

Film de gran nivel y de gran interés. Muy recomendable.